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CRIMSON JAZZ TRIO - King Crimson Songbook VOL. 1 (2005 / VOICEPRINT)

Algo delicatessen. Si, puedes llamarlo "jazzliquia", pero es material ineludible si te consideras fan de King Crimson. Llevo toda la semana poniéndolo como ambiental banda sonora de mi búnker. 
Ian Wallace, batería de King Crimson en "Islands" y "Earthbound", concibió éste fabuloso combo en clave de jazz con material crimsoniano en 2004. Se editó éste disco al año siguiente. Su única versión cd (album doble de vinilo, ya!) , asciende en la actualidad a los 60 machacantes. 


Sus otros dos compañeros eran Tim Landers al bajo (Al Di Meola, Billy Cobham, Gil Evans Orchestra, Tom Scott o Lee Ritenour). Y Jody Nardone al piano (Brian Setzer, Bryan Beller, Sara Beck, Naomi Rodriguez). Hicieron algunas fechas en USA, pero hubo que parar por enfermedad de Wallace. A cambio editarian un Vol. 2 en el que colaboraban Jakko Jakszyk y Mel Collins, por entonces de la super banda tributo 21st Century Schizoid Band. Agrupación que serviría al tío Fripp como semillero para su actual versión de King Crimson. Ian Wallace muere el 22 de Febrero de 2007.


Como no podía ser de otro modo, el disco se inicia con "21st Century Schizoid Man" (6'53), un tema que ya de por sí  es un ganador be-boper.  En ésta exquisita versión llevado al terreno intimista y nostálgico  del grandioso Bill Evans. Aún así,  la pieza es perfectamente reconocible, con toda la elegancia que una maquinaria jazz de primer orden puede ofrecer. 

"Three of a Perfect Pair" (6'11) es en mi opinión,  una de las más cambiadas. Lo que de verdad tiene que aportar una versión. 

 "Cat Food" (6'19), que en original tiene estructura blues, se adapta a éste formato con total naturalidad. 

Momentazo estrella habemus  con la inmortal "Starless" (10'40), donde el bajo de Landers nos hace recordar inevitablemente a Jaco Pastorious. Mientras que la fase pianistica "raruna" se acerca al modo imprevisible de un Thelonious Monk. Es puro jazz, pero bajo el respeto melódico  que obliga tan magistral corte. Una maravilla, oiga. 

La siguiente es bien conocida por Wallace. "Ladies of the Road" (6'44) originalmente tocada por él en "Islands" bajo menos minutaje,  se convierte ahora en un precioso ritmo swing al estilo de Dave Brubeck. Nardone improvisa, como el resto, en estado de gracia. Esto es inspirado y entusiasmante. Hay un perfecto balance entre jazz y formato original.

Otro derroche de buen gusto es "I Talk to the Wind" (9'56), la delicadeza de su intrínseca natural es aquí traspasada al finísimo lenguaje de Keith Jarrett. Esto es tan bueno que los curas seguro lo declaraban pecado......pero para nosotros, no para ellos. 

Vuelvo al planeta Tierra con otro desfase, nada menos que "Red" (5'59), en algo así como si Joachim Kuhn o unos Soft Machine Trío  (que los hubo), se pasaran  de rosca más  (todavía ) de lo habitual. El tremendo trabajo percusivo de Wallace no envidia al de Bruford. Aún a pesar de que hubiera dado algo bueno por verla versioneada por los Earthworks. 

Finalmente "Matte Kudasai" (9'07) del inolvidable "Discipline", es aquí otra genialidad jazz entre las seis manos de estos irreprochables musicazos. Melancolía  casi cinematográfica y elección bien pensada e inesperada como colofón de una joya que felizmente, tiene una segunda parte igual de apoteósica. 


El CV de Wallace sólo en el campo prog cubre King Crimson, Yes, Keith Emerson, Jon Anderson, Larry Coryell o Procol Harum. Prácticamente todo genio de la Costa Oeste requirió sus servicios, (Dylan, Browne, Henley,  Cooder,  Zevon,  Lindley o CSN incluidos). Y gigantes como Clapton, Kooper, Lonnie Mack, Travelling Wilburys o Foreigner. Y me quedo corto.
Esto es un legado, sí señor.
J.J. IGLESIAS




Temas
1.-21st Century Schizoid Man 00:00
2.-Three of a Perfect Pair 06:54
3.-Cat Food 13:05
4.-Starless 19:24
5.-Ladies of the Road 30:05
6.-I Talk to the Wind 36:49
7.-Red 46:45
8.-Matte Kudasai 52:44




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Skryvania ‎– Skryvania 1978

El progresivo francés junto con el italiano representó una alternativa muy válida a los grandes "dinosaurios" procedentes del Reino Unido. Lamentablemente a finales de los 70 las discográficas pensaron que este género no era lo suficientemente rentable para sus accionistas por ello grupos con Skryvania no tuvieron ni los medios ni la oportunidad que merecían.


