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viernes, 21 de julio de 2017

THE WINSTONS (2016) Italia (Canterbury ways)

Bajo el pseudónimo The Winstons este trio italiano procedentes de Milan tienen su origen en la escena rock indie completamente deudora de los sonidos del pasado psicodélico. 


Lino Gitto, Roberto Dell y Enrico Gabrielli se reparten toda la instrumentación de teclados, viento, guitarra, bajo y batería al tiempo que todos cantan y además en la misma línea irónica que practicaron los locos de Canterbury en los primitivos inicios. Todo muy vintage, muy psicodélico con ese toque absurdo y floripondio ya muy pasado de moda que caracterizaba a los grupos de mediados de los años 60. Todo premeditado naturalmente y recreando esa atmósfera británica que conocimos como British Invasion. Sinceramente no sé si son un grupo musicalmente “serio” porque la delgada línea entre lo “Old Fashioned” y lo pretendidamente moderno que quiere reivindicar un añorado pasado, se confunde. 




El caso es que se han vertido muchos elogios y han cargado de estrellas este su único álbum hasta la fecha y un “Live In Roma” como complemento. Me huele todo algo snob sinceramente. Las voces son un claro tributo y muy descarado a Robert Wyatt y a los aspectos más patafísicos y bromistas del Canterbury. De hecho suenan como unos adolescentes Soft Machine. Muy conseguido realmente pero nada que se pueda considerar algo original. No solo los británicos quedan en el poso del sonido antiguo. Hay algo de costa oeste tipo Byrds Si escuchas el sonido del órgano Farfisa, aquel cacharro cuya carcasa oscilaba entre plástico metalizado y formica o nácar chillón que sonaba a tastarro encantador, veras una clara premeditación. Rick Wright de Pink Floyd o incluso Doug Ingle de los Iron buterfly utilizaron este dinosaurio de las teclas y hasta yo llegué a tocarlo con 14 años y no sabía ni poner una nota. 



La música de los Winstons es una postal desgastada y esa es su gracia. Sin embargo me parece una rebuscada franquicia demodé orientada a lo nostálgico. Pero también resulta que los que escribimos en Rockliquias tenemos bastante de nostálgicos y de retro y principalmente si es rarito y fuera de estándares. No es nada personal es solo por tocar un poco los eggs a los que nos puedan llamar desfasados, frikis o fuera de onda (si hay alguien que lo piense, que seguro). Hay mucha tendencia actual a recrear la vieja psicodelia y el viejo retro- rock greñudo, la palabra “stoner” está hoy en boca de los revisionistas del pasado. Aún recuerdo un comentario escrito en una revista modernilla de los 80´s que decía: “si en una reunión de amigos dices que hoy te gusta la música de Frank Zappa vas a quedar fatal” Que curiosas son las épocas. Conste que nosotros siempre estamos por lo original y no la copia. Salvo que la copia supere al original, cosa escasa en posibilidades y con alto margen de improbabilidad.
Alberto Torró



Temas

1. Nicotine Freak 00:00

2. カンガルー目(Diprotodon) 04:33
3. Play with the rebels 08:42
4. ... On a dark cloud 12:23
5. She's my face 20:16
6. A reason for goodbye 24:38
7. Dancing In The Park With A Gun 30:39
8. Viaggio Nel Suono A Tre Dimensioni 35:55
9. Tarmac 39:28
10. 番号番号 (Number Number) 42:58











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jueves, 20 de julio de 2017

THE TANGENT - Comm (2011)

Pasan dos años desde el anterior trabajo y la banda de Tillison emprende vuelo otra vez ahora con el nuevo fichaje y jovencísimo guitarrista Luke Machin  que va a asentarse de forma estable hasta el momento. También Paul Burgess es sustituido en los tambores por un tal Nick Rickwood. 


Se ve que es jodido en este siglo un asentamiento fijo en una banda de rock progresivo y muchos de sus asientos se enfrían rápidamente. Los chalados de Canterbury hacían constantemente lo mismo. Cantamañanas… gente inquieta o es que se avergüenzan después de lo que hacen…?. En esto hay muchos os lo aseguro y dan pena. La patología en el mundo de la música es mucho más rarita de lo que la gente cree. Probablemente porque estamos todos completamente locos y ya sabéis que la locura es un bien común siempre que seas ateo y ácrata, bebas cerveza, utilices la inteligencia, el buen humor y no te dé por las creencias religiosas o la engañosa vida sana y la moda del deporte (vivirás menos si sales a correr) Y si además tienes pensamiento neoliberal vas  camino directo a la tontuna. Es peor un neoliberal que un facha o un comunista (estos se parecen mucho pero no son tan malos y bordes)  Porque entonces ya perteneces a la imbecilidad congénita y la locura insana que es la guinda. Prácticamente devienen en lo mismo. Bueno después de mis recomendaciones de autoayuda, volvemos al asunto, pues Tangent aquí han puesto un listón que a ver quién es el listo que lo supera. Hoy por hoy no hay bandas progresivas con semejante potencial (y lo sabesss)



