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domingo, 30 de julio de 2017

Wynton Kelly Trio / Wes Montgomery ‎– Smokin' At The Half Note 1965

Wes Montgomery fiel continuador de las enseñanzas de Charlie Christian y Django Reinhardt fue y sigue siendo todo un referente dentro de los guitarristas del jazz. Guitarras tan ilustres como Pat  Metheny han seguido sus influencias para desarrollar su forma de tocar. 


Wes Montgomery nació en Indianapolis en 1923. Aprendió a tocar la guitarra de forma autodidacta y a los 20 años ya estaba tocando junto a sus hermanos  Buddy y Monk en "The Montgomery Brothers".  En el 48 entra a formar parte de la banda de Lionel Hampton y dos años después decide dejarlo todo y ponerse a trabajar en una fabrica. El retiro duraría unos siete años hasta que sus hermanos le convencieron de volver a tocar en el cuarteto "The Mastersounds". En el 57 graba su primer disco, "Fingerpickin' ". A lo largo de su carrera grabaría poco mas de una docena de discos y colaboraría con gente de la talla de John Coltrane,  Jimmy Smith y  Wynton Kelly. En 1968 muere de un ataque al corazón. 


 Smokin' At The Half Note  nos ofrece la colaboración entre dos grandes de jazz, Wynton Kelly y  Wes Montgomery. Podemos disfrutar de cinco temas dos de los cuales ,"No Blues" y "If You Could See Me Now.", están grabados en directo en el club  Half Note de Nueva York en junio de 1965. El resto de las composiciones, tres temas mas, se realizaron en los estudios Van Gelder de  New Jersey.. El resto de la banda esta compuesta por Paul Chambers (bajo) y Jimmy Cobb (batería) famosa sección de ritmo utilizada durante algún tiempo por Miles Davis. La cara A es la que está grabada en directo y comienza con "No Blues", un tema de Davis que se desarrolla durante 13 minutos donde la sincronía entre Wes y Wynton es total.  Prepararos a escuchar jazz de muy alta calidad por ello recomiendo crear el entorno adecuado. Baja la luz y siéntate en un sillón lo mas cómodo posible. Tu único pensamiento debe de ser disfrutar del momento.

J. C. Miñana



Temas
Side A
1.No Blues
2. If You Could See Me Now

Side B
3. Unit 7
4. Four on Six
5. What's New





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sábado, 29 de julio de 2017

BANSHEE - Puntos de luz (2007)

Banshee fue un grupo Cántabro formado a finales de 1997 por Raúl Serrano ( bajo), Marcos Regato (batería) y Carlos (teclados) de la banda Salamandra. Mas tarde se les uniría Javier Prieto (guitarra).  Su teclista Carlos no pudo compaginar sus estudios con su participación en dos bandas, Salamandra y Banshee, por ello decidió abandonar esta última.


En 2000 graban una maqueta con seis temas y posteriormente ganan el primer Concurso de Música Joven del Gobierno de Cantabria, reciben un premio económico y la oportunidad de grabar un CD compartido con las bandas finalistas. 

En 2006 entran en los estudios  y con la ayuda de sus amigos de Salamandra graban su primer disco, "Puntos de luz", que ve la luz en 2007.  Se incorpora a la banda el teclista Hahúm Cobo que ya había colaborado en tres temas del disco.

Por diversos problemas Raúl deja el grupo y se certifica su disolución en 2011.


Banshee nos ofrecen siete temas cargados de buen metal progresivo, nada que envidiar a bandas internacionales. Composiciones con una notable  e intrincada instrumentación donde los buenos riffs de Javier Prieto, el gran trabajo de Raúl Serrano al bajo ,magistral utilización del slap, y los ritmos de Marcos Regato nos trasladan a universos surcados por bandas como  Dream Theater, Rush, etc.  Tema destacado "Puntos de luz", 17 minutos con multitud de cambios de ritmo y de sonoridades. 
J.C. Miñana




Temas
1 - Salto al Vacio 00:00
2 - Mas Alla 09:05 
3 - No he perdido Nada 19:40
4 - Despertar 26:46
5 - A patadas Pido Perdón 33:48
6 - Puntos de Luz 44:20
7 - Ni 01:01:24

Formación
MARCOS REGATO: batería, percusiones
RAÚL SERRANO: voces, bajo, teclado, guitarras
JAVIER PRIETO: guitarra

Podéis descargar sus archivos sonoros en su propia web: http://www.bansheerock.net/Descargas.html 




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viernes, 28 de julio de 2017

CENTIPEDE - Septober Energy (1971) (Canterbury Ways)

Keith Tippet fue un enfant terrible  dentro de los pianistas de free jazz más legendarios de Inglaterra. Recordareis los pianos locos y extraños del “In The Wake Of Poseidon” y el “Lizard” de los venerados Crimson. Amigo de Fripp para lo más raro y demencial. Buena pareja de chalados. Asociado a lo más radical, experimental y vanguardista de la escena británica de los primeros 70´s, fue un icono en despejar dudas y rigideces en el aspecto más avanzado del jazz rock. Empeñado en quitar el corset que aprieta en términos de armonía y composición. Sus patillas y cara alargada son la foto freak bohemia de la época de tipo malote y outsider al menos en las pintas. Iconoclasta puro y duro, rompedor, y figura influenciable en los freak-jazz británicos de la época.