Los orígenes de la banda los encontramos en 1975 en los suburbios del sur de París. Dos jóvenes,  Alain Yvorra y Olivier Marina,  de apenas 15 años sueñan con en emular a sus ídolos progresivos. Para ello se junta con Benoît Reeves (batería), hijo de un famoso astrofísico, y con el teclista Herbé Bastien. Su primer concierto lo realizan en 1977.  En octubre ganan un concurso de bandas en The Golf Drouot donde conocen a Henri Leproux que consigue que actúen en un programa de la televisión francesa. 

Sus concierto comenzaban con el "Firebird" de Ígor Stravinski y su setlist estaba compuesto por temas propios y diversas versiones de sus influencias progresivas. Temas de Ange, King Crimson, Yes, Genesis e incluso Hendrix.  Se comenta que en el 77 estuvieron actuando en España, mas concretamente en Rosas. A mediados de año Herbé Bastien abandona el grupo y es sustituido por Henry Jean Aubin que también decide irse siendo reemplazado por Harold Bakobza. 

Por fin en 1978 entra en los estudios  para la grabación de su único disco, "Skryvania". Tienen que realizar una edición privada debido al desinterés de las discográficas. Sus últimos conciertos los darían en 1979.


La versión original del  disco de Skryvania contenía seis temas, en la posterior reedición en Cd se incorporaron cinco mas:  dos temas propios, "Renaissance" y la versión de su tema " Le Château D'Orphée, y unas cortas versiones de Yes, "Ritual" y "Closed to the Edge", y Genesis, " Hairless Heart ". La música por la que se mueve la banda es rock progresivo casi instrumental. Sus influencias claras serían Genesis, Yes y Camel, aunque su guitarrista Olivier Marina es mas rockero que Latimer o Howe. El temas con el que abren el disco es uno de los más destacados. Es uno de los pocos donde interviene la voz de una forma muy teatral a lo Gabriel y con un apartado musical muy en la onda Genesis con teclados a lo Peter Bardens. Lamentablemente la producción es muy mala debido a la precariedad de medios que utilizaron para su grabación. El resultado es un progresivo notable que quizás con la producción adecuada sería de sobresaliente. 



Temas
1 Tristan & Yseult 00:00 
2 Raid 11:03
3 Le Château D'Orphée 14:28 
4 Intro 21:53
5 Epopée 24:19 
6 Final 34:54 
7 Renaissance 40:52 
8 Ritual 49:58 
9 Close To The Edge 51:56 
10 Hairless Heart 52:15 
11 Le Château D'Orphée 54:30




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JEAN-JACQUES PERREY - Musique Electronique du Cosmos (Electronic Music from Outer Space)" (1962 / Musicues- Mono) Serie Pioneros

Volvemos a traer en nuestra serie Pioneros a un sintetista "de bata blanca". El parisino Jean-Jacques Perrey pronto dejaría la carrera de medicina en los 50, tras un encuentro con Georges Jenny, inventor del Ondioline. Trasto primigenio electrónico de la familia lejana del sintetizador.


Perrey se va a New York en el 59. Se hace amigo de Robert Moog y usa alguno de sus primeros prototipos. Consigue el mecenazgo de Carrol Bratman, la cual le construye un laboratorio experimental y estudio de grabación. En 1965 crea el dúo electrónico  (que no un bufete de abogados), Perrey & Kingsley , junto a Gershon Kingsley. Ya comentado en nuestra última entrega de "Pioneros".
 Pero antes de todo esto nuestro hombre ya había dado sus primeros pasos en la inicial vanguardia electrónica. 


"Musique Electronique du Cosmos" es un rarísimo disco (menos de 500 copias fueron inicialmente prensadas en mono), editado en 1962. En él Perrey ya utiliza secuencias y loops  (o algo parecido), a partir de trucos aprendidos en su instrucción como creador de Música Concreta.


