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KANSAS - Broadcast of Innocence live in Pennsilvania 1976

Nos tenemos que remontar a 1970 para encontrar el embrión de Kansas.  Kerry Livgren  después de haberlo intentado con diferentes formaciones reúne a miembros de White Clover (  Dave Hope y Phil Ehart ) junto a  Meredith y Greg Allen, los teclistas Don Montre y Dan Wright, y el saxofonista and  Larry Baker para crear lo que sería la primera formación de la banda.



Pasaron cuatro años y muchos cambios en su filas hasta editar su primer disco en marzo de 1974, "Kansas" con Steve Walsh (teclados, voz), Kerry Livgren (guitarra, teclados, voz), Robby Steinhardt  (violín, voz), Rich Williams ( guitarra), Dave Hope  (bajo, voz) y Phil Ehart (batería).  Al año siguiente editaría nada menos que dos discos "Song for America" (febrero) y "Masque" (octubre).  En el 76 llega " Leftoverture" con el tema estrella "Carry On Wayward Son" y en el 77 su consagración definitiva con "Point of Know Return" y su ""Dust in the Wind".  A partir de aquí el estrellato  y más de una decena de discos con múltiples formaciones.


Bajo el título de "Broadcast of Innocence" nos encontramos con la actuación de Kansas en el Villanova Fiel House de Pennsylvania el 22 de febrero de 1976. El grupo estaba inmerso en la gira de su tercer disco, "Masque". El setlist está compuesto por cuatro temas de su primer disco ("Lonely Wind",  "Belexes" y "Bringing It Back / Can I Tell You"), tres del "Song for America ("Song for America", " Down the Road" y "Lonely Street"),  tres del "Masque" ("Icarus - Borne on Wings of Steel",  "Child of Innocence" y "All the World") y el instrumental "Guitar instrumental". En cuanto a la música podemos escuchar a unos Kansas en plena forma con su sonido característico muy determinado por el violín de Robby Steinhardt  y con unos magníficos pasajes instrumentales donde brillan los buenos riffs de guitarra y el gran apoyo de los teclados. Temas destacados " Song for America" y la medley "Bringing It Back / Can I Tell You", lamentablemente se corta el final. El sonido excelente.



Temas
01. Song For America 00:00 
02. Icarus (Borne On Wings Of Steel) 11:08
03. Down The Road 17:10
04. Lonely Street 20:40
05. Lonely Wind 27:18
06. Belexes 33:00
07. Guitar Insturmental 37:26
08. Child Of Innocence 40:58
09. All The World 45:37
10. Bringing It Back / Can I Tell You 50:52

Formación
Kerry Livgren - guitarra, teclados, voz
Robby Steinhardt - violin, voz
Steve Walsh - teclados, voz
Phil Ehart - batería
Dave Hope - bajo
Rich Williams - guitarra



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MELANGE - Melange (2016 / Melange)

Dicen los madrileños sobre su autoeditado debut : "Melange combina el folclore popular con Can, el prog con Vainica Doble, a Soft Machine con el rock más intenso y las raíces españolas con CSN & Y. Es folk nómada  para el siglo XXI".


Músicos experimentados en otras batallas, (Luger, RIP KC, Bucles), fueron juntados por Miguel Roson (guitarras, dulcimer), para tocar un puñado de sus canciones. Él fue el catalizador, lo que ocurre es que le cogieron gusto a la cosa. Y de un proyecto, se convirtió en un grupo con álbum doble. El resto de Melange son Mario Zamora (teclados, voz), Daniel Fernández  (bajo, sitar,  voz) y Adrián Ceballos (bajo, voz). Si bien cuentan con invitados a la viola, saxo, clarinete y guitarra.


Todo un enorme cuerpo de trabajo psicodélico  que hace de su debut,  un perfecto puente entre el presente y los 60 - 70. Musicalmente hablamos de navegantes que saben bien su hoja de ruta. 

La tremenda apertura de "La Cosecha" (3'52) nos pone sobre aviso,  con instrumental recuerdo al early british prog.