The Wiki Man (20.14) otra epic track para sacudirte a gusto la cabeza y olvidarte de la estupidez del mundo. Así da gusto. La música es un antidepresivo natural, tanto la oscura y siniestra como la luminosa y lírica. La una porque te vacuna y te endurece ante la realidad asquerosa de la vida y la otra porque saca lo mejor de nosotros mismos y lo mejor de nosotros es siempre fantástico. Ying y Yang ya sabes. Introducción a la Wakeman-Emerson- Uk pletórica de buenas vibraciones y alegría. Nada de dormirse. Para eso ya están los neo prog alternativos. La áspera pero personal voz de Andy, al igual que un Hammil en sus momentos asilvestrados conduce la pieza en pleno feeling y desbarre instrumental completamente setentero y adictivo. El chaval de la guitarra es un prodigio tocando. Las partes Groove piano órgano están perfectas y el sinte solista desafía a todos con energía y gusto. Hay remansos porque algo muy importante en música son los “silencios sonoros” esos puentes que a la vez abren nuevas puertas y permiten que el aire y la respiración corran y se expandan. Se palpa el sentimiento y la técnica en perfecta comunión hasta que la bestia despierta y nos pone de nuevo en marcha. Andy es un sintesista-teclista de primer orden y sabe mucho el cabronazo de él. Sabe cómo construir un tema largo con sentido y lógica y pocos músicos hoy día son capaces de ello. 20 mtos que se hacen cortos y ese es el mejor piropo para un músico.




 “The Minds Eye” cambia de registro y es algo más paranoica y grave…casi space rock emersonizado…ufff curioso…Gong…Bruford al fondo y National- Hatfield soltando humos. Densidad y tensión que se resuelve a la Hillage-Ozric. Mezcla rara y que guitarra santo cielo!!!. Mucha clase, pero que mucha. La evolución de The Tangent va sorprendiendo en este disco. Los que hablamos de música somos conscientes del riesgo que supone “ilustrar con literatura” lo que oye tu cabeza. Nadie oye igual y ahí está lo fascinante. La música es el arte más abstracto que existe. Mucho más que las cuatro manchas retorcidas de Picasso o la hermosa perfección pictórica de Louis David. Va más lejos y eso es un reto.




 La delicadeza inicial casi Metheny de  “Soot Them Down” y el hermoso saxo de Travis nos hacen mirar de nuevo el atardecer lejano y una guitarra llorosa y bajo sin trastes ayudan a ello. Los Floyd-Gilmour de hoy no están muy lejos tampoco. Sin embargo es una pieza muy estandarizada del prog de hoy…abúlico de sofá pero claro perfectamente realizada.  




Vuelve el toque Canterbury-organ, incluso el fantasma de Ian Anderson en la siguiente “Tech Support Guy” y Luke Machine vuelve a alegrarme con su fino gusto a la guitarra y tillison se deshace en elogios con el hammond. Tan solo se trata de una buena pieza prólogo de lo que viene. 




Ahora el Titanic va a llamar desesperadamente al Carpathia en una suite de casi 17 mts y esta historia trágico-épica de 1911 se nos aparece de nuevo en una descriptiva música casi deudora de los inicio clásico modernistas de principios del siglo XX. Tillison se nos revela como un amante de la clásica modernista de la belle epoque y a partir de aquí compositores inmortales van a ser su influencia. La música ahora es muy descriptiva y va a ser una pequeña película musicada. Dejo al oyente que disfrute los diferentes y no siempre fáciles y amables pasajes del desastre. UK están muy presentes en esta enrevesada pieza de rock-jazz-rock-sinfonismo y conviene mirar el prospecto para evitar efectos secundarios.

 En general un disco verdaderamente genial y que les viene muy grande a los seguidores de lo alternativo, lo neo, lo post y lo metalero. Para hacer esta música no basta con aprobar alguna asignatura prog, hay que hacer la especialización y sacar sobresaliente en el máster y aun así esperar unos años de veteranía y conocimiento. Pero no os desaniméis chicos, nada es imposible
Alberto Torró






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miércoles, 19 de julio de 2017

PULSE (feat. CARLO MASTRANGELO) - Pulse (1972 / THIMBLE)

Esta historia comienza un poco reguleras,  pero luego se arregla. Nos tenemos que remontar a los tontorrones tiempos del doo-woop,en los finales 50. Un estilo de rocanrol bastante ingenuo e infantiloide, pero era lo que había. Dion and the Belmonts fueron unos ases del asunto. Y en sus filas militaba un tío con superpoderes en la batería y atronadora voz, llamado Carlo Mastrangelo, vecino del Bronx. Solian ir de gira con Buddy Holly, el cual le propuso pasarse a su grupo hasta en un par de ocasiones. Finalmente cuando el boom del rock'n'roll se relajó,  Carlo se uniría a una banda de New York llamada The Endless Pulse. Con ellos grabó una serie de singles entre el 68 y 69. La cosa se reduce a Pulse (con el "featuring"), cuando Carlo se hace con las riendas del grupo a nivel compositivo. Grabando a finales de 1971 su único álbum en el pequeño sello Thimble. Lo produce un reputado hombre de jazz, Orrin Keepnews, que ya había trabajado con Wes Montgomery, Thelonious Monk y Bill Evans. Esto iba a ser distinto.

Pulse estaba compuesto además de por Carlo en la batería y voz solista, por Kenny Sambolin (bajo, voces), Richie Goggin (guitarras, voces), Chris Gentile (órgano), y el invitado Bill Golden que participa en diversos teclados.

"Understanding" (6'03) comienza como un score de película de Clint Eastwood de ésa época,  versión poli duro contra la droga de los jipis guarros. La voz de Mastrangelo es poderosa, (y también los coros). Y esto se convierte ipso facto en un festín hard-prog-psych de categoría nivel Premium. La organada es hermosa, los ritmos, incluyendo percusiones, sobrados, y las progresiones deudoras de Iron Butterfly/Vanilla Fudge. El break instrumental por la mitad recuerda a lo que harán combos de tierra helada, más adelante. Fruitcake o Anekdoten, por ejemplo. Lo de utilizar un kazoo como otro instrumento solista más,  en avalancha, no deja de ser sorprendente.