Probablemente el Ondioline sea el artefacto utilizado aquí,  con todo tipo de recursos y gadgets rudimentarios.La verdad es que da el pego,  para ser 1962, esto parece mucho más avanzado en el tiempo. Es un disco muy corto, (no llega a la media hora), y fue utilizado en su mayoría como música para televisión y radio. Los temas apenas superan el minuto y medio,  pero su interés en cada uno de ellos lo hace obligado.


"The Alien Planet" es un soundscape puro y sí,  es tan krautie como el que más!  "In First Orbit" sigue esa línea sci-fi ensoñadora ideal para pelis de la época en blanco y negro. "Music of the Planets" saca su jugo de lo aprendido en la contemporánea.  "Space Light" quizá se ayudó de Theremin, y si no es así,  el sonido predominante se le acerca mucho.


"Intercelestial Tabulator" es un "Kraftwerk de las cavernas", desde el título hasta su sorprendente contenido. "Mars Reflector" consigue esa atmósfera misteriosa y de continua incógnita que inspiraba la naciente carrera espacial. "Aqua Density" asombra por sus resultados, que no se darían al gran público hasta mediados 70. "Caverns in Deep Sea" continúa esa misma línea fantástica y "moderna". "Cybernauts" es una valiente pieza que en su día seguramente sería vista como "escrita por un loco". Hoy nos da una lógica de todo acaecido.


"Saturnian Bird" es absurda y casi música de dibujos animados. "Andromeda Calling" resulta que es.....un rock'n'roll!!!! Inventó éste hombre el "Suicide sound"?!

"The Saturn Ambassador" continúa la gracia de "Saturnian Bird". "Spatial Blues" vuelve al rock'n'boogie electroarcaico y....funciona! "Barnyard in Orbit" toma ritmos exóticos sudamericanos tan en boga en esos días. Tipo "La Bamba" con instrumentación nada convencional. Y "Chicken on the Rocks" es otra pieza comercial, en modalidad rock,  y para todos los públicos. Perrey podía ser el más marciano de los músicos existentes, o el más asequible de todos. Ya sabía de marketing musical, si es que esto existía.

Murió en 2016 a los 87 años, todavía en activo. Beastie Boys editaron un cd instrumental (?!), como homenaje a Perrey & Kingsley. Otro nombre obligado para entender la historia de la (arcaica) música electrónica  desde sus comienzos.
J.J. IGLESIAS






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Colosseum - Live at Ruisrock Festival 1970

El batería  Jon Hiseman lideró la banda en dos etapas muy diferentes (Colosseum y Colosseum II). En la primera estaban más orientados al rock blues con ciertos aires progresivos pasando por sus filas gente como Dave Greenslade, Dave "Clem" Clempson, Chris Farlowe, Dick Heckstall-Smith, Tony Reeves, Jim Roche, James Litherland, Louis Cennamo, Mark Clarke y Barbara Thompson.

Por otra parte Colosseum II tenía un carácter mas jazz rockero teniendo en su formación a  músicos de la talla de Gary Moore, Neil Murray, Mike Starrs, Don Airey, John Mole y Keith Airey.


En 1970 Colosseum ya tenía editados dos discos, "Those Who Are About to Die Salute You" (1969) y "Valentyne Suite" (1969). En enero publican "The Grass Is Greener" que solo vio la luz en los Estados Unidos. En la grabación participaba el guitarrista Dave "Clem" Clempson  que había sustituido unos meses antes a James Litherland. Por otra parte  Tony Reeves (bajista) había dado paso a  Louis Cennamo . En septiembre llegaría el cantante Chris Farlowe y en diciembre una nueva producción, "Daughter of Time".


Ruisrock es uno de los festivales de rock mas longevos de Europa. Se celebra en la isla de Ruissalo en Turku , Finlandia. En su primera edición en 1970 participaron entre otros Argent, Family y nuestros protagonistas de hoy Colosseum. La actuación tuvo lugar el 22 de agosto. El setlist que recoge la grabación está formado por "Walking in the Park" de su primer disco "Those Who Are About to Die Salute You", "The Machine Demands a Sacrifice" del "Valentine Suite", "Lost Angeles" y "Rope Ladder to the Moon" del "The Grass Is Greener" y por último "Downhill and Shadows" del "Daughter of Time". 