 En 1971 grabó el único registro oficial con la super big band Centipede. Aquí estaban todos los bohemios y raritos que puedas imaginar. La futura semilla del Third de Soft Machine estaban ya presentes: Elton Dean, Mark Charing, Nick Evans. Naturalmente Hugh Hooper no se perdió el evento. Por otro lado los Nucleus de Ian Carr: con Karl Jenkins, Roy Babbington y John Marshall por si había dudas y otra gente también  más o menos conocida y sospechosa de raro hasta llegar a la cincuentena. Cada uno de su madre y adicto al bizarrismo que ese año de colgaos gestó para nuestro entretenimiento y cultura musical. Los ciempiés  y el patillas rubio al piano, se metieron en el estudio durante unos días de 1971 para grabar Septober Energy, un doble LP antológico venerado por lo más florido de todo nerd musical que se precie. Imagino a los snobs de la época perdiendo aceite. 

Piedra angular del jazz rock más vanguardista inglés y semilla del lado más arisco del Canterbury en ciernes. Pero cuidado con este disco si eres bipolar,  esquizofrénico o sociópata, (ya sé que no sabes que lo eres…malditos y mentirosillos psiquiatras que no dicen que lo somos la mayoría) porque puede fundirte los plomos. 


En realidad Septober Energy es una jam en cuatro “movimientos”, uno por cara y creo que fue el típico: “…nos juntamos ciento y la madre, tocamos lo que sea, da igual y ancha es Castilla”. La locura está servida, los porros, el peyote, el ácido y la cerveza también y que no nos falte de nada. Yo tengo amigos que solo son normales cuando van ciegos lo que resulta acojonante y de difícil comprensión. Quizá porque ya han pasado de los 60 y han revertido las enfermedades de la juventud, quien sabe. El caso es que estos muchachos (de entonces) hicieron lo que era de prever, es decir, lo que les salió del rabo. Los desbarres a lo Coltrane, Davis, Cecil Taylor y la bizarrada free- cool no pueden faltar. Tippet somete al pobre instrumento a una mortificación sin clemencia. Los pistones y lengüetas de los instrumentos de viento parecen reventar. 

Una tribu enloquecida canta cosas sin sentido y voces iniciáticas están pariendo al Zeuhl francés. Notas, ritmos, sonidos al azar crean un caos con alevosía y premeditación. Más de 80 minutos de frenopático musical “pal que le eche güevos” y adore las barrabasadas más free-experimentales que te puedas imaginar. Escucha el disco y tú decides.
Alberto Torró


Temas
Septober Energy - Part 1 --00:00 ( Keith Tippett-Julie Tippett)
Septober Energy - Part 2 -- 21:39 ( Keith Tippett-Julie Tippett)
Septober Energy - Part 3 --45:07 ( Keith Tippett-Julie Tippett)
Septober Energy - Part 4 -- 1:06:20 ( Keith Tippett-Julie Tippett)










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jueves, 27 de julio de 2017

THE TANGENT - Le Sacré Du Travail (2013)

Parafraseando a la Consagración de la Primavera, la obra maestra de Igor Stravinsky de quien Andy Tillison ya adaptó una particular y fantástica versión prog en un álbum para los fans “A Place Of The Self” de 2009 (hablaremos de este álbum en el apartado lives y bonus disc) una nueva formación de Tangent se adentra en un trabajo muy ambicioso. Subtitulado  “An Electric Sinfonia in Five Movements”.  “La Consagración del Trabajo” es como bien dice una sinfonía progresiva en cinco movimientos. 


Bajo un tremendo álbum de rock sinfónico en toda regla la música expone a que nivel de alienación ha llegado la sociedad del siglo XXI. Los seres humanos reducidos a la mediocridad y a la esclavitud moderna en una vida insulsa de horarios dedicados a currar por salarios de mierda y a la adoración del entretenimiento vacío y estúpido en una carrera a contra reloj para ver quién es más imbécil, gañán e ignorante y completamente controlados por el gran hermano de las nuevas tecnologías, los trabajos de miseria, las crisis inventadas, la propagación del miedo a lo diferente, la eliminación paulativa de las libertades individuales, el ascenso de la violencia y el horror del mundo atrasado y enloquecido, y el control absoluto de nuestras vidas eliminando todo lo relativo a la cultura y el conocimiento. Pensar es un peligro y siempre lo fue pero ahora es incluso un delito. El mundo que viene, viene fuerte y horroroso,  y encontrar un refugio o un oasis cada vez es más complicado. Un mundo en manos de hijos de puta sin escrúpulos. 

La temática de Tillison siempre ha estado ligada a la actualidad y por fin el “rock sinfonizado” deja de hablar de duendes y de espíritus idiotas con alas, o de cursi amor fraternal. Sin mariconadas y con los pies en la tierra. Por la cuenta que nos trae y que la hostia no nos coja desprevenidos. Esto es más o menos lo que el nuevo trabajo de Tangent nos define en música. Afortunadamente la música no es el horror del texto y ejerce de liberación mental, aunque sea imaginada y exclusiva en tu cerebro.