"Peace I" (1'11) es una reflexión al Hammond que no quedará ahí. ..."I Want  to Live" (4'43) suena como muchas retro-psych bands de ahora estilo Siena Root o Mondo Drag. Sólo que esto es genuino y de su tiempo. Con tremenda andanada hard que los iguala con monstruos criptozoologicos  del peso de Child,  Sugarloaf, Lee Michaels o The Masters of Deceit.

"I'll Cry Tomorrow" (6'43) tiene en su intro con kazoo una surreal entrada, algo así como John Coltrane meets Los Payasos de la Tele. Pero la (tardo) psicodelia era así,  hermano. Los Thirteenth Floor Elevators soplaban un botijo (o parecido) como instrumento desequilibrante, y han pasado a la historia. Eso no quita para asistir a un pedazo de pieza progresiva intransigente con lo mejor del momento.


En la cara b "Why Can't She See Me?" (3'54) es otra gema que Mark Stein les hubiera birlado gustoso para sus Fudge. Richie Goggin luciendo las seis cuerdas como si no hubiera más guitarras en el mundo. 

"Peace II" (1'11) vuelve a barroquizar con el órgano.  En "She's Coming Home" (3'06) el paso de la psico al prog se hace patente, quizá algo tarde ya, pero un buen tema siempre es un buen tema. 

En cambio el comienzo de "Break of Day" (4'29) es puro hard rock no distante del otro Richie y sus Purple del "Fireball". Excelentemente tocado, cantado y percusioneado (de esto en cantidad en todo el disco). Situalos por el "Sufficiently Breathless" de Captain Beyond y no te irás mucho. Los Vanilla Fudge también encantados.

 "Long Ago" (6'32) es otro hermoso óleo prog que, si Freeport, Katmandú  (los del sello Mainstream), o Salem Mass te suenan a chino (lástima que no los vendan en sus tiendas), te guiará más si te los comparo con los primeros Uriah Heep, o cualquier monster british downer de primer nivel.

 Para terminar, "Peace III" (1'07) es otra demostración de Hammond sacro, que te deja listo para volver a empezar.

Carlo Mastrangelo continuó junto a Kenny Sambolin (al que le atribuyen material escrito para Mahogany Rush, que me digan donde......) en el grupo The Midnite Sun. Mastrangelo falleció el año pasado.

"Pulse" es un disco de muy alta nota (a pesar del kazoo), que tuvo versión posavasos plateado, y que debería salir en cada uno de esos dossiers sobre el prog USA 70s. Vale, a lo mejor es un poco "proto", but i like it.
J.J. IGLESIAS



Temas

1 Understanding 
2 Peace (I) 
3 I Want To Live 
4 I'll Cry Tomorrow 
5 Why Can't She See Me? 
6 Peace (II) 
7 She's Comin' Home 
8 Break Of Day 
9 Long Ago 
10 Peace (III)




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martes, 18 de julio de 2017

StringBreaker and the StuffBreakers - Live At Manifesto 2017

Durante los 80 recuerdo que estuve enganchado a los guitarristas del tipo Satriani, Vai, Andy Timmons, Vinnie Moore, Jon Finn, etc. Mas de veinte años después la cabra vuelve al monte de la mano de Guilherme Spilack, excepcional guitarrista brasileño.


Guilherme Spilack estudió guitarra con el profesor Antonio Alves Cruz y se graduó como productor fonográfico en la universidad de Anhembi Morumbi. En el periodo de  2007 a 2012 estuvo en la formación heavy, Reviolence, con los que grabó dos EP's y un larga duración, "Modern Beast" En octubre de 2012 deja la banda y se incorpora a los  Children of the Beast, grupo de versiones de Iron Maiden, de algo hay que comer. realizando giras por toda latinoamérica. En 2014 inicia un nuevo proyecto, StringBreaker,  basado en sus influencias del rock guitarrero de los 70. Sube algunos temas a la web y un vídeo promocionando un nuevo amplificador.


Guilherme junto al batería Sergio Ciccone y al bajista Robinho Tavares editan en 2015 su primer disco como StringBreaker and the StuffBreakers.


Conjuntamente con el grupo Hellbily Rebels realizan el evento "SideWalk Rock" para presentar sus trabajos en la calle.


En 2016 llega su segundo disco, "Re​-​Breaker", con un nuevo bajista en la formación, Nelson Donizeti .



Su tercera producción llega como disco en directo. Grabado en el Bar Manifiesto en Sao Paulo el 21 de abril de 2017. La grabación nos muestra a un Guilherme en plena forma recordando sonidos hard rockeros blues de los 70 mezclados con los guitar hero de los 80. Se nota que a mamado de buenas fuentes, en dos de sus temas podemos oír referencias a los Rush, "Travel at the Southern Lands" y "The Long and Short of it".  El tema "Eventide " me recuerda mucho a la forma de tocar de Andy Timmons. También se atreve con una versión de  "While My Guitar Gently Gonna Leave You (Medley)" mezclada con aires zeppelianos.  Especialmente indicado para los amantes de las emociones guitarreras instrumentales.
J. C. Miñana








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lunes, 17 de julio de 2017

MICHAEL SHIPWAY - Into Battle (1990 / MS)

Como buen nativo británico viviendo los convulsos tiempos musicales de los finales 70, Michael Shipway comenzó sus primeros pasos tocando la guitarra, (es un decir), en una banda punk del millón que entonces había. Tampoco necesitaba mucho más. en los 80 y por medio de los primeros ordenadores, se interesa por la EM. Amplia su arsenal poco a poco y monta su propio estudio, en donde se desarrolla como compositor y músico de teclados. Será en los 90 cuando exponga su actividad artística al mundo.