En cuanto a la música buen rock blues con toques progresivos a cargo de la especial forma de tocar el saxo por parte de Dick Heckstall-Smith y de la mujer de Hiseman, Barbara Thompson. El primer tema de la grabación, "Rope Ladder to the Moon", es una buena prueba de lo dicho, con un saxo enloquecido y unos teclados a cargo de Dave Greenslade realmente excepcionales. En el segundo tema tenemos el solo de batería de Jon Hiseman. En " Downhill And Shadows" el protagonista es Dave "Clem" Clempson y su magistral forma de tocar la guitarra. La parte vocal corre a cargo de Clempson y en alguna ocasión es secundado por Greenslade. La grabación se cierra con dos clásicos de la banda " Lost Angeles " y " Walking in the Park". Sonido aceptable para esta pequeña joya.
J.C.Miñana




Temas
01 - Rope Ladder To The Moon (10:28)
02 - The Machine Demands A Sacrifice - Drum Solo (cuts) (10:54)
03 - Downhill And Shadows (12:11)
04 - Lost Angeles (11:29)
05 - Walking in the Park (6:12)




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CRAYOLASER - ¡Oh Perra Vida de Brote! (2017 / INBOPHONIC)

Alguno pensará que tras la última reseña de Dry River me sería difícil mantener el listón  de calidad a esa altura. Para nada. En un país donde la escena social se compone de injusticias, corruptelas, abusos de poder, telebasura, medios informativos manipuladores, mentiras y estafas al por mayor de toda índole......El ARTE se refuerza, rejuvenece, refresca, rescata y reivindica. A más represión y bordería, más crecerá el plano liberador que te ofrecen esas cuatro mágicas letras. A-R-T-E. Cuanto daño pueden hacer a los orcos!!! Siempre ha sido así. Por lo que nuestro progresivo vive una feliz creatividad como no se veía  desde los 70. Que recuerden esa década los que puedan y me entenderán. 


Crayolaser es un grupo cántabro  (el otro día de Castellón,  ahora Cantabria, me encanta ésta descentralización), formado a finales del 2009. Hoy comentamos su última propuesta, cuarto disco titulado misteriosamente, "Oh Perra Vida de Brote!". Antes ya habían grabado "SuperPsychedelicScoobyAlidoso" (2010), "This is the Batiscaf" (2011) y "Crayolaser" (2013).

En el nuevo, Íñigo Bregel se ha encargado de casi todo, tanto instrumentos y voz, grabación,  producción y edición  en su sello Inbophonic Records. Aunque también participan los habituales Jorge Prieto, Juan Merodio y Fernando Bolado. Además cuentan con invitados.

En su estilo se combina con astucia y hasta picaresca, psicodelia y progresivo 70s. Siendo sus autoreconocidas influencias para éste disco, Génesis,  Touch (cual de todos?...), Focus o Henry Cow.  También la clásica y contemporánea aporta musas a Crayolaser. Concretamente Stravinsky, Ravel, Bartok, Schaeffer, Stockhausen y Varese. No es postureo. Todos se reflejan en la "Perra Vida de Brote". Con autenticidad.

Esto es un conceptual trabajo con un mucho de surrealismo realista. Me explico. Lo absurdo dice algo profundo. Sólo hay que observar ésta "perra vida" un poco y se entiende a la perfección todo mensaje aquí incluido. Personales, estos tíos son un rato. Manejan con soltura el léxico vocal, y no digamos el instrumental.


"Intro/Brote I" (2'14) nos ponen en materia con el interrogante,  "y esto de qué va?". Buena señal. "Si no sé yo me lo pienso" (2'33) alberga ADN crimsoniano y genético. 

"Brote II" (5'03) posee en su aura psych un polvoriento poso retro encantador. No recrean lo ya visto. Crean a partir de lo oído. Sus cambios y sorprendentes arreglos vuelven a jugar al despiste, siguiendo migitas en el bosque de Génesis,  VDGG, Gentle Giant o incluso Gryphon.

En "Omabi" (7'38) la voz transmite tanto como la música,  y juntos nos invitan a un vuelo astral,  a esos mundos imposibles que descubrimos por primera vez con "Trespass" o "Larks Tongues in Aspic". Experimentación,  valentía, riesgo y originalidad se traducen en música única,  que el mundo entero debe conocer cuanto antes. Es urgente.