"Solera" (6'44) (homenaje al grupo español de los 70?...), tiene reminiscencias vocales de Módulos,  que pronto son retorcidas con ánimo experimental hacia un reinado kraut.

La mutante "Conan" (2'51) se encuentra bien en su hábitat 60s.

"Saquesufah" (2'33) encubre Tarantino music  con orientalismos. 

En "Verdiales del Encuentro" (3'37) las voces y su abrigo instrumental tienen algo del baroque-psych a lo Zombies.

 "Viaje a Cenera" (3'11) arropa con sitar otra melodía de añejo sabor español, otra vez Módulos  en mente.

 "Los ojos negros (bulerías de Dusseldorf)" (4'26) explica el tema por si misma : existe el "kraut andaluz"? Melange prueba que sí.

"Beti Jai (capricho sefardí ) (4'50) vuelve a usar la étnica para iniciarnos en su particular mundo psicotropico.

"Nuevos Ritos" (6'20) es otro trozo de pergamino hipnotic-kraut cogido al vuelo desde la "nube de la inspiración subconsciente", y plasmado con devoción aquí. 

El cruce de mundos paralelos crean cosas como "Despertar" (4'37), en un inicio Wishbone Ash que pronto muta hacia el spanish prog de unos Azahar.

La única en inglés es "In the Hands of Time" (3'49), la cual podría pasar por inédita de The Moody Blues en los finales 60. 

Melange es una droga que aparece en la novela "Dune", y "Las Dunas de Diabat" (4'49) conecta con ésta historia en formato muy descriptivo.

La espiral sonora de "Las olas del mar" (6'22) es otro buen ejercicio levitacional, muy indicado para desconectar con todo éste sinsentido que llaman realidad.

Si se llega hasta aquí,  "La Montaña" (6'50) no resulta demasiado difícil de escalar en su "paleidolia mental". Los ecos de Popol Vuh, Yatha Sidhra, Embryo o Amón Duul se dejan notar en tan espesa niebla de la cúspide. 

Por último "Tríptico de Tobala" (8'02) utiliza para su lisérgica liturgia instrumentos de viento, además de la exuberante instrumentación habitual en Melange.


La sensación de haber vivido una gran aventura queda, tras escuchar éste exquisito debut. No es muy común por éstas tierras enfrentarse a una empresa musical de ésta índole  con la  valentía,  entrega, fantasía e ilusión que desprenden las notas de éste generoso disco. Otro destacable trabajo en materias psico-prog que intuyo irá tomando relevancia in crescendo, con la ayuda del tiempo.
Para nuestra salud emocional, Melange debe continuar ofreciéndonos nuevas dosis de su soma musical. Necesario.
J.J. IGLESIAS


Contacto:
Correo:melangemadrid@gmail.com



P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70

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Sukellusvene - Vesi ja Lintumusiikkia (1979)

Finlandia no fue ajena a las influencias que el jazz rock europeo imponía en las década de los 70´s. Este trabajo es ya tardío de 1979, pero se encuadra perfectamente en la fusión progresiva de los primeros años de la década. Tanto los países escandinavos, nórdicos y del este, tienen una veta infinita de grupos de este estilo.


 El sonido es completamente retro con teclados analógicos y bonitos dibujos de sintetizador, wah wahs, phaser etc…. La guitarra no iría muy desencaminada a un primerizo Latimer de Camel por su forma y sentido melódico y el saxo y clarinete se emparenta con las formas a lo Jimmy Hastings- Elton Dean manteniendo distancias naturalmente. 

 Aunque no tienen la “patafísica” sonora ni el extraño desbarre de las bandas del este de Inglaterra. Son más “serios” en el sentido convencional del jazz y lo puedes comprobar en el swing de bajo-batería- piano. Por aproximarnos más, los emparentaría con los Nucleus de Ian carr sin mucho problema. Hay también retazos a lo Corea- Dimeola algo funky donde bajo y sintes hacen alguna bizarrada. 