"Into Battle" fue su primera grabación,  autoproducida en 1990. Posteriormente saldría remasterizada en el sello Surreal to Real, en 1994. Su estilo se estaba conformando, pero ya apuntaba originales trazos en sus lienzos musicales. En el primer tema-título resulta fresco y fluido en tan apenas cinco minutos de exposición.  Inevitables sonidos noventeros, (esas flautas de pan....), son bien encajadas melódicamente y con sentido.

"Yellow Streak" (6'10) contiene sampleados de sección de viento funk, para llevarlos hacia una especie de danza tribal de un planeta perdido. Sin evidentes parecidos con nadie, el fondo alegre de la pieza me incita a casi llamarla "Electronic AOR", si es que esto existe!


"Ritual" (8'55) podría formar parte de esa curiosa corriente kitsch-synthwave actual, llamada New Retro Wave. Que rinde culto enfermo a los 80 bien con tonadas de terror slasher style tipo Wes Craven, u odas al pijerio policial de "Miami Vice". De la que tendremos que hablar a no tardar,  y que tan bien están haciendo gentes como Com Truise, Futurecop, Perturbator o Carpenter Brut.
Shipway en realidad está sentando sus bases, todavía influido por los recientes aires ochenteros y el reinado digital de los sintes del momento.

"Falling" (3'36), "Land Sailing" (5'37) y "Coming Home" (5'05) tienen connotaciones con trabajos de Johannes Schmoelling y la factoría Erdenklang. Música electrónica a la que todavía no le había llegado la invasión retro-analógica,  (y éste puede ser un inconveniente para algún oyente), pero donde los sonidos están elegidos con gusto, sin chabacanería, y la melodía es la reina de las composiciones.

En "Capture" (7'53) puede comprobarse, quizá con algún ramalazo kitariano. Aunque Michael Shipway se esmera en refrescar el panorama con ágiles cambios melódicos  que no dan tiempo al oyente a "tediosas reflexiones".

"In the End"(3'54) pone fin a un agradable disco de progtronica emparentada con la escuela holandesa, (de hecho Shipway formó en el catálogo del sello Groove). Esto es, propuestas positivas, cristalinas y algo softies,  pero alejadas de la peste "niueis", y más próximas a la evolución berlinesa. Algo en lo que nuestro hombre ha profundizado con el tiempo (escucha "Voyage to Venus", por ejemplo). Con el nuevo siglo, se alió con el sintetista Steve Smith, dando forma a los retro-berlineses VoLt,  de los que daremos cuenta en un futuro. Continuará. 
J.J. IGLESIAS



Temas

1 Into Battle 4:55
2 Yellow Streak
Piano [Solo] – Steve Smith (13)
6:10
3 Ritual 8:55
4 Falling 3:36
5 Land Sailing 5:37
6 Coming Home 5:05
7 Capture 7:53
8 In The End 3:54
9 Into Battle (Enigmatic Mix) 5:08


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domingo, 16 de julio de 2017

Big Bertha - Live in Hamburg 1970

Imaginaros la siguiente situación. Estamos en nuestra ciudad y esa noche tenemos previsto acudir a un concierto de una banda que no conocemos y que nos ha recomendado un amigo. Las referencias sobre el grupo son escasas y durante el concierto nos damos cuenta que ese "power trío" tiene futuro pero todos sabemos que la calidad no lo es todo para triunfar. Esto es lo que debieron pensar en un pequeño local de Hamburgo en 1970 después de la actuación de Big Bertha. Seguro que no se imaginaban que estaban presenciando a uno de los mejores baterías del rock: Cozy Powell.


Big Bertha se formó en 1969 con tres jóvenes músicos ( Dave Ball , Dennis Ball y Cozy Powell ) procedentes de la banda Ace Kefford Stand. Posteriormente se incorporaron Pete French (voz) y Pete Ball (teclados). Editaron dos singles, el primero de ellos contenía "The World’s An Apple"/" Gravy Booby Jam" y el segundo "‘Munich City" que solo fue publicado en Europa. A finales de  1970 Cozy Powell deja el grupo para irse junto a Jeff Beck. Por su parte Pete French se incorpora a  los Atomic Rooster. Los nuevos miembros son Mac Poole y Dave McTavish. En 1971 Dave Ball se une a los  Procol Harum   y la banda deja de funcionar. Posteriormente Dave, Dennis y Cozy Powell volverían a coincidir en Bedlam.