Para esta ocasión el tremendo batería Gavin Harrison es contratado. Vuelve Jakko Jakszyk, siguen Theo Travis y nuevamente Jonas Reingold le sacude al bajo y el grupo funciona como una máquina perfecta. Musicalmente el álbum tiene más “profundidad y seriedad” incluso que antes. La música es compleja y elaborada al milímetro con impresionantes pasajes y como siempre excelentes melodías. Es música de la que ya pocos hacen y esto es importante tenerlo en cuenta. Yo esperé este disco con impaciencia, lo recuerdo. Se venían poniendo muy altas las expectativas y mi “otro yo” metido en las músicas modernistas clásicas de la primera mitad siglo XX, me pedía un acercamiento entre estilos.

Primer Movimiento: una obertura cuyo despertador pone al homo sapiens en funcionamiento y un piano al más puro George Antheil tipo mecanización futurista años 20, prepara al incauto a la pesadilla cotidiana. Se mezclan narración y música en un neo modernismo prog excitante donde sonidos de viola, flauta y sinte conversan con la guitarra solista hasta que el esplendor estalla en una pieza minuciosamente pictórica y descriptiva. Cinco minutos que se agotan en un suspiro.

Segundo movimiento: “mañana, viaje y llegada” casi 23 mtos tremendos de música deudora de un Debussy moderno o un Ravel extrañado en una resurrección. La melodía ya es clásica de la Tangente. La pesadumbre en ciertos puntos me hace recordar las neuras de Roger Waters por momentos, pero la delicadeza de la composición borra ciertas asperezas y nos sumerge en la magia y en los pasajes de madera y viento propios del impresionismo francés. Es difícil clasificar este tipo de composiciones y por tu mente corren The Enid, Isildurs Bane, ELP o las ocurrencias de Pär Linh Project, Un wakeman borracho e incluso frikadas a lo The Who. Los 70´s están ahí y la mejor fusión jazz rock constantemente en el órgano, en los ritmos mezclados en arreglos sofisticados con un Duke Ellington selvático y bizarro o un sofisticado Gerswhin. Vandergraaf parece abrir la tumba por momentos a veces dolientes otras tremendamente líricos. Una perfecta decadencia de buena, buenísima música y el feeling-groove que no cesa. Cambios, cambios y más cambios hasta que la nata desborda como una eyaculación sonora. Sin palabras y mucha paciencia si lo quieres disfrutar.


Los primeros compases del Tercer Movimiento podría recordarnos al Petrushka de Igor stravinsky discutiendo con Alban Berg o Edgar Varese. Rompen en Banco-Emerson y en el metamorfosi de los primeros. Uffff!  hay moderna música de cámara por momentos y el prog de siempre rompe aguas y se inundan los caminos.  La voz es áspera pero lo pide…toques Canterbury…?  pues claro faltaría más. Traffic…? joder también. La travesera Tull y el hammond se enzarzan en vuelo. Más jazz-rock, funky- corea- forever. Todo está aquí. Cuando te das cuenta han pasado 19 mtos sin enterarte del tiempo. Advenedizos abstenerse, bellos  y bellas durmientes también. Música para los que tienen callos en los cojones y heridos sentimientos y siento esta vulgaridad, pero se precisa como expresión llana y natural y porque yo soy así cuando algo me entusiasma. Final de movimiento inenarrable.

El cuarto movimiento es un breve pero encantador interludio de fina composición neo-clásico- tipo belle epóque que nos retrotrae a principios del siglo XX con protagonismo del piano la percusión y las maderas.

Evening TV cierra como quinto movimiento en puro prog sinfo a la Tangent de siempre. Melodía lujuriosa y energética para que Alejandro Magno entre en la ciudad conquistada sin problemas y en loor de multitudes. Cínico título para semejante épica inicial. Como si echase lágrimas al ver un sálvame de luxe presentado por Groucho Marx (sería impagable).

No suelo hablar alegremente de masterpieces pero este disco me tienta mucho en hacerlo.
Alberto Torró





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miércoles, 26 de julio de 2017

THE FANZ - The Grand Illusion (1977 / Illusion)

No es por ponerme exquisito  ni hacerlo a mala hostia, pero poco os puedo comentar como datos esenciales de éste disco. Tampoco Internet me ha ayudado mucho.Se supone que fue una banda procedente de Miami, Florida.  Y que en sus filas, presuntamente, estaba a la guitarra todo un Mike Pinera. En otros sitios, para liar más la cosa, pone que sólo fue el productor. Cuadra el hecho de que el área de acción del legendario guitarrista era esa, precisamente. Así que puede que estemos hablando del mismo hacha que se batió el cobre en Blues Image, Iron Butterfly, Ramatam, Thee Image, Alice Cooper y The New Cactus Band, ahí queda eso. Además de jamear con el mismísimo Hendrix o Page, y salir airoso de la contienda.


En mi dedicada acción detectivesca, puedo intuir ciertas cosas. Que el disco salió de sus bolsillos, (Illusion Records- "The Grand Illusion"). En 1977 Mike Pinera editaba "Isla" para Capricorn, con la misma formación de Thee Image. Y si comparamos ese disco del mismo año, con el de The Fanz,  vemos parecidos y similitudes. Salvo que "The Grand Illusion" es muy superior. "Isla" tiene su punto, agradable, elegante y con alguna inclinación latín rock.