"Para no seguirte más " (2'41) e "Intro Brote III" (1'50) son deliciosos preliminares a la gran orgía musical que suponen los dos temas finales: "Brote III" (7'26) y "Oh Perra Vida de Brote" (10'45).
Aquí sí que asistimos, a modo de pirotecnia emocional, al recuento de todas las influencias expuestas al comienzo. Un torbellino de sensaciones que van del vanguardismo puro al Canterbury más rebelde de Henry Cow, con pinceladas clásicas  tanto de la música así llamada, como del prog más puntero e imprescindible.


Crayolaser se posicionan como firmes candidatos al mejor disco nacional del año. Mucho tendrán que trabajar el resto para desbancarlos de mi personal posición. No sólo es lo bien hecho que está todo. Mi premio es para la personalidad y absoluta imprevisión  que destila. Un sobresaliente claro y otro grupazo para exportar con la cabeza bien alta.

Abajo Eurovisión. En Progvision seguro que quedábamos en las primeras posiciones!!!!
J.J. IGLESIAS



Cara A:
1. 00:00 - Intro Brote I
2. 01:03 - Brote I 
3. 02:13 - Si no sé yo me lo pienso
4. 04:47 - Brote II 
5. 09:50 - Obami
6. 17:29 - Para no sufrirte más
Cara B:
1. 20:10 - Intro Brote III
2. 22:01 - Brote III
3. 29:53 - ¡Oh perra vida de brote



Contacto:
correo: crayolaser@gmail.com





P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70

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DUTY FREE AREA (D.F.A) Italia

De todas las referencias de las que vengo hablando cada viernes, esta puede que sea sin ningún género de dudas de las más interesantes y de las de mayor calidad. Volvemos a Italia y en concreto a la ciudad de Verona, la tierra de los amantes más famosos de la literatura universal. Es aquí donde en 1991 aparecen los Duty Free Area, un cuarteto de músicos de los de verdad, es decir, de los que marcan la diferencia, entre tocar más o menos bien o tocar de puta madre, como es su caso. Gran parte del rock progresivo italiano lo integran tipos y bandas brillantes con alta preparación musical. Esto es un hecho indiscutible desde hace décadas y estos señores no iban a ser una excepción a la regla. 



El cuarteto en cuestión fue comandado por un verdadero maestro a las teclas y composición como fue Alberto Bonomi, uno de esos músicos privilegiados con unos dedos y una mente hechos para la música. Desgraciadamente falleció en 2011 debido a un accidente automovilístico al igual que le paso hace unos años al gran Francesco Di Giacomo de los Banco. Una pena. Su desaparición supuso también el final de los D.F.A quienes tenían la capacidad de tocar con una riqueza y una técnica verdaderamente impresionante. 


En sus cuatro trabajos, tres en estudio y un magnífico live, hay tal concentración de buena música que absorben prácticamente todos los palos del estilo progresivo: desde la fusión jazz-rock (su fuerte) al rock sinfónico emersoniano, pasando por la space-music, la psicodelia electrónica y como no el Canterbury Sound y todo con una pasmosa naturalidad, sin giros forzosos y sin despeinarse. 

Acojona oírlos tocar. DFA fueron en definitiva una enorme banda que llegaron a  actuar en el Nearfest en 2001 (su live oficial), aunque realmente nunca fueron muy conocidos. El mundo de la música tiene esas cosas: se ensalza y triunfan muchas veces los mediocres y los aburridos gracias al inefable favor de muchos críticos que piensan que más de dos acordes, algo de eco y un pequeño cambio ya es progresivo como sucede ahora con el post-rock y otras lindezas y los realmente buenos o mínimamente interesantes, los escuchan cuatro gatos (tres de los felinos son los que redactamos aquí, al margen de tiempos, modas, tendencias  o chorradas modernas afines a la competencia snob). 

Los trabajos de esta estupenda banda italiana van de 1997 a 2008. Grabaron previamente una demo en 1995 llamada “Trips on the metro” y parte de esas ideas formarían parte de su primer álbum “Lavori in corso” en 1997. Un registro donde encontramos desde ejercicios sonoros a lo Gentle Giant a composiciones al estilo de la banda de Bruford-Stewart-Berlin- Holdsworth entre otras pinceladas sinfónicas. 


Es el trabajo más ecléctico dentro de lo que cabe donde tienen cabida diversas influencias que irán puliendo cada vez más hacia una jazz-fusión a lo National-Hatfields muy personal. Composiciones complejas, de alto voltaje instrumental. Peligrosa alquimia de la que a nosotros nos gusta, así como nos gusta la cocina tradicional y potente en sabores, sin mariconadas de-construidas al oxígeno líquido, ni esencia de flatulencia de gamba a lo master chef. 