Muy buenos músicos, como cabría esperar y de vez en cuando el órgano hammond B-3 ruge vigoroso. El álbum vendió la irrisoria cantidad de 300 ejemplares y naturalmente es un rara avis para fanáticos coleccionistas.  

Finlandia sufrió como los demás países el cambio de década hacia la música fácil y anodina que empantanó la década del brillo y las hombreras  y este trabajo puede que sea de los últimos de su estilo. En las escasas referencias que existen de esta banda parece ser que otros trabajos suyos anteriores fueron mucho más experimentales en la onda del Uncle Meat de Zappa, la forma más marciana de los primeros Floyd e incluso acercamientos a la Mahavishnu Orchestra. El que quiera que busque porque el que busca encuentra. El disco es muy recomendable, bastante melódico y entretenido.

Alberto Torró


Temas
A1 Hiilijuna 9:03
A2 Metsän Takaa Nousee... 5:26
A3 Ilmojen Halki 4:34
B1 Music Maze 5:58
B2 Moon Funk 6:47
B3 Tosikertomuksia 6:03
Bonus
C Savitaipaleen Polkka 2:28








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DIE GROBSCHNITT STORY: Introducción y Grobschnitt 1972

Al final me he decidido por integrar una nueva sección dedicada a hablar de una de las bandas alemanas más interesantes y más desconocidas del rock progresivo. 


Grobschnitt es uno de los grupos más veteranos de los 70´s y también uno de los más peculiares, imaginativos, personales y originales de lo que se gestó en el panorama Krautrock. A diferencia de sus coetáneos germanos, Grobschnitt no traspasó las fronteras de su país, y solo los más interesados y avispados melómanos del estilo progresivo, se preocuparon de que su fama traspasase las fronteras europeas. 

Son un grupo de culto a través de las últimas décadas con su ascenso, su caída y su rehabilitación ya maduritos. Curiosamente fue la mejor banda de rock sinfónico alemana entre 1975 y 1979 y ni dios se percató de ellos salvo claro está en su país de origen. 


Yo oí hablar la primera vez de ellos mediados los 80, a través de un conocido del trabajo que había vivido tres años en Alemania. No era un tipo precisamente metido en música pero tenía un vinilo llamado “Solar Music Live” no sé el motivo de esa adquisición  pero él sabía de mis gustos por conversaciones que por otra parte no suelo mantener salvo con gente muy metida y muy escasa, pero se enteró y a día de hoy le agradezco el descubrimiento. Me quedé con el nombre, algo jodido de recordar y de pronunciar y aún tardé algunos años más en empezar a oírlos porque era prácticamente imposible conseguir sus discos. 

La revista madrileña  El Mellotron, que fue compañera de fatigas de nuestra revista Lunar Suite, hizo de ellos en la primavera de 1997 una magnífica biografía de manos de Federico J. Santamaría. La única en España que yo sepa. En uno de mis viajes a Andorra conseguí en vinilo su primer disco de 1972. No fue fácil su escucha y no porque su música fuese complicada, en absoluto, sino porque eran distintos a todo lo que había escuchado. Cuando un grupo es difícil de etiquetar ya ha conseguido mi absoluta atención y picor de gusanillo.


El origen de esta banda alemana data nada menos que de 1966 y por entonces se hacían llamar Crew. El rock progresivo aún estaba en pañales, es más no existía casi como tal. Y tal como dice el tópico que si antes el huevo o la gallina, estos tipos ya tenían ideas raras en la cabeza. Naturalmente son hijos de la psicodelia pero sus extraños conceptos y sentido del humor están más cerca del absurdo zappero que de las floridas gilipolleces de paz y amor.

 No existen grabaciones de ésta época lamentablemente y no puedo aventurar por donde iban los tiros. Grobschnitt en definitiva se forman en 1970 de la mano de tres peculiares tipos: Stephan Danielak (alias Wildschwein) en guitarras y voz solista (y que voz!!). Joachin Ehrig ( alias Eroc) un personalísimo y particular batería y Otto Kühn (alias Lupo) un guitarra solista con estilo y clase. Completaron la primera formación un bajista llamado Berhard Uhlemann ( alias Bär) y un teclista de nombre Hermann Quetting (alias Quicksilber). Fueron una formación que se desarrollaban perfectamente en directo con una fantástica base musical. 