 El primer tema de nuestro disco de hoy, "What is Real", es un coctail entre Funkadelic (mucho toque P-Funk), el Santana más jazz rock, y una voz estilo Robert Plant en su debut "Pictures at Eleven". Incluye percusiones y fuerte apoyo bateristico  (dos kits?). Algo que a Pinera siempre le ha gustado. Desde luego la guitarra aquí es excepcional, casi al nivel de un Jeff Beck, y el órgano se acerca a la generosidad de Tom Coster.

"Leaders of the World" es otra maravilla en plan jam entre el Santana del "Lotus" y el Frampton del "Comes Alive".

En "Dead End Street" tenemos ese punto negroide hecho por blancos (aunque ignoro el color de The Fanz), que tan buenos resultados daba a mediados 70, y estoy recordando a Bob Welch, por ejemplo. Con la chulería y macarrismo que aporta una brass section funkynosa nada desdeñable. La fogosa guitarra que te levanta todo cual viagra emocional, sigue calentando la sangre despiadadamente. 

"Look to the Sky" es de orientación bluesistica. El Hammond cizañea a toda la base rítmica,  para que las seis cuerdas se pongan todo furas  como un Miura cabreao  (que pa' todo tiene, el animal).


Damos la vuelta a tan curioso artefacto, y "Peace Maker" no estaría alejada de discos "malditos" de Iron Butterfly, como "Sun & Steel" o "Scorching Beauty", que a mí siempre me parecieron bastante decentes, dicho sea de paso y con perdón de los "psiconazis".

"Jailbait" es un instrumental tremendo de Jazz rock salvaje que en "Wired" o "Blow by Blow" quedaría niquelao, emersonianas teclas inclusive. "Tired & Wired" es otra joya muda con impregnación Jan Hammer, Stanley Clarke, Bootsy Collins y George Clinton, toma ya. 

Finalmente "Don't Hide it" es una ráfaga de subfusil ametrallador hard rock psych deudora de Spirit, James Gang, MC5 y Captain Beyond. Que se caga la perra (con perdón ) de lo bueno que es esto.

 Puede que la portada parezca un disco barato (para nada lo es!) de sinfonola de futbolines setenteros.  Pero The Fanz le atizaban al hard-psych-funk-jazz rock con músculo fibroso criado en la obra, (nada de "gym pilates, pijaito! ). Mis "votos rockliquianos " y mi juramento friki me obligan a daros a conocer estas cosas tan cojonudas aunque vayamos escasos de info.La gozada celestial está garantizada, feligreses todos. Amén. 
J.J. IGLESIAS



Temas
A1 What Is Real 5:35
A2 Leaders Of The World 4:05
A3 Dead End Street 3:45
A4 Look To The Sky 4:20
B1 Peace Maker 1:25
B2 Jail Bait 4:30
B3 Tired & Wired 3:40
B4 Don't Hide It 3:25



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martes, 25 de julio de 2017

TOE FAT - Toe Fat 1970

Quién me iba a decir cuando se me caía la baba escuchando los discos de Uriah Heep en mi adolescencia que tendría tan cerca a uno de sus miembros. Ken Hensley vive a tan solo unos 20 kilómetros de mi lugar de residencia. Agost es un pequeño pueblo de Alicante donde disfruta de un retiro dorado el genial músico. La elección del lugar le viene debido a que su mujer, Mónica,  nació por estas tierras. Incluso su esposa regenta un bar en una localidad cercana, Novelda, donde podemos admirar algunos de los recuerdos de la mítica banda. Lo cierto es que no es el único caso, no diré nombre para no desvelar su anonimato pero en más de una ocasión me he encontrado "Rock star" paseando tranquilamente por la playa.


Toe Fat se formó de la mano del cantante Cliff Bennett en 1969 tras la disolución de su banda la Cliff Bennett Band. El resto del grupo lo componían Lee Kerslake (batería), Ken Hensley (guitarra, teclados) y John Glascock (bajo, en los créditos  aparece como John Konas). Su primer disco llega en 1970, "Toe Fat", pero las buenas críticas no se ven reflejadas en las ventas. Antes de embarcarse en una gira por USA con los Derek and the Dominos, Hensley abandona el barco para formar parte de los Uriah Heep, posteriormente seguiría el mismo camino Kerslake. Teniendo como nuevos miembros a Alan Kendall (guitarra) y Brian Glascock (batería) editan su segundo disco, "Two".  En el 71 se separan definitivamente.


En este primer disco de Toe Fat podemos encontrar buenos temas hard rock. La fuerza vocal de Bennett respaldada en todo momento por las guitarras y teclados de Hensley constituyen un buen aliciente para escuchar los diez temas que constituyen el disco. Buenos riffs de un joven Hensley que posteriormente brillaría en los Uriah Heep. Temas destacados "That's My Love For You", "Nobody"y "Working Nights ". Como dato curioso la portada es de unos incipientes Hipgnosis. portada que fue censurada en Estados Unidos, los torsos desnudos de la izquierda fueron sustituidos por un corderito, ridículo.
J.C. Miñana




Temas

That's My Love For You 
Bad Side Of The Moon 
Nobody 
The Wherefors And The Whys 
But I'm Wrong 
Just Like Me 
Just Like All The Rest 
I Can't Believe 
Working Nights 
You Tried To Take It All




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lunes, 24 de julio de 2017

TERRY RILEY - A Rainbow in Curved Air (1969 / CBS) (Serie Pioneros)

Probablemente uno de mis pre-sintetistas favoritos, y verdadera influencia para todo bicho viviente que estaba por llegar.Su marca está  en el Kraut, el Canterbury más avanzado, el R.I.O. el rock de cámara y progresivo en general. También en los charlatanes de feria que "inventaron la rueda" en los 80-90 (dónde están ahora todos aquellos mesías que nos anunciaba en Radio 3, "la voz de la NBA"?!....).


