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viernes, 20 de octubre de 2017

SOLUTION - Cordon Bleu (1975) (Canterbury Ways)

Para los expertos este es su mejor disco. A mí me suena como un excelente disco de jazz-fusión sinfónico con acertadas partes de composición melódica que posee interesantes variaciones para no ser uno más de la gran cantera jazz rockera de los setentas. Estamos en 1975. El jazz-rock-progresivo está en su cumbre y Solution han tomado buena cuenta de ello. 


Aunque su estilo nunca ha estado muy definido, las lagunas e indecisiones estilísticas de sus otros dos trabajos han desaparecido (en parte solo) y su música ha ganado en masa muscular y desparpajo…Brand X, Return To Forever, Passport, Nova, el Zappa del talla única… ya se nos anuncian en el primer corte “Chappaqua”





y el siguiente “Third Line” las “canterburradas” como diría el jota te tornan pausadas con el bajo acariciando las cuatro cuerdas y el piano contándonos una bonita balada en los acordes iniciales, con unas voces que han mejorado bastante.



A mitad el ritmo se dobla y tenemos un agradable y feliz paseo jazzy, saxo en mano y un swing que juega con los tempos y la melodía para alegrarnos el día. 

 “Una canción para ti” es otra baladilla que aunque bonita, se acerca peligrosamente al pop fácil o al rock melódico, de cuando adolescentes nos agarrábamos en los guateques de finales sesentas (ya sé que os suena rancio) y nos poníamos palotes. Conste que la bonita flauta de la canción engancha. 



“Whirligig” vuelve a poner las cosas en su sitio con alguna que otra sacudida funk. Bajo, batería, piano Rhodes,  más aquel  teclado dinosaurio analógico llamado Elka Rhapsody y saxo, llevan el peso en esta selvática y casi Miles (cuando le daba por tocar normal y no iba colocao)  pieza de jazz-funk.

 “The Last Detail” cambia completamente de registro y se mete en las aguas del prog sinfo con casi toques moody-crimson primarios incluidos y conste que tiene su gracia y está bien resuelto. 

Termina el disco con “Black Pearl” con claros visos de jugar entre varios puentes a la vez pero gana la tendencia baladista de rock prog melódico con saxo destacando casi demasiado,  aunque el piano lo frene algo hacia el final. Es un disco que en general gustará más que los anteriores aunque también indica que los estilos musicales siguen sin definirse en un camino determinado (están buscando) y una delgada línea puede darles un cambio brusco.
Alberto Torró



Temas

A1 Chappaqua 5:20
Third Line
A2 Part 1 5:12
A3 Part 2 7:21
-
A4 A Song For You 3:54
B1 Whirligig 8:59
Last Detail 5:29
B2.a Part 1 
B2.b Part 2 
Black Pearl 6:15
B3.a Part 1 
B3.b Part 2








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jueves, 19 de octubre de 2017

ISILDURS BANE - Sagan om den Irländska Algen (1984)

Este fue siguiente paso y en realidad se considera su primer LP oficial ya que la edición del anterior solo existía en casete y solo con la llegada del cd ambos compartieron edición.


 Musicalmente es una continuación del anterior, aunque lógicamente gana en cuerpo y algo más de fuerza. Por ahí aparecen guiños a Camel, Genesis, incluso Jethro Tull y al igual que en el otro aparecen lindas partes cantadas pero solo hasta aquí, ya que a partir del siguiente álbum, Isildurs se convertirán en una banda completamente instrumental. En este  “Irländska Algen” los vuelos melódicos serán constantes entre la flauta, la guitarra y los teclados variados de Mats Johansson. Aparecen el vibes, el xilófono y el glockenspiel que  van a enriquecer notablemente las composiciones y a tal efecto las percusiones afinadas tomaran preponderancia en muchos de sus trabajos como veremos más adelante.


 El disco sigue en esa línea “bonita” con pasajes que me recuerdan un poco a los noruegos Kerrs Pink. Piezas como “Overtyr” con su sinfónico comienzo camelero y gentil disposición de teclados juguetones. “Saga  Eller Verklighet” con su pastoral e inocente transcurrir y chica vaporosa a las voces lejanas, flotando entre musgos verdes. “Ove P” deshaciéndose en detalles y delicadezas a la génesis voz incluida, “Sex Minuter” con descriptivas situaciones sigue en la misma línea instrumental y ya empiezan a aparecer variaciones estupendas que iremos descubriendo en el camino de su discografía.  “Vilja Art Leva” vuelve a los caminos pastoriles folkies y “Evighetens Visdom”  recopila el sentimiento expuesto a lo largo de todo este trayecto en un emotivo final sinfónico. Los seis cortes forman un todo a modo de suite en torno a 28 mtos.


 Las piezas restantes “Marlboro Blues” (es lo que debían fumar mientras tanto) y “Fredik” ya prefiguran los siguientes discos en una música placenteramente sorda a una época como los 80´s a la que ellos fueron absolutamente inmunes afortunadamente para nosotros.  Hasta ahora son discos relativamente cortos. Pero más vale poco y bueno que largas y aburridas épicas “transatlánticas” y a buen entendedor…pues eso.
Alberto Torró






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miércoles, 18 de octubre de 2017

TERRY DOLAN - Terry Dolan (1972 / HIGH MOON)

Hacía tiempo que no os contaba ninguna "Historia Borde del Rock'n'Roll". Hoy tenemos una. Siempre he pensado que las discográficas funcionaban, en los tiempos de bonanza, por pura inercia. La cantidad de ineptos, vendecoches y charlatanes de feria que se daban en ese negocio difícilmente los podremos encontrar en otro gremio. Salvo en la política , claro. Este es otro caso más de negligencia artística grave.