El siguiente “D.F.A” lo grabaron en 1999 y es una barbaridad de space-rock-prog-jazz-fusión y sinfónico de primer nivel. De Hatfield  y National health a Gong- Hillage, Ozrics y ELP, casi nada para el cuerpo. Tremendo. Todo eso lo tienes aquí en una música vertiginosa y fantástica que no te dejará impasible. En ocasiones cantan, aunque no mucho y afortunadamente lo hacen en italiano. Lo prefiero siempre en las bandas procedentes de Italia, es un idioma hecho para la música. Lo hacen con un gusto y una finura llena de riqueza melódica. Las composiciones como digo, son de marca de alta gama. Una delicia. 


Su último trabajo “4th” de 2008 es un broche del mejor Canterbury cerrando una discografía sin fisuras. Banda fundamental en todos los aspectos.
Alberto Torró

Kaleidoscope (1º y 2º LP)





Work In Progress Live





4th











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GROBSCHNITT - Solar Music Live (1978)

Para muchos la versión live de la música solar de 1978 es el álbum definitivo de la banda y el más famoso por encima incluso del Rockpommel´s Land. Algunos hablan como si fuese el disco más importante del rock alemán de todos los tiempos. Desde luego no es así porque hay muchísimos discos alemanes importantes. Pero es cierto que este es uno de ellos.



 Ya oímos la versión de estudio del Ballerman en 1974, pero en cuatro años más tarde les dio tiempo más que suficiente para perfeccionar esta pieza casi interminable de música, doblándola en duración y con un extraño montaje escénico a modo de ritual que si alguien lo entiende me lo explique. La pieza en cuestión es Krautrock puro con todos los ingredientes que se esperan de ello: ambientes que van cobrando tensión al más clásico space rock con Eroc  casi en trance redoblando los tambores, el hit hat y los platos sin pausa. Mist y sus constantes y excelentes capas de teclado y sintes y Lupo a la guitarra solista, literalmente abrasando todo con reinvenciones y riffs constantes. De vez en cuando aparecen jocosos gags y música de desfile germana mientras la tensión de la banda permanece por debajo constantemente. 



Rock ácido-spacial de punteos larguísimos, wah- wah a patadas y una segunda guitarra de Wildschwein machacando y contestando a su compañero. El bajo y la batería sacudiendo sin pausa. Imagino a un público encanutado hasta las cejas, porque Solar Music es para colocar al personal y naturalmente que en parte los primeros Floyd están presentes. De vez en cuando también hay algún solo hermoso de sintetizador y piano eléctrico. 


Confieso que la primera vez que la escuché me pareció una especie de jam orientada al cuelgue físico-mental. 1978 ya era algo tarde para músicas marcianas de este tipo, más propias de finales sesenta- principio setentas. Pero esta versión se encuadra bien en la época de finales 70´s siendo  muy superior a la de estudio por razones obvias y desde luego se nota mucho que la música apoya a la parte escénica, aunque para eso es importante visualizar el DVD de esta actuación y de otras similares. Grobschnitt  tocó su tema estrella hasta la saciedad en infinidad de versiones y para ello están los cinco volúmenes de la “History Of Solar Music” y la posterior y generosa serie editada por Silver Mind Records  (propiedad de Eroc) con variedad de grabaciones live de todas las épocas del grupo. Serie ésta, indispensable para los amantes de la banda y donde pueden comprobar todo el potencial que tuvo este grupo. Grobschnitt cerrarían aquí su época dorada y a partir de aquí también vendrá una de cal y otra de arena.
Alberto Torró









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SNAKEYE - Blue Feeling (1975 / Big Harold)

La región de Nova Scotia, en la helada Canadá,  ha dejado bandas tan brillantes como desconocidas. Una buena mina para rockliquianos desquiciados. Desde Molly Oliver, a Lanely Beach Crowd,  Pepper Tree o Melody Fair. Precisamente de estas tres últimas se formó Snakeye.


Quinteto liderado por el batería Allard Barkhouse, también cantante solista. Las guitarras de Tony Argent y Jim White. El bajo y voces de Ken Umphrie y los vientos (saxo y flauta) de Keith Jollimore, también como productor. El piano de Doug Relley aparece en los dos cortes finales.