Nacido en California en 1935, Riley estuvo envuelto en la comunidad experimental de San Francisco Tape Music Center,  trabajando con otros visionarios del talante de Morton Subotnick, Steve Reich o Pauline Oliveros. La influencia de su profesor  Pandit Pran Nath, maestro de canto clásico hindú,  fue decisiva en su estilo. El cual también tuvo como pupilo a La Monte Young.

Riley hizo numerosos viajes a la India, en busca de pensamiento, y arte espiritual que enriqueciera su obra. Y vaya si lo logró. Interesado también en las nuevas formas de Jazz, cita a John Coltrane, Miles Davis, Charles Mingus, Bill Evans y Gil Evans, como parte influyente de su estilo en proceso. Sin olvidar al maestro de la vanguardia, John Cage. 


"A Rainbow in Curved Air"  fue su tercer trabajo experimental, sexto en su discografía,  que había comenzado en 1963 con "Music for the Gift".

Dos únicas piezas, una por cada cara del vinilo, lo componen. El tema-título  con sus 18'39 mts, sorprende por su estrategia melódica muy avanzada para su tiempo. Con sólo un órgano y un electric harpsichord (que él llama Rock-Si-Chord), como equipo teclistico. Algo de percusión es utilizada con un dumbec y tambourine, por supuesto, todo tocado por Riley.

En mi opinión,  un verdadero inventor de las reiteraciones evolutivas que tanto papel harán en el posterior desarrollo del progresivo (eh, Sr Oldfield?) y de la electrónica más atrevida, particularmente de la Escuela de Berlín. Todos los grandes sintetistas posteriores pueden verse reflejados en la manera de componer, o "descomponer" improvisando, de Terry Riley. Como decía John Cage, "la música es una experiencia sonora casual". O una composición del momento, añado.

Una forma revolucionaria de entender la música,  que inspiraría toda la próxima psicodelia y sus ramificaciones (no siempre acertadas). Escuchando ésta sublime pieza llena de bucles sonoros e hipnotismo pletórico de mantras sonoros casi religiosos, estamos asistiendo al nacimiento del rock cósmico,  todavía no así denominado, pero que en manos de Riley evoca perfectamente lo que nos traerán luego los Florian Fricke, Peter Michael Hamel,  Michael Hoenig, Walter Wegmuller y todos los "correos cósmicos " más famosos : (TD, Schulze, Gottsching, Dollase, Reichel, Schmidt....).

La segunda cara contiene "Poppy Nogood and the Phantom Band" (21'38), (que parece el nombre de una banda punk del 77!!). Aquí incluye fuerte overdubbing en forma de masa sonora hecha con varios instrumentos. Loopeando dos tape machines, -puro arte primitivo del sampler-, y agregando órgano y saxo inspirado en su amado Coltrane. El cual le hubiera hecho la ola de haber podido escuchar esto. Trágicamente dejaría  éste mundo justo cuando ésta música se estaba creando, en 1967, (aunque el album no saldría hasta el 69).

Si en la primera cara asistimos casi al parto de la Berlín School, en la segunda lo hacemos del Rock in Opposition. Tal es la importancia  clave de éste fabuloso álbum. Que incluso inspiró a los progers Curved Air su propio nombre.

En el 2007 Riley hizo una revisitacion live de "A Rainbow in Curved Air", asistido por Willi Wynant en la percusión y Mikhail Graham en los sintetizadores. A sus 82 años, Terry Riley sigue alucinando con su inacabable fuente de creatividad, sabiduría y visión de futuro.
Una obra maestra digna de un GENIO.
J.J. IGLESIAS


Temas
1. A Rainbow in Curved Air - 00:00
2. Poppy Nogood and the Phantom Band - 18:46





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domingo, 23 de julio de 2017

The J Geils Blues Band - New Penelope Club, Montreal,1968

The J Geils Blues Band se formó a mediados de los 60. Sus tres primeros miembros fueron el guitarrista  John Geils, el bajista Danny Klein y el armonicista Richard Salwitz (Magic Dick), posteriormente se les unieron  Stephen Bladd (batería),  Peter Wolf (voz) y finalmente  Seth Justman (teclados).