Nos encontramos ante un documento realmente histórico, la grabación de un concierto de los Big Bertha en un pequeño local de Hamburgo el 3 de Diciembre de 1970. Realizaban una gira por Europa y Cozy Powell ya estaba pensando en su nuevo proyecto junto a Jeff Beck. La banda estaba compuesta por los hermanos Ball, Dave (guitarra) y Dennis (bajo), y el batería Cozy Powell. Sonido típico de "power trío rock blusero".  Temas largos donde los solos de guitarra se suceden en un ambiente de jam.  Podemos escuchar el correspondiente solo de batería en "Munich City ". Como temas destacados los clásicos " Spoonful", " Crossroads" y el largísimo "Never Gonna Let My Body Touch The Ground" con solo de bajo incluido. Sonido bastante bueno.
J.C. Miñana



Temas
1-1 Dave's Idiot Dance 00:00
1-2 The Beast 05:30
1-3 Ring Of Fire 12:00
1-4 She's Not There  16:28
1-5 Munich City 25:25
1-6 Spoonful 30:50
2-1 Crossroads 44:40
2-2 The Stumble 55:05
2-3 Never Gonna Let My Body Touch The Ground  59:40
 Rhadpsody In Blue - Abridged Version  
2-4 Set Me Free (Freezer On Fire) 01:20:00

Formación
Denny Ball: bajo, voz
Cozy Powell: batería
Dave Ball : guitarra, voz





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sábado, 15 de julio de 2017

RIVENDEL - DHD 2015 (rock progresivo español)

Este grupo donostiarra se formó en 1982 de la mano de tres estudiantes de la Facultad de Informática de San Sebastián. Toño Cruz (guitarra), Jose María Aguirrezabala (bajo) y Oscar Belío (teclados) y posteriormente se les unió Mikel Torés a la batería. Realizan la grabación de algunas maquetas y consiguen ser elegidos para incluir uno de sus temas en una recopilación de progresivo europeo, Exposure 88, promovido por un joven Steve Wilson y editado por Andraea Records. El disco contaba con la participación de otro grupo español, Harnakis.


Animados por las criticas recibidas en 1990 se autoproducen su primer disco, "Manifiesto", en su propio sello Lednevir. El disco muestra una falta de medios evidente con unas voces mejorables. A pesar de todo se deja entrever un gran potencial.




Nuevamente participan en un recopilatorio, "Ugum II",  pero con Juan Carlos Perez a la batería.  Su segundo disco llegaría en 1996, "The Meaning", editado por el sello francés Musea. La grabación consta de tres largas suites y cuenta con la colaboración de Ana Loreto.




Telonean a Peter Hammill y en 1997 cuando estaban preparando temas para su tercera entrega deciden separarse.


Casí veinte años después se vuelven a reunir y comienzan a ensayar para retomar el proyecto. En 2012 se incorpora Xavi Martínez (batería) que permanece en la banda hasta 2014. Un año mas tarde publican su tercer álbum, "DHD", nuevamente editado en su sello discográfico.



La grabación nos muestra una gran maduración musical. Las sonoridades que podemos escuchar son una mezcla de electrónica, ritmos hipnóticos a lo King Crimson y experimentación. Todo ello envuelto en un ambiente plenamente de jam donde cada músico decide expresarse sin ningún tipo de ataduras. Música especialmente indicada para escucharla con la luz apagada y dejar volar imaginación.


Contacto:

correo: rivendel@gmail.com




P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70

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viernes, 14 de julio de 2017

Nicholas Greenwood - Cold Cuts (1972) (Canterbury Ways)

Nick Greenwood fue el bajista que intervino en esa joya exclusiva del Canterbury llamada “Space Shanty” de Khan (1972) y este “Cold Cuts” fue al igual que el anterior, un álbum único.


 Greenwood ya había formado parte de los legendarios Crazy World Of Arthur Brown junto al organista Vincent Crane de Atomic Rooster. Es decir nos encontramos con un tipo que formó parte del ensamblaje embrionario del primitivo prog rock con un disco que es una rareza y que tardíamente el tiempo ha hecho justicia. No tengo idea de lo que puede valer el vinilo original pero por ahí dicen que hoy es de los más caros. La formación de este incunable estuvo compuesta además del bajista y cantante Nick, por su compañero en Khan Eric Peachey en la batería, el excelente teclista Dick Henningham,  por dos guitarristas: Bryn Howarth y ChrisPritchard respectivamente y por el nada menos ex Mothers Of Invention Bunk Gardner (Zappa de nuevo) a los vientos. 


En el trabajo en sí encontramos todo aquel sabor y sonido de la época, a medio camino entre el hard prog, jazz-rock, psicodelia ácida y algo (muy poco) de clásica renacentista con un piano y hammond omnipresentes en una línea que bien podríamos encuadrar entre Nice, Atomic Rooster, Egg,  Khan (of course) o incluso los Oblivion Express de Brian Auger. 

Tanto el Space Shanty como Cold Cuts salieron el mismo año aunque desconozco en qué orden. Sin embargo este trabajo está más en una línea pysch-acid- prog como dicen ahora, que las excitantes cabalgadas canterburianas del tamden Dave Stewart-Steve Hillage del Space Shanty aunque evidentemente haya conexiones estilísticas. 

La flauta y saxo de Gardner y el rugido groove del Hammond organ de Henningham, dominan completamente el ambiente y abundan en una mezcla de estilos como cité anteriormente con cambios bastante curiosos por momentos que incluso podría hablarse de un primitivo rock sinfónico a la The Nice-Egg y conforme avanzas en la escucha ves cómo se cuelan los Blood Sweat and Tears en una repentina brass sección(voz incluída) que te descoloca completamente.