"Blue Feeling" fue el debut, que en realidad había sido grabado dos años antes en los Thunder Sound Studios de Toronto, bajo los auspicios de United Artists. Estos les editan  en el 73 un single, pero se desentienden de ellos y ante el habitual pasotismo discográfico,  optan por editar con una independiente de su región. A nivel regional no les va nada mal, tocando bastante y con el apoyo de las emisoras locales. Y es que éste disco es otro de muchos que mereció mejor suerte. La banda se movía entre un progresivo hard blues y melodic rock midwest de bonita presentación. Temas cortos, concisos y con tratamiento vocal muy cuidado. Recordando en este sentido en ocasiones a sus paisanos Bighorn.


Comienza el festín de buena música con "See the Sun", coral equiparable a una Pomp band, aunque Snakeye deriva más  hacia la excelente West Coast  de unos Firefall. La flauta ayuda a ese parecido. Mientras que en "Blue Feeling" las cercanías son claramente a los James Gang de Joe Walsh. Buenas armonías vocales y guitarreo hard blues "premium" (esa palabreja se usa ahora para todo, así que....). "Chooked Up" sigue por derroteros funk rock con una voz, la de Allard Barkhouse,  que recuerda poderosamente a David Byron. Pero no en Uriah Heep, sino en la Byron Band, por estilo similar incluso en el planteamiento instrumental. "Something to Believe in" arrastra energía hard soul no alejada de las sudorosas  (y sampleadas) canciones de Rare Earth. Ahora sí,  en "I'm Coming Home" el parecido a Byron es puramente Heep, en un elegante corte donde las guitarras se distinguen en finura y sensible toque. También tiene un ligero sabor southern que la hace deliciosa.


Para la segunda cara, "Woman in love is a Woman insane" (curioso título), nos depara lo que sería más adelante el southern AOR. Esto es, melodías vocales inconmensurables bañadas en guitarras incendiarias y sección de ritmo "bipolar", pesada por momentos, flexible otros. Se adelantan a 38 Special, la Van Zant Band o Billy Satellite. "Someone" es una midwest ballad con arreglos de cuerda y voces exquisitas. Siguiendo por esos pastos, "Believe me Lady" podría ser un tema de Headeast, deliciosamente setentero,  pero con influencias Soul 60s.

"I Can Stand" vuelve al regusto sureño, y el piano de Relley es decisivo, a la vez que las acústicas  y las siempre cuidadas voces. Precioso. Finalizando, "Boogaty Shoot" cierra con fogoso boogie estilo Skynyrd / Foghat de adrenalitico y efusivo feeling. 

Un estupendo disco perdido en la noche de los tiempos canadienses, que no tuvo hermano hasta 1980 con "Shape Up or Ship Out", en otra independiente, ABO. Muchos cambios de formación,  separaciones, reuniones..... Lo habitual en bandas que fueron excelentes y que de vez en cuando se reúnen para probar sus reflejos y alimentar su propia nostalgia aún a día de hoy. Snakeye fueron de éstas,  no  te quepa duda.
J.J. IGLESIAS



Temas
A1 See The Sun 2:58
A2 Blue Feelin' 3:20
A3 Choked Up 3:06
A4 Something To Believe In 3:04
A5 I'm Coming Home 3:52

B1 Woman In Love Is A Woman Insane 3:04
B2 Someone 3:27
B3 Believe Me Lady 2:45
B4 I Can Stand 3:28
B5 Boogaty Shoot 2:38




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THUNDERHEAD - Thunderhead 75

Thunderhead fue una banda procedente de New Orleans formada en 1973. Estaba integrada por miembros  de Paper Steamboard , Mike Daggar (voz),  Ronnie Dobbs (guitarrista) y  Otho T. Ware bajo), y el batería, Bobby Torello, de los  David and the Giants. Posteriormente se incorporó el guitarrista Pat Rush.


Su música llega a oídos de Johnny Winter quien les ofrece girar por el sur de los states. La banda abre cartel para gente como Kiss y ZZ Top. De la mano de Winter como productor entran en el estudio para grabar varios temas. Con el disco bajo el brazo consiguen contrato discográfico con ABC Records. La compañia les obliga a grabar de nuevo los temas con el productor John Haeny. La grabación paso sin pena ni gloria salvo el tema " Busted In Georgia". Curiosamente el dueño de la discografica se suicida un año después y la banda se separa. Bobby Torello y Pat Rush se integraron el la banda de Johnny Winter.