En 1970 fichan por la  Atlantic Records  y abren conciertos para Johnny Winter , BB King y The Allman Brothers entre otros. En Noviembre editan su primer disco, "The J. Geils blues Band", y en el 71 llegaría "The Morning After". Dos años más tarde y con un buen numero de seguidores editan dos Lp's en un año, "Bloodshot" y  "Ladies Invited ", consiguiendo subir en las listas dado el carácter comercial de algunos de sus temas.  Durante la década de los 70 publicó cuatro discos mas: "Nightmares...and Other Tales from the Vinyl Jungle" (1974), "Hotline" (1975), "Monkey Island "(1977) y "Sanctuary" (1978).  En los 80 llegaron a los primeros puestos con "Love Stinks" (1980) y "Freeze Frame" (1981). El single " Centerfold" estuvo seis semanas como número 1.  En el 82 son teloneros en la gira de los Stones incluidos los conciertos en España. Ese mismo año ve la luz su LP en directo "Showtime". En 1983 Peter Wolf abandona la banda y un año más tarde editan su último disco, "You're Gettin' Even While I'm Gettin' Odd", antes de separarse en el 85.


La grabación nos presenta la actuación de The J. Geils Blues Band en sus inicios. El concierto se realizó en Montreal en el New Penelope Club en Septiembre de 1968. El grupo estaba compuesto por J. Geils (guitarra), Peter Wolf (voz), Danny Klein (bajo),  Magic Dick (armónica) y Steven Bladd  (batería). El Setlist está plagado de temas clásicos de blues "You Don't Love Me", "Rock me baby", "Don't Start Me Talking", "It Hurts Me Too".... Grande muy grande J. Geils a la guitarra y por supuesto la armónica de Magic Dick. Una grabación  con excelente sonido de más de hora y media que se pasa volando.
J.C. Miñana



Temas
1. dust my broom 00:00
2. Look over yonder 05:25
3. Slow Blues Jam 10:30
4. You Don't Love Me 19:45
5. Orange Driver 25:30
6. Something you got 31:00
7. Smokestack lightin'  (w/ band intro in middle) 35:10
8. Rock me Baby 48:45

2nd set

1. Geis Magic Jam 02 54:15
2. Somebody's gotta go 59:10
3. Help me 01:03:45
4. Peter Wolf Into 01:12:00
5. everythings gonna be alright 01:12:10
6. It hurts me too 01:15:05
7. Black Night 01:20:20
8. Do The Funky Broadway 01:26:10



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sábado, 22 de julio de 2017

MY EXPANSIVE AWARENESS - Going Nowhere ((2017 / ANALOG LOVE)

 Cada vez que os presento por aquí una banda de Zaragoza, tengo que hablar irremediablemente de buenos amigos. Es lo que tiene haberse empleado a fondo en la noche. Con dos bares de nombre "Morrison Hotel" (en los 90) y "Hendrix" en los dosmiles,  esto es normal.

Con el insano hambre de mordidas por parte de las sacrosantas instituciones hacia esos lugares, además de que la cultura les da mucho miedito, un buen día les cerré la puerta en los morros. Y descubrí la felicidad. No, no los echo de menos. Pero quizá sí a muchos de mis parroquianos, jóvenes y veteranos, con los que pasé muchas horas escuchando la mejor música que pude ofrecer. Algo del ADN del "Hendrix Bar"se quedó enredado en las neuronas de My Expansive Awareness. Porque estaban alli a todas horas y ese mágico lugar (aseguro que lo es), marca.


Los vi como grupo por primera vez abriendo un bolo de los alemanes (recomendados), Vibravoid. Con toda sinceridad, me encantaron. No sólo recreaban el tiempo musical que ejercen perfectamente. También sabían hacer canciones que sonaban casi a clásicas instantáneas. 



Entre el 2013 - 2014 se formaron, editaron el EP "Uroboros" y crearon su propio sello Analog Love. Se involucran en el Zgz Psych Fest,  el cual se celebra anualmente. Y tocan en todas partes, festivales, finalizan o ganan concursos, o se van a mostrar sus alucinadas esperanzas por Alemania, Portugal, Francia, Turquía o USA. 





En 2015 sale su espléndido debut, lleno de naturaleza espontánea,  que refresca la naciente nueva psicodelia hispana. Aparecen en uno de los samplers de la Classic Rock británica,  dedicado ese mes a a las mejores propuestas psico mundiales. Y ellos mismos editan en su sello el recopilatorio "Spanish Neo-Psych Collection".

Actualmente la formación la componen José Briceño (guitarra,  voz), Lucía Escudero (voz, percusión ), Juan Gracia (batería), Diego Luis (synths, Farfisa) y el más reciente Jota García al bajo.
Este año han editado su segundo, "Going Nowhere", grabado el verano del 2016. Y siguen su evolución meteórica  a pasos agigantados. Da la impresión de que esta banda no para ni un segundo.



El tema-título abre con definitivos bowierismos instrumentales, pero la conjunción de las voces de José y Lucía,  nos recuerdan que su sonido es My Expansive Awareness de marca. Space rock sin miramientos, que hubiera encantado a los habituales del UFO o el Middle Earth en el Londres de finales 60. 

"Heaven" es un perfecto single, de inteligencia melódica  y radiable solvencia....en un mundo que ya no existe. Necesitamos soñadores como éstos. 

La fidelidad sonora, nada de artificiosos attrezzos truculentos, sigue en "The Wheel". Donde su nebulosa musical admite vibraciones casi reggae. Todo encaja. Y a mí me recuerdan a tantos dreamers de antaño, de los buenos,  que diré December's Children por sólo nombrar uno.

 El espíritu de un Barrett flamenco levita sobre "Never Got what you Wanted" con soltura y naturalidad. Estos tíos tienen esa gran virtud.