Hasta 1972 no grabaron su primer trabajo en el mítico sello Brain. Existen grabaciones anteriores que con el tiempo verían la luz en la enorme cantidad de archivos que posee Eroc, el alma matter histórico y restaurador de las viejas grabaciones de su banda. Grobschnitt de 1972 me costó muy barato de oferta en Andorra a finales de los 80´s. Ahora supongo valdrá un güevo. 

La portada del primer registro de Grobschnitt es muy atractiva como lo es su programa. La primera pieza  de 13 minutos se llama directamente “Symphony” y se inicia con voces histriónicas y cerveceras en una pieza enérgica de sympho-prog-santanero, mezcla imposible pero cierta, en una especie de primitivos Camel muy animados. La voz es la hostia. 


Travelling es el segundo corte con toques ácidos de psych-rock en línea parecida al anterior. La monumental e histriónica voz de Wildschwein, me recuerda a los viejos tiempos de Colosseum. 



.

La siguiente Wonderfull Music es un ejercicio a la Focus de corte folk –medievo-trovadoresco que escapa del planteamiento general del álbum.




 Con Sun Trip volvemos a largas suites en onda algo space y hard en el estilo prog de la época, recordemos que estamos en 1972 y la voz vuelve a demostrar su versatilidad tanto en momentos locos como líricos. Buenos momentos de guitarra-organ, y atractivos toques de rock-blues. 




La versión remaster en CD lleva dos generosos bonus track live: la entretenida About My Town  y sus eclécticas y rítmicas  variaciones en derroteros próximos a la fusión y una monumental, diferente y musculosa versión de Symphony de 26 mtos. Un disco interesante y un buen debut pero lo mejor estaría por llegar. Una pena que no llegasen a abrir fronteras.

Alberto Torró





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BIG FOOT - Big Foot 1968

 Cuando se trata de escribir la historia del rock, (o cualquier historia que haya sucedido), se tiende a contar tan sólo la punta del iceberg. Así,  si hablamos de la California de finales 60, y concretamente del "verano del amor" del 67, aparecen los clásicos sospechosos habituales. Por el camino se ignoran grandes bandas que no traspasaron esa barrera del tiempo y popularidad. Vaya usted a saber porqué. La vida es una puta lotería. O las dos cosas.


Big Foot fueron uno de esos grupos olvidados en la memoria de los historiadores. Formados en ese mágico año de 1967 como Brass band en un compendio estilístico  que refleja perfectamente su época : Psicodelia, jazz, Soul, funk, proto hard y primeros pasos progresivos. 

Cinco excelentes músicos.  Art Munson (guitarra voz). Virgil Beckham (bajo, voz). Gerard Belisle (trompeta, trombón,  voz). Spencer Earnshaw (batería,  voz). Y David Garland (órgano, trompeta, saxo, voz). Habituales del Sunset Strip jipioso,  verlos sobre las tablas del Whisky A Go Go o el Pussycat A Go Go era tan normal como ver a Vanilla Fudge, Chicago, Blues Project o el mismo Hendrix. Justo algunas de las influencias clave en el sonido de Big Foot.

Banda que por otra parte aunaba ya importante experiencia tras haber sido backing band para The Righteous Brothers o The Soul Brothers.


Su único álbum comienza como un outtake de los mencionados Vanilla Fudge, en "I keep Holding on". Mismo estilo y feeling, órgano dominante y coral en equipo. Buenísima voz del solista, que ignoro quien era, al señalar como "voz" a todos sus miembros en créditos. Excelente pieza proto-progresiva fiel reflejo de esos días. 

"Colors" es hard rock soul con el gancho que hacía furor por entonces. Rare Earth, Blood, Sweat and Tears, Lee Michaels o Lighthouse son apropiadas referencias. Con el añadido de la hendrixiana guitarra de Munson y un perfecto break jazzistico cuasi be-bop. 