 Resulta un tanto peculiar y advertimos por lo oído, que nuestro protagonista quería probar un poco con todo. Eran años de riesgo creativo y había mucho ingrediente por mezclar. Unas veces se acertaba otras no, pero así se hizo la música de los primeros 70´s porque el camino aún estaba por hacer. Un álbum exclusivo para coleccionistas del género y afines al estilo.
Alberto Torró


Temas
1- A Sea Of Holy Pleasure 00:00
Part I 
Part II 
Part III 
2- Hope And Ambitions 07:11
3- Corruption 10:07
4- Lead Me On 13:18
5- Big Machine 17:07
6- Close The Doors 20:48
7- Melancholy 25:18
8- Images 28:43
9- Promised Land 32:04
10- Realisation And Death 35:16










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jueves, 13 de julio de 2017

THE TANGENT- Down and Out in Paris and London (2009)

Como ya es habitual en cada disco, el cambio de formación no se hace esperar. Tangent son ahora un quinteto con Tillison, Manning, Travis y dos nuevos invitados: Jonathan Barret como bajista fichaje de su anterior grupo Parallel y el veterano Paul Burgess en la batería (Tull, Camel…etc). El estilo de Tillison ya está perfectamente encaminado y aunque es un progresivo multi-funcional con un amplio menú de sabores de los mejores 70´s, nos damos perfecta cuenta como dijo la semana pasada J.J. Iglesias de que esto es un género musical perfectamente consagrado como lo es el Jazz, la clásica, el blues, el rock,  o la tradición folk milenaria.


 Si modificamos el estilo con la pretensión de “innovar”…sinceramente tendría que nacer un nuevo Frank Zappa o un nuevo Christian Vander o un nuevo Keith Emerson y queridos míos, eso no se prodiga precisamente en la historia. Los que afirman que el rock progresivo clásico ha muerto y que cuatro “advenedizos” post-metálicos han abierto un nuevo camino son unos snobs pretenciosos con discutibles conceptos de música. Dream Theater  por poner un ejemplo fácil, pueden haber revolucionado y enriquecido el heavy metal y claro que a los que aquí escribimos nos gustan alguno de sus discos(no todos), pero eso es otro estilo.


 El resto de nuevas bandas, lo que hacen en un 99%  está inventado y lo más dramático es que es para peor y en la mayoría de los casos, de escasa calidad. Tengo el atrevimiento de decirlo y la necesidad, para evitar que engañen al chaval que acaba de descubrir esta maravillosa música, y sepa qué y cual, es el camino correcto (al menos para mí, ojo!). La base y su legado es estupenda, solo hace falta hacerla bien y enriquecerla no empobrecerla que es lo que quizá con buenas intenciones (no lo dudo) están haciendo algunas páginas de la web, y muchas de sus bandas subdelegadas. Pero no sé si lo hacen por interés o por ignorancia. Efectivamente por educación no voy a nombrarlas. 

Expuesto mi manifiesto (ya me vale) es para reivindicar que efectivamente The Tangent no han inventado un nuevo progresivo, para eso habrá que esperar que nazca un nuevo genio y posiblemente cuando lo haga ya estaremos todos criando malvas. Tangent son fieles al estilo y claro que lo han mejorado, posiblemente tocan mucho mejor que algunas leyendas, pero no son de ésa época. Bastante hacen con hacerlo bien. Género ya clásico no moda. Algunos parecen no entenderlo.



El nuevo disco de Tangent posee quizás la mejor suite de inicio de toda su discografía y seré cauto en la afirmación pero “donde están ahora…?”  o “Where are They Now”  con sus 19 mtos es una de las piezas que no desentonan en nada con épicas pasadas en 40 años de progresivo clásico. Claro que nos es familiar…como no iba a serlo!!...diría yo. Esos sonidos, melodías y vericuetos fantásticos ya los  llevamos en la sangre desde que éramos adolescentes y descubrimos esta música. Es como decirnos…Eh!!... es lo que te gusta y sigue vivo!!. 


Esta larga pieza tan emocional contrasta con la siguiente: “Paroxetina 20 mg”. La paroxetina es un antidepresivo inhibidor selectivo de la recaptación de serotonina parecido al prozac y al citalopran: la serotonina es un neurotrasmisor cerebral que controla nuestro estado anímico y causante de las depresiones. Todo química y bastante habitual de joderse en los que no nos gusta la vida y el mundo en que vivimos. Un sinfónico depresivo es lo normal… si no, no eres sinfónico sino un hierbas…un  happyflower… o uno del PP que aún es peor. (hoy estoy sembrao). Por fin han descubierto que la depresión es el estado normal del ser humano mínimamente inteligente. La pieza en cuestión es más agresiva y urbana, con su toque funky-soul y doliente melodía, sinte gritón y sucio ambiente por momentos. Yo la encuentro no obstante algo inofensiva y lírica para tratar semejante tema, pero vale como muestra. 




Perdu Dans Paris” tiene ese toque nostálgico y tristón de día gris y lluvioso con botella de whysky barato en frio apartamento y chica o señora experta, que te ha mandado a la mierda y por qué será…? El desarrollo musical se anima pero no la alegría. Te jodes. 




“ The Company Car” es un tema que no dice gran cosa, anodino en The Tangent y algo aburrido. No me extraña pues la primera pieza de este disco ensombrece al resto completamente. 





Termina este trabajo con la “Canterbury Sequence Vol 2- Ethanol-Hat -Nail” casi trece minutos que podrían encontrarse en cualquier disco de los National Health época Dave Stewart con Tillison metamorfoseado en él sin complejos de ningún tipo y con órgano y sintes marca registrada incluida. 