Otra gema es "Life'", manifiesto surrealista de morbosas melodías y dedicado trabajo artesanal, no muy alejado de los inolvidables Sapphire Thinkers. Los delays y espirales sintetizados sin fin, casi los acercan a Hawkwind en "Talking". De hecho los de Dave Brock "inventaron" el sonido punk del 77, y éste corte algo de eso lleva.

La reflexiva "We All Die" es como una jam entre Paul Kantner y Grace Slick en un concierto de Procol Harum. Pero también pasaría el filtro de ilustres contemporáneos  como White Willow o Paatos, porque su calidad va pareja a ellos. 

El instrumental "Bamboo" es un arranque kraut excepcional, con mucha sabiduría en su desarrollo y recuerdos para Embryo, Popol Vuh o Yatha Sidhra sin ningún tipo de complejos. 

Terminando con "My Expansive Awareness", apropiado himno del grupo que destila hasta esencias country-místicas,  con su steel y todo. Como unos Navasota del nuevo siglo.

"Going Nowhere" es un trabajo coherente y pensado, que solidifica un estilo que ya comprobamos magnífico en sus principios. Y que abre el futuro de la banda hasta donde ellos quieran llegar, porque aquí hay mimbres de oro.

Me gusta pensar que, como en el anuncio de la tele,  éste disco tiene "un poquito de mi". Encantado me tiene.
J.J. IGLESIAS




Contacto:

correo: lolo@analoglove.es




P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70

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viernes, 21 de julio de 2017

THE WINSTONS (2016) Italia (Canterbury ways)

Bajo el pseudónimo The Winstons este trio italiano procedentes de Milan tienen su origen en la escena rock indie completamente deudora de los sonidos del pasado psicodélico. 


Lino Gitto, Roberto Dell y Enrico Gabrielli se reparten toda la instrumentación de teclados, viento, guitarra, bajo y batería al tiempo que todos cantan y además en la misma línea irónica que practicaron los locos de Canterbury en los primitivos inicios. Todo muy vintage, muy psicodélico con ese toque absurdo y floripondio ya muy pasado de moda que caracterizaba a los grupos de mediados de los años 60. Todo premeditado naturalmente y recreando esa atmósfera británica que conocimos como British Invasion. Sinceramente no sé si son un grupo musicalmente “serio” porque la delgada línea entre lo “Old Fashioned” y lo pretendidamente moderno que quiere reivindicar un añorado pasado, se confunde. 




El caso es que se han vertido muchos elogios y han cargado de estrellas este su único álbum hasta la fecha y un “Live In Roma” como complemento. Me huele todo algo snob sinceramente. Las voces son un claro tributo y muy descarado a Robert Wyatt y a los aspectos más patafísicos y bromistas del Canterbury. De hecho suenan como unos adolescentes Soft Machine. Muy conseguido realmente pero nada que se pueda considerar algo original. No solo los británicos quedan en el poso del sonido antiguo. Hay algo de costa oeste tipo Byrds Si escuchas el sonido del órgano Farfisa, aquel cacharro cuya carcasa oscilaba entre plástico metalizado y formica o nácar chillón que sonaba a tastarro encantador, veras una clara premeditación. Rick Wright de Pink Floyd o incluso Doug Ingle de los Iron buterfly utilizaron este dinosaurio de las teclas y hasta yo llegué a tocarlo con 14 años y no sabía ni poner una nota. 



La música de los Winstons es una postal desgastada y esa es su gracia. Sin embargo me parece una rebuscada franquicia demodé orientada a lo nostálgico. Pero también resulta que los que escribimos en Rockliquias tenemos bastante de nostálgicos y de retro y principalmente si es rarito y fuera de estándares. No es nada personal es solo por tocar un poco los eggs a los que nos puedan llamar desfasados, frikis o fuera de onda (si hay alguien que lo piense, que seguro). Hay mucha tendencia actual a recrear la vieja psicodelia y el viejo retro- rock greñudo, la palabra “stoner” está hoy en boca de los revisionistas del pasado. Aún recuerdo un comentario escrito en una revista modernilla de los 80´s que decía: “si en una reunión de amigos dices que hoy te gusta la música de Frank Zappa vas a quedar fatal” Que curiosas son las épocas. Conste que nosotros siempre estamos por lo original y no la copia. Salvo que la copia supere al original, cosa escasa en posibilidades y con alto margen de improbabilidad.
Alberto Torró



Temas

1. Nicotine Freak 00:00

2. カンガルー目(Diprotodon) 04:33
3. Play with the rebels 08:42
4. ... On a dark cloud 12:23
5. She's my face 20:16
6. A reason for goodbye 24:38
7. Dancing In The Park With A Gun 30:39
8. Viaggio Nel Suono A Tre Dimensioni 35:55
9. Tarmac 39:28
10. 番号番号 (Number Number) 42:58











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jueves, 20 de julio de 2017

THE TANGENT - Comm (2011)

Pasan dos años desde el anterior trabajo y la banda de Tillison emprende vuelo otra vez ahora con el nuevo fichaje y jovencísimo guitarrista Luke Machin  que va a asentarse de forma estable hasta el momento. También Paul Burgess es sustituido en los tambores por un tal Nick Rickwood. 