"Sara Lee" exhibe brillante melodía vocal,  órgano dominante, brass sección en esteroides y la destacable guitarra solista sobresaliendo con el apoyo rítmico indispensable. Simplemente perfecta. 

El hard funk ácido  se desparrama por los surcos de "When will it hit me", con un riff tomado prestado del "Purple Haze ", en un cruce entre God Hendrix y Chicago Transit Authority. Fuerza para vivir, hermano.

Termina la cara A con "Living Again", en un alegato hippie de voz muy Gillan (cuando era "Jesucristo" y no le tosia nadie). Por ello pueden parecer a ratos a los primeros Purple.


Volvemos a la carga hard soul  con "Take me" . Casi Grand Funk Railroad si éstos hubieran echado mano de vientos a la JB's. 

El tratamiento Hammond de "California Lights" los emparenta con bandas británicas,  y Colosseum me viene enseguida a la mente, al igual que la Keef Hartley Band.

Éste sabor british continúa  en "Bring Another Day" en un pausado tema muy psych, y cercanías con Heaven, If o Greatest Show on Earth.

"Teen Tight" es extraordinario baroque psych/Prog con incendiaria guitarra y a - BRASS- adora, ejem, brass.

Como de costumbre , el cantante se sale. Es escuchar los primeros compases de "Music Maker" y recordar los inicios de Uriah Heep, particularmente la voz gemela de David Byron, en ésta ocasión.

  Finalmente "Let it Flow" ofrece más caliente hard rock prog con fuerte logística órgano / guitar,  y el cantante desgañitandose al estilo Arthur Brown. Mientras, las secciones de viento / ritmo, arrasando. El sólo de wah wah en pugna con Hammond es impagable. Otro gran momento en un álbum plagado de ellos.

Big Foot representa a ése pelotón anónimo de grandes combos que por lo que fuera, no llegaron a oídos del gran público. 
 Pero no cabe duda de que lo merecieron.

P. D. - "......no llegaron a oídos del gran público".....pero sí a los de Emerson Lake and Palmer. Escucha "Sara Lee".

J.J. IGLESIAS


Temas
I Keep Holding On 3:30
Colors 3:50
Sarah Lee 3:30
When Will It Hit Me 3:30
Living Again 3:16
Take Me 2:23
California Lights 4:53
Bring Another Day 3:12
Teen High 2:43
Music Maker 3:28
Let It Flow 3:24




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AURORA - Aurora 1977

Aurora fue un grupo tejano formado a mediados de los 70 (1976) y fundado por el violinista Mark Menikos y el guitarrista Skip SoRelle. El nimbre lo tomaron de un disco de una de sus grandes influencias, Jean-Luc Ponty. El resto de la banda estaba compuesta por Roy Vogt (bajo), John Sharp (teclado) y Martin McCall (batería).


El recorrido de Aurora fue de apenas cuatro años, en 1980 dejaban de existir. Durante su carrera no editaron ningún disco. Años después (1999)  fueron rescatadas algunas de sus grabaciones. 


Este Cd de Aurora es una recopilación de temas grabados en 1977. Los tres primeros se realizaron en los estudios Sound de Dallas y el resto fueron grabados en una retransmisión para la emisora local KZEW-FM de esa misma ciudad. La música que desarrollan está muy influenciada por gente como  Jean-Luc Ponty, jazz rock instrumental donde el violín tiene un papel muy importante. Me recuerdan mucho al grupo español Teverano y la parte rítmica esta muy cercana a lo que hacían grupos como Iceberg o más tarde Pegasus. Tema destacado sin duda el que abre la grabación. "Opus 8", son once minutos que nos muestran claramente lo que vamos a encontrar en el resto del disco.