Nos encontramos con las grabaciones rechazadas por la discográfica que muchos años después fueron rescatadas y editadas por la propia banda.Tenemos a Johnny Winter como productor y participando con su destreza guitarrera en el primer tema. Su hermano Edgar Winter también está presente en "Lay it on the line" tocando el piano y haciendo coros. Se grabó en los estudios de Bogaslusa teniendo como ingeniero de sonido a Bill "Bleu" Evans. En cuanto a la música tenemos hard rock sureño con grandes influencias del genial Winter, el uso del slide guitar es determinante. Como temas destacados sin duda "Busted In Georgia", la instrumental "Apathy" y el gran solo de "Stop the Madness". Resulta curioso, en el rock sureño, el uso de la flauta al estilo Anderson en algunos temas , "Lay it on the Line" y "Space saver". Hay gente para todo.

J.C. Miñana


Temas
1 Busted In Georgia 4:05
2 Roll Up the Hill 4:14
3 Lay it on the Line 4:15
4 Make up your own good news 4:06
5 Apathy 3:45
6 Stop the Madness 4:04
7 Hit and run Driver 4:13
8 Space saver 7:14
9 Homa 4:48




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CONRAD SCHNITZLER - Constellations (1988 / Badlands)

Uno de los grandes de la electrónica alemana (nacido en Dusseldorf, pero más inclinado a la Berlín School), que todavía  nos faltaba por revisar. Alumno del artista radical y escultor Joseph Beyss,  así como también de Karl-Heinz Stockhausen. Formó parte en 1969 de dos bandas básicas del Electronic Avant kraut: Tangerine Dream (junto a Froese y Schulze, nada menos). Y Kluster (con Moebius y Roedelius, "nada más ").


Simultaneando ambas, su primera aparición en directo fue con una significativa performance con Tangerine Dream, en el Essen Songfestival. En 1971 se traslada a Berlín  y empieza su carrera en solitario. Sus comienzos con "Schwarz" y " Meditation Rot " ambos del 71, son similares a lo hecho con Kluster. Caracterizado por su excentricismo teórico,  casi podríamos definirlo como un "artista anarco-punk", por su amor a lo underground y a la independencia más radical. En ocasiones editando sólo en cassette y en cantidades microscópicas. 

A mí me marcó profundamente con el album "Con" de 1978, editado aquí por el sello EGG. Con 16 años era uno de mis discos favoritos en mi pequeña colección. Así me dejó....Vi otra forma de hacer electrónica  y me atrapó sin remedio con su enigmática estrategia, tejedora de sonidos constantes, distantes, efímeros y casi industriales. La cosmic le debe mucho, aún a pesar de no ser de los nombres que más salen en una conversación al respecto.

"Constellations" se compone de dos largas piezas. "First Constellation" (30'10) y "Second Constellation" (38'55).

Si he elegido éste álbum en particular es porque aúna todos los componentes estilísticos  que lo hicieron uno de los vanguardistas electrónicos más sobresalientes.

Sus efectos procesados de reverb, echó, delay y demás  (apenas utiliza secuenciadores), son sabiamente tratados en un auténtico estudio de grabación. Digo esto porque frecuentemente editaba sus cassettes caseras desde su home studio. Editando casi mensualmente para sus suscriptores, con los que tenía trato directo, cuando lo de Internet era pura ciencia ficción. "Constellations" fue una vuelta al modo de hacer profesional, gracias al extinto sello francés  (sí,  como EGG), Badlands.


Música provista de una rara belleza, que no está hecha para el oído de todo el mundo, aún estando educado en éstas lides avant. Siempre me fascinó de Schnitzler sus "amagos sinfónicos", sus sinfonías de microfusas ("Sinfusas"?...) , y cómo con pocos sonidos expertamente moldeados  (recuerda a su maestro escultor, Joseph Beyss), podía decir tanto. Un auténtico pintor electrónico de sensible abstraccionismo, naif en ocasiones, pero siempre con una segunda, (o tercera, o varias) lecturas.

Como digo su discografía es inabarcable y de difícil localización. Sirva "Constellations" como perfecto "resumen de lo publicado", por lo menos hasta 1988.

Conrad Schnitzler nos dejó en 2011, pero su ensoñador legado sigue siendo tan sorprendente, novedoso, paranormal y lógicamente surrealista como cuando comenzó en aquellos primeros días hippies, en una Alemania que despertaba de su letargo con marginal vanguardismo electrónico. 
J.J. IGLESIAS



Temas
1 First Constellation 30:10
2 Second Constellation 38:50




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