Si no fuera por el abismo que hay entre el interés de unas piezas con otras, nos encontraríamos con el mejor trabajo hasta la fecha. Pero no es posible. Como digo el listón de “Where  Are They Now” es tan alto que tapa la labor del resto.
Alberto Torró






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miércoles, 12 de julio de 2017

A BAND CALLED O - Oasis (1975 / CBS - EPIC)

Aquí traemos otra de esas bandas que lo tuvieron todo a favor para triunfar, y no hubo manera más allá de su área local. Comenzaron en 1970 como The Parlour Band. Fichan por el sello progresivo de Decca, Deram,  y editan una joya del progresivo británico,  "Is a Friend?" (1972). Un único y maravilloso album del que tendremos que hablar por aquí obligatoriamente. Lo promocionan junto a Caravan y Khan, tremendo lote de bandas en el momento apropiado, (máquina del tiempo, ya!). Además el influyente disc jockey y crítico del underground, John Peel, les da todo su apoyo.


En el 73 cambian de sello, yendo a parar a CBS/Epic nada menos. Ahora se llaman A Band Called O. Siguen John "Pix" Pickford (cantante y guitarra), Craig Anders (guitarra solista y slide), Mark Anders (bajo) y el ex-Clímax Blues Band, Pete Filleul (teclados). El nuevo es el batería Derek Ballard, que sustituye a Jerry Robbins.
Su primer álbum se aleja del puro british prog, para acercarse más a la forma de hacer del país del dólar. Para ello produce el Steve Miller Band, Ben Sidran. Junto a Chris White  de The Zombies. Pero es su continuación  del año siguiente, "Oasis", el que atrae nuestra atención hoy.

Grabado en diciembre de 1974 en los famosos Morgan Studios londinenses, y producido por Nicky Graham, incide todavía más en los postulados californianos del primero.

"Amovin" con su piano eléctrico negroide y estupenda instrumentación general, trata de atrapar (con éxito ), el modo de hacer más ecléctico y despreocupado de la Bahía. Dentro de un prog-psych muy inteligente y sofisticado. 

"Foolin' Round" casi tira al Southern /funk/yatch rock de Les Dudek, Boz Scaggs o Sea Level. Las guitarras se muestran igual de "soleadas", en conjunción con un atento Hammond. El sonido da el pego totalmente, pero éstos son más english que las orejas de su viejo príncipe. 

"Sleeping" con sus casi seis minutos, es el tema largo de ésta  cara. Sus planteamientos tienen un fuerte símil con otros paisanos que rinden pleitesía  a la West Coast, los tremendos Man. En éste tema podrían ser ellos perfectamente. La elegancia melódica,  tanto en guitarras y voces, es paralela. De hecho y para que no quepa duda, ese año se van de gira con Man + John Cipollina, que promocionan su "Maximum Darkness". El pack de las dos bandas (más ilustre invitado), funciona como un reloj suizo. Queda constancia del buen directo de A Band Called O en "On the Road 75-77"  , editado en 2012. Un poco tarde, aunque mereció la pena la espera.

El instrumental "Morrocan Roll" tiene un aire Camel post-75  muy agradecido. Y concluye ésta cara con "Fine White Wine", southern de excelentes guitarras, similar a Looking Glass o la Atlanta Rhythm Section.


Comienza el otro lado del vinilo con "Take Your Time" , alegría funk del sur y la excelente voz de "Pix", en jugosa mezcla con Fender Rhodes y el bajo destacando. Las guitarras son puro goce.

 El listón no baja con "Bird of Paradise", "Ice" (tirando a Allman), y las muy Man, "That's Up" y "Some People", otra de seis minutos cerrando euforicamente el álbum. 

Nueva gira con interesante pack-bands,  Sassafras y Randy Pie (esa máquina del tiempo....), y cambio de sello al de....Man, cómo no, United Artists. También leve cambio de nombre, ahora como The O Band, y dos discos que conjugan prog floydiano, AOR  y Soft rock con intachable gusto: "Within Reach" (1976) y "The Knife" (1977). 

Tres nombres distintos, tres majors importantes y tres estilos diferentes en cada etapa. Y no fue suficiente para su reconocimiento masivo. Queda la incógnita de qué significaba esa "O" mayúscula en su nombre. Quizá Ostracismo?..........
J.J. IGLESIAS



Temas
A1 Amovin' 3:39
A2 Foolin' Around 4:34
A3 Sleeping 5:22
A4 Morrocan Roll 2:38
A5 Fine White Wine 3:50
B1 Take Your Time 3:10
B2 Bird Of Paradise 4:09
B3 Ice 2:08
B4 That's Up 3:10
B5 Some People 5:53



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martes, 11 de julio de 2017

CHERRY FIVE - Cherry Five 1974

Nuestro redactor J.J. Iglesias  hace algún tiempo nos descubrió las  excelencias musicales del gran teclista italiano Claudio Simonetti. En el citado artículo nos hablaba de Goblin y de sus comienzos con Cherry Five.


A finales de 1973  Massimo Morante (guitarra) y  Claudio Simonetti (teclado) forman la banda "Oliver" junto a  Fabio Pignatelli (bajo) y Walter Martino (batería). Deciden emigrar a Londres donde conocen a  Eddie Offord que les promete ayudar en su carrera. Contratan a un cantante inglés, Clive Haynes, y Carlo Bordini entra como nuevo batería. Pasan los meses y la esperada ayuda no llega. Sin dinero tienen que regresar a Italia donde fichan por Cinevox. En ese periodo se incorpora  Tony Tartarini como cantante. En 1974 entran en los estudios para grabar los temas de su primer disco. La grabación vería la luz un par de años mas tarde cuando la banda había cambiado su nombre a Goblin sin la presencia de Tartarini ni Borderini. Cinevox, la discográfica, lo editó bajo el nombre de Cherry Five. Por su parte Goblin inició una larga colaboración con el cineasta Dario Argento.