J.C. Miñana



Temas

1 Opus 8 00:00 
2 Within 11:54 
3 Dancing On A Plain In Spain 17:50 
4 Is There Any More? 26:03 
5 Off-Blue 30:30 
6 Eurhythmia 35:24 
7 Savage Lust 40:27 
8 Polyfolk Dance 47:21 
9 Khartouhm 52:28 
10 Jubilee 01:02:05

Formación
Roy Vogt : bajo
 Martin McCall: betería
Skip Sorelle : guitarra
 John Sharp : teclados


Mark Menikos: violín



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ART FLEURY - I Luoghi del Potere (1980 / Italian Records)

El origen de Art Fleury proviene de la banda AMG, cuya actividad estuvo centrada en los mediados 70. Eran las iniciales de Augusto Ferrari, Maurizio Tomasoni y Giangi Frugoni. Tras tocar con Área y Henry Cow,  cambian de estilo y nombre, fichando por el pequeño sello (especializado en new wave! ), Italian Records.

El estilo que acogerán a partir de ahora entra de lleno en la vanguardia de paisanos como Franco Leprino o Franco Battiato. Añadase nombres teutones como Limbus, Annexus Quam o Faust.

Concebido como la banda sonora de un film imaginario, la primera edicion del disco incluía unos fotogramas con la inscripción : " banda sonora del film homónimo ".

"Uno Spettro si aggira per le Brigate Hans Eisler" (8'38) abre este mundo pesadillesco entre "La Metamorfosis" de Kafka y la dimensión del dolor de los Cenobitas de Clive Barker ("Hellraiser"). Instrumentos orgánicos como bajo o batería  se mezclan con órgano  y sintetizadores, en una amalgama oscura y siniestra de densa ambientación. La guitarra en libre albedrío atonal,  refleja gustos crimsonianos. Hay que señalar que Hans Eisler era un compositor austríaco alumno de Schonberg y Webern.

"Fabbrica Rosa" (11'27) se acerca más a los Tangerine Dream de los primeros y experimentales trabajos. La atmósfera es más electrónica,  con el órgano en primer plano y más centrados en formalismos kraut. La ambientación es industrial, mecánica, mientras se despegan de ese embrutecimiento monótono,  sonoridades psicodelicas que escapan al yugo material. Dando por victoriosa a la libertad de la mente frente a la mediocridad del sistema. Faust sería aquí un buen referente.


En la cara b "E=mc2 (La Collina del Timo)" (4'58) tiene más que ver con esquizofrenias sonoras Rock In Oposition de curiosa y caprichosa estructura. 

Finalmente "La Morte al Lavoro" (11'43) podría ser en su siniestra intro Art Zoyd, Magma o Univers Zero. La voz lujuriosa de Marilyn Monroe aparece cantando entre la espesura avant de amenazadora instrumentación. Su desarrollo es un "bolero fúnebre " o una marcha militar alienígena  en un remoto planeta donde la inmensa distancia con nosotros, no evita sus mismas perversiones ni pecados. Resulta una pieza llena de un espectacular catálogo de fantasías e imágenes delirantes. Muy fílmica,  a la vez que estresante. No apta para todas las psiques.  Una recomendación extensible a todo el álbum,  donde el cartel advirtiendo "no dejar al alcance de los niños" sería correcto. Así como a enanos mentales o incapaces de moldear su propio cerebro a la necesidad absolutamente obligatoria de ser feliz.


Art Fleury propician ésta reflexión,  así que para algunos serán unos terroristas intelectuales. Mientras que yo los veo como unos libertadores  de mentes dispuestas a volar a su antojo. Elige.


J.J. IGLESIAS





Temas

A
Uno Spettro Si Aggira Per Le Brigate Hans Eisler 8:38
Fabbrica Rosa 11:27

B
E=mc² (La Collina Del Timo) 4:58
La Morte Al Lavoro 11:43




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Free - Live at Sunderland 1970

La voz única de Paul Rodgers, la genialidad guitarrera de Paul Kossoff y una excelente sección  rítmica formada por Simon Kirke y Andy Fraser crearon una de las bandas míticas de finales de los 60. Más que rivales complemento a los Cream, lamentablemente las drogas destruyeron a su guitarrista y nos privaron de una carrera más longeva.