Se ve que es jodido en este siglo un asentamiento fijo en una banda de rock progresivo y muchos de sus asientos se enfrían rápidamente. Los chalados de Canterbury hacían constantemente lo mismo. Cantamañanas… gente inquieta o es que se avergüenzan después de lo que hacen…?. En esto hay muchos os lo aseguro y dan pena. La patología en el mundo de la música es mucho más rarita de lo que la gente cree. Probablemente porque estamos todos completamente locos y ya sabéis que la locura es un bien común siempre que seas ateo y ácrata, bebas cerveza, utilices la inteligencia, el buen humor y no te dé por las creencias religiosas o la engañosa vida sana y la moda del deporte (vivirás menos si sales a correr) Y si además tienes pensamiento neoliberal vas  camino directo a la tontuna. Es peor un neoliberal que un facha o un comunista (estos se parecen mucho pero no son tan malos y bordes)  Porque entonces ya perteneces a la imbecilidad congénita y la locura insana que es la guinda. Prácticamente devienen en lo mismo. Bueno después de mis recomendaciones de autoayuda, volvemos al asunto, pues Tangent aquí han puesto un listón que a ver quién es el listo que lo supera. Hoy por hoy no hay bandas progresivas con semejante potencial (y lo sabesss)



The Wiki Man (20.14) otra epic track para sacudirte a gusto la cabeza y olvidarte de la estupidez del mundo. Así da gusto. La música es un antidepresivo natural, tanto la oscura y siniestra como la luminosa y lírica. La una porque te vacuna y te endurece ante la realidad asquerosa de la vida y la otra porque saca lo mejor de nosotros mismos y lo mejor de nosotros es siempre fantástico. Ying y Yang ya sabes. Introducción a la Wakeman-Emerson- Uk pletórica de buenas vibraciones y alegría. Nada de dormirse. Para eso ya están los neo prog alternativos. La áspera pero personal voz de Andy, al igual que un Hammil en sus momentos asilvestrados conduce la pieza en pleno feeling y desbarre instrumental completamente setentero y adictivo. El chaval de la guitarra es un prodigio tocando. Las partes Groove piano órgano están perfectas y el sinte solista desafía a todos con energía y gusto. Hay remansos porque algo muy importante en música son los “silencios sonoros” esos puentes que a la vez abren nuevas puertas y permiten que el aire y la respiración corran y se expandan. Se palpa el sentimiento y la técnica en perfecta comunión hasta que la bestia despierta y nos pone de nuevo en marcha. Andy es un sintesista-teclista de primer orden y sabe mucho el cabronazo de él. Sabe cómo construir un tema largo con sentido y lógica y pocos músicos hoy día son capaces de ello. 20 mtos que se hacen cortos y ese es el mejor piropo para un músico.




 “The Minds Eye” cambia de registro y es algo más paranoica y grave…casi space rock emersonizado…ufff curioso…Gong…Bruford al fondo y National- Hatfield soltando humos. Densidad y tensión que se resuelve a la Hillage-Ozric. Mezcla rara y que guitarra santo cielo!!!. Mucha clase, pero que mucha. La evolución de The Tangent va sorprendiendo en este disco. Los que hablamos de música somos conscientes del riesgo que supone “ilustrar con literatura” lo que oye tu cabeza. Nadie oye igual y ahí está lo fascinante. La música es el arte más abstracto que existe. Mucho más que las cuatro manchas retorcidas de Picasso o la hermosa perfección pictórica de Louis David. Va más lejos y eso es un reto.




 La delicadeza inicial casi Metheny de  “Soot Them Down” y el hermoso saxo de Travis nos hacen mirar de nuevo el atardecer lejano y una guitarra llorosa y bajo sin trastes ayudan a ello. Los Floyd-Gilmour de hoy no están muy lejos tampoco. Sin embargo es una pieza muy estandarizada del prog de hoy…abúlico de sofá pero claro perfectamente realizada.  




Vuelve el toque Canterbury-organ, incluso el fantasma de Ian Anderson en la siguiente “Tech Support Guy” y Luke Machine vuelve a alegrarme con su fino gusto a la guitarra y tillison se deshace en elogios con el hammond. Tan solo se trata de una buena pieza prólogo de lo que viene. 




Ahora el Titanic va a llamar desesperadamente al Carpathia en una suite de casi 17 mts y esta historia trágico-épica de 1911 se nos aparece de nuevo en una descriptiva música casi deudora de los inicio clásico modernistas de principios del siglo XX. Tillison se nos revela como un amante de la clásica modernista de la belle epoque y a partir de aquí compositores inmortales van a ser su influencia. La música ahora es muy descriptiva y va a ser una pequeña película musicada. Dejo al oyente que disfrute los diferentes y no siempre fáciles y amables pasajes del desastre. UK están muy presentes en esta enrevesada pieza de rock-jazz-rock-sinfonismo y conviene mirar el prospecto para evitar efectos secundarios.

 En general un disco verdaderamente genial y que les viene muy grande a los seguidores de lo alternativo, lo neo, lo post y lo metalero. Para hacer esta música no basta con aprobar alguna asignatura prog, hay que hacer la especialización y sacar sobresaliente en el máster y aun así esperar unos años de veteranía y conocimiento. Pero no os desaniméis chicos, nada es imposible
Alberto Torró






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