En realidad estamos ante el único legado de la banda "Oliver". Fue la discográfica la que decidió cambiar el nombre por el de Cherry Five e incluso no mencionar a tres de sus miembros en los créditos (Massimo Morante,  Claudio Simonetti y Fabio Pignatelli) que pasaron a denominarse Goblin. Al margen de todo esto la música que podemos encontrar en estos seis temas es un excelente progresivo con claras influencias de grupos como "Yes". En este trabajo están muy claras las afinidades entre Simonetti y Wakeman. Entre las armonías vocales de Tartarini y Anderson. Y la sección rítmica nos puede recordar al Tandem Squire-White o Bruford. En definitiva un disco muy cercano al "The Yes album". Una buena muestra de todo lo anterior lo encontramos en " The Swan is a Murderer Part. 1 y 2". Por cierto esta banda italiana canta en inglés.

J.C. Miñana



Temas
1. Country Grave Yard 00:00
2. The Picture of Dorian Gray 08:20
3. The Swan is a Murderer Part 1 16:50
4. The Swan is a Murderer Part 2 20:51
5. Oliver 25:53
6. My Little Cloud Land 35:26

Formación:
Claudio Simonetti - teclados
Massimo Morante - guitarra
Fabio Pignatelli - bajo
Tony Tartarini - voz
Carlo Bordini - batería




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lunes, 10 de julio de 2017

IGOR SAVIN - Childhood (1982 / JUGOTON)

El verano pasado lo invertí en bucear en la prog-electrónica  de la antigua Unión Soviética. Éste  lo estoy haciendo con el prog indonesio de los 70. Podéis llamarme friki. O curioso. O estudioso. Lo de la URSS a nivel musical, asusta. Das una patada a una piedra y te salen diez sintetistas ultrapreparados y prodigiosos.  Todos con formación clásica,  como en el caso de Igor Savin. Y de una solidez y seriedad compositiva ejemplar.


Me pregunto si tan mala puede ser una dictadura comunista, (vale, no la defiendo, todas lo son), en donde se prioriza la cultura y el culto a la belleza artística. Frente a una dictadura del capital, en la que lo único válido es el culto...a la belleza del cuerpo. Date una vuelta de zapping por las televisiones (si tienes huevos), y no verás  más que a tí@s todos iguales en ropa, cortes de pelo y perfección escultural del cuerpo. Auténticos borregos dispuestos para el matadero capitalista. Donde su verborrea superficial sólo es superada por su egoísmo y vanidad sin límites. Si hay que elegir, yo lo tengo claro. Y conste que no tengo nada de comunista.

Igor Savin viene de la antigua Yugoslavia (concretamente de Croacia), y tras su formación clásica,  entró en orquestas, trabajó para la Zagreb RTV y fue director artístico de Lisinski Estudio Electrónico de Zagreb. Tras esto, pudo visitar los Estados Unidos estudiando en Berklee armonía,  improvisación y composición. 
Pasándose luego al piano y vibrafono para bandas de jazz. Posteriormente trabajará en música para filmes, dibujos animados, ballets, radio dramas, big bands,  corales y orquestas sinfonicas. 
En 1984 funda el estudio electrónico Zagreb City Hall Concert Recording Electronic Music. "Chidhood" aparecio en el sello del régimen,  Jugoton,  en 1982.

Como casi todos los sintetistas del Este, Savin ofrece una propuesta electrónica muy personal. En sus propias palabras, toda su obra electrónica proviene de su influencia hacia el folk autóctono de su tierra. Tan sólo dos largas composiciones forman "Childhood".


"Poland Bells" (20'21) no descarta en sus puros parámetros electrónicos,  la inclusión de fuerte contenido melódico previamente compuesto. Además de una inclinación cinematográfica muy pictórica y descriptiva. Afinando mucho, puede equipararse a los TD de la primera mitad de los 80: "White Eagle ", "Hyperborea" , "Poland" o "Le Parc". Así como al Schulze de la misma época,  en obras como "Trancefer", "Audentity" o "Angst ".Teniendo muy en cuenta que Savin tiene su propia forma de expresión.  

En la segunda cara tenemos "Florianna" (20'19), otra colorista y agradable pieza, muy bien estructurada. Donde las influencias clásicas se abren paso subliminalmente, dejando una sensación al oyente de ausencia de la realidad muy placentera. Escapismo mágico  (ojo, nada de new age ), hacia el propio universo sonoro de Savin. Condimentado con una saludable dosis de Berlin School o algo del mejor Jean-Michel Jarre.

Sabe cómo entrelazar el hilo secuencial como una forma melódica más,  uniéndola a la principal,  y sin conformarla simplemente a un rol rítmico. En general demuestra buen gusto y exquisitas formas a cada segundo del disco. El cual tiene por momentos ese halo/oda a la infancia, o plena felicidad perdida, del que hace gala el título. Es uno de esos artefactos (nada barato, por cierto), perdidos en la inmensa jungla discográfica,  que merece ser rescatado para nuestro fondo de archivo en Rockliquias.

Savin formaría después el dúo Modo New, con el saxofonista Zeljko Kovacevic. Y ha recibido numerosos premios por parte del sector del Séptimo Arte, ( entre ellos, el de Gijón 97). 
Una agradable escucha, de las que echar mano en esos momentos al margen de éste caótico  y absurdo mundo.
J.J. IGLESIAS




Temas

A Roland Bells 20:21
B Florianna 20:19




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