En enero de 1970 la banda entra en los estudios para grabar su tercer disco, "Fire and Water",  Se publica en Junio de ese año resultando el tema "All right now" un éxito total. El 30 de Agosto participan en el Festival de la Isla de Wight ofreciendo un setlist compuesto por :  "Ride on a Pony", "Mr. Big", "Woman", "The Stealer", "Be My Friend", "Fire & Water", "I'm a Mover", "The Hunter", "All Right Now" y "Crossroads".  A finales de año volverían a los estudios para la grabación de "Highway" con un ambiente muy deteriorado por las drogas.


Nos encontramos con la actuación de la banda Free en la localidad de Sunderland en el Nort Fillmore en enero de 1970. Habían comenzado a grabar su tercer disco y les sirvió para ver la respuesta del público de algunos de los nuevos temas. En el setlist aparecen dos temas, "All right now" y "The Hunter", publicados en el oficial "Free Live" (1971) y tres temas más editados en la posterior reedición de ese disco ("Moonshine", " Trouble On Double Time" y "Mr. Big").  El resto son hoy en día clásicos de la banda como "I'm a mover" o "Song of yerterday". Atención a la versión final del "All right now" y al  tema de  Robert Johnson, "Crossroads". Excelente sonido.




Temas
1.- All right now 06:28
2.- I'll be creeping 04:33
3.- Free Me 06:39
4.- Woman 04:19
5.- I'm a mover 03:44
6.- Walk in my shadow 04:18
7.- Songs of yerterday 05:09
8.- Mr. Big 05;27
9.- Trouble on double time 03:58
10.- Moonshine 09:09
11.- All right now 07:30
12 .- Crossroads 06:37

Formación
Paul Kossoff: guitarra
Paul Rodgers: voz
Andy Fraser: bajo
Simon Kirke: batería




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Hilario Camacho - La estrella del alba (1976)

Hilario Camacho fue un cantante y compositor del barrio de Chamberi (Madrid) nacido en 1948. Durante la década de los 70 tuvo su máximo esplendor compositivo aunque el éxito no llego hasta los 80 de la mano de una serie de TVE y su tema "Tristeza de Amor".



Sus inquietudes musicales comenzaron al entrar a la universidad (1965) poniendo música a poemas de Miguel Hernández, García Lorca entre otros. Se incorpora a la agrupación musical de cantautores "Canción del Pueblo". En el 68 forma "La Trágala", dando conciertos reivindicativos al límite de la legalidad vigente. Poco a poco se va alejando de ese movimiento y se adentra en la composición musical llegando en 1971 su primer disco "A Pesar De Todo". La grabación fue producida por  Alain Milhaud (Canarios, Bravos). Durante algún tiempo se dedica a componer y a cultivar otras facetas como la de actor apareciendo en   "Autopsia" (1973), de Juan Logar.


Su segundo disco llega en 1975, "De Paso", donde combina psicodelia, folk, y rock progresivo. Dos años mas tarde llegaría "La Estrella del Alba" con influencias latinas. En esa época colabora con artistas como  Pablo Guerrero, Maria del Mar Bonet, Joaquin Sabina como productor y compositor.

Su cuarto disco lo edita en 1981, "La Mirada del Espejo", donde destacan dos grandes temas, "Madrid Amanece" y "Final de viaje". En el 85 le llega la popularidad al componer el tema principal de la serie de TVE "Tristeza de Amor".  Curiosamente también realiza la sintonía de la serie infantil "David el gnomo". Durante los 80 compondría temas para Joaquin Sabina, Martirio, Cómplices, Luz Casal, etc.


En 1990 llega "El Mercader del Tiempo"  que pasa sin pena ni gloria. Siete años mas tarde ve la luz un disco en directo, " En Concierto" y le sigue "Lunático Veneno" (1998) donde colaboran Los Secretos.

El nuevo milenio lo abre con "No Cambies por Nada" (2003) con la participación de Kiko Veneno.  En 2006 llegaría su último legado "Una Mirada Diferente" publicado después de su muerte el 16 de Agosto.


He de reconocer que nunca me han gustado los cantautores pero la voz de Hilario Camacho vas mas allá. Su musicalidad crea atmósferas de verdadero sosiego. En algunos temas simplemente tararea resultado ser un instrumento mas de la banda. Su música navega por los caminos del folk progresivo con ciertas influencias latinas. Pero quién mejor que Hilario para comentar los temas. Os dejo un extracto de las hojas promocionales del disco donde el propio Camacho comenta sus temas.

J.C. Miñana





Temas
A1 La Estrella Del Alba 5:22
A2 Claros Sentimientos 2:50
A3 Soledad Y Silencio 2:46
A4 La Casa Del Pozo 2:30
A5 Mis Pies Pisan La Roca, Mi Cabeza Sobre Nubes Va Flotando 4:04

B1 Arquitecto De Sueños 6:40
B2 Señora De Ojos Tristes 3:50
B3 Guapachosa 2:18
B4 Maria 3:16
B5 El Paseo Del Atardecer 2:04

Formación
Jorge ''Flaco'' Barral (tracks: A3, A4): guitarra acústica
 Toni Lopez (tracks: B4): Guitarra acústica - solo
Hilario Camacho: voz, guitarra acústica, 
 Fernando ''Akoko Moki'' Bermudez: batería
Jorge ''Flaco'' Barral: bajo, voz
Toni Lopez: guitarra eléctrica
Pedro Guerrero (tracks: A3, B1): mandolina
 Jesus Pardo: teclados
 Jorge Pardo (tracks: B3): saxo
Voces– Ana Martinez (tracks: A4, B1), Daniela Estevez (tracks: B2)








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BIG HOGG (Escocia)

Encantadora y joven banda de Glasgow orientada a la psicodelia británica con cierto toque y perfume a grupos como Spirogyra (Barbara Gaskin) y a las bandas más pop rock del primigenio sonido Canterbury.


 Un sexteto con sección de viento y agradables canciones. Incluso a veces pueden recordarte ligeramente a los Curved Air. El grupo en cuestión está integrado por el líder Justin Lumsden en guitarra y voz, un trío de vientos lo ocupan Richard Merchant, Ross McCrae y Sophie Sexon, la cual  aparte de su lírica flauta, posee una bonita voz. Un polifacético Nick Gaugham que además de batería y percusiones toca teclados, bajo y lo que le pongan. El bajista oficial responde al nombre de Tom Davis.


 Por consiguiente tenemos una fértil amalgama de folk, rock, jazz y psicodelia por no desmerecer en ningún estilo y por supuesto el perfume hippyland que no falte ¿o deberíamos decir neo-hippy y apuntarnos a las mil etiquetas actuales? Ciertamente el estilo a veces, no siempre, está muy emparentado de los Caravan más inocentones, poperos, festivos y menos comprometidos y quién conozca a fondo la discografía del grupo puede apreciarlo sin dificultad. 


Esa despreocupación y flema tan británica, nada inclinada a la seriedad y a la trascendencia recorre los vericuetos de su música. Cervecita XXL (la cañita mini con gaseosa y posa-vaso, para las nenas y nenes pijos del PP) canuto, hierba y flores húmedas, té de las 5 con whisky de malta, una buena flatulencia más  algún eructo, y a sobar a la sombra de abedules. Precioso, natural y sano.


Big Hogg tan solo tienen dos trabajos hasta el momento: Big Hogg (2015) y Gargoyles (2017) y bromas aparte, el trabajo de composición de la brass sección, merece atención. La instrumentación al más puro estilo de los 70´s nos acerca a veces a los primeros Chicago Transit  Authority y si os digo la verdad hay muchas más influencias que simplemente perfumes canterburianos.


 Bonitas baladas, temas formato canción, no muy extensos. Añadimos un envoltorio muy cuidado, atractivas portadas etc…y en definitiva una banda muy agradable para acompañar con una buena pinta de cerveza negra.

Alberto Torró
Big Hogg






Gargoyles

















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