Terry Dolan fue un folk-singer buscándose la vida en plena efervescencia hippie. San Francisco y su circuito de clubs y tugurios mil, su medio de subsistencia. Sus dotes musicales, carisma e inmensa personalidad,  facilitaron sus contactos en el negocio. Pronto tuvo un flamante contrato con Warner Bros, nada menos. Su productor se iba a estrenar con él,  aunque no era ningún principiante. Simplemente el teclista de The Rolling Stones, Nicky Hopkins. Con la ayuda de lo mejor en session-men (y women), de la zona. Esto es, las voces de The Pointer Sisters, la batería de Prairie Prince (luego con The Tubes y Todd Rundgren). Lonnie Turner al bajo y Greg Douglass en la guitarra, - ambos de The Steve Miller Band -. Y John Cipollina, hacha supremo de Quicksilver Messenger Service. Cómo se puede desestimar un álbum con miembros de todas éstas bandas?


 Aún no hemos acabado. Todo iba sobre ruedas en la grabación , hasta que Nicky Hopkins es requerido por sus Satánicas Majestades para continuar con la gira de los Stones. Y qué gira....la de "Exile on Main Street". Como para decir que no. Nicky consigue terminar la cara A. Para la B, llama a un cualificado multiinstrumentista inglés,  afincado por esos lares, Pete Sears (Rod Stewart). A su vez este llama a su compi en Sears, Schon, Errico & Rolie (o las semillas de Journey), el guitarra de moda, Neal Schon  (Santana). Para la batería entra David Weber, (luego con Raven y Copperhead, proyectos de Cipollina). Sears se encarga, con éxito,  de terminar la cara que falta. Había muchas ilusiones volcadas en aquel debut. Menos las de los mercachifles de la compañía,  que ningunearon la obra hasta el extremo de olvidarla en un estante criando polvo por décadas. Terry Dolan está inconsolable, y con razón. 

Pasará mucho tiempo hasta que levante cabeza. Hasta 1979 no saldrá el primer álbum de Terry & The Pirates (con Douglass, Cipollina y ocasionalmente Hopkins). El disco de 1972 se convierte en una leyenda urbana más en la historia musical de Frisco. Hasta que con muchos obstáculos de por medio, High Moon Records lo recupera y edita en 2016.


El álbum se inicia con "See What your love can do". Y el coro de las Pointer Sisters se lleva al southern soul un sonido rico en matices. Las guitarras son todo elegancia. La melodía vocal de Dolan es fantástica y TODO hace presagiar un gran disco. No nos equivocamos. 

Lo demuestra "Angie" (nombre de su mujer y canción dedicada a ella, sin relación stoniana). El piano de Hopkins aporta ese elemento romántico tan habitual en su estilo, o en músicos afines como Leon Russell o Al Kooper. Tierno West Coast en forma de balada a la mujer amada. 

El swamp rock de "Rainbow" apunta en la dirección de Delaney & Bonnie o Bobby Whitlock. Con una energía digna de figurar en el "Layla" de Derek & The Dominos. 

Llega ahora un temarraco insuperable con "Inlaws and Outlaws", (tanto éste como el anterior se mantendrán en el set-list de los 80 de Terry & The Pirates). Cipollina pone el ácido eléctrico,  (el otro se le supone), y las hermanas Pointer dando el punto godspell a una ventisca de sentimientos. No hay palabras.


Entramos en el trabajo de Sears con la cara B. Otra razón para odiar a Warner, a Bugs Bunny y a la madre que los parió,  es "Purple an Blonde?". Que es una mezcla de Jesse Colin Young, Terry Reid y James Gang. Las guitarras cortan como cuchillas de afeitar, acompañando plenamente el sentido de la canción. Enorme, Terry. La línea estilística no se rompe,  a pesar de que tenemos otro productor y diferentes músicos. Es Neal Schon el que se luce ahora junto a Greg Douglass.  Y vaya si lo hacen. 

En "Burgundy Blues" la calentura southern sube a extremos dignos de Wet Willie o Point Blank, superando parámetros imposibles. "Magnolia", de J. J. Cale, se convierte en una oda a The Band. Con un órgano a la Garth Hudson y piano en plan Richard Manuel. Mientras Terry canta con la enferma melancolía de un desconsolado Jackson Browne. Esto es ORO con mayúsculas. Poniendo fin con "To Be For", un corto esbozo para domingos por la tarde. El disco se completa con seis tomas diferentes de temas pertenecientes al álbum, igual de extraordinarios.


Terry Dolan falleció en 2012 de un ataque al corazón  (lo usabas demasiado, amigo), sin ver publicado el que probablemente sea su mejor trabajo. Su debut maldito. Como él mismo solía decir de su música. ...."Too hard for folk, too soft for hard rock". Su eterno dilema.
J.J. IGLESIAS







Temas
00:00 See What Your Love Can Do - 3:16
03:16 Angie - 5:30
08:46 Rainbow - 5:01
13:42 Inlaws And Outlaws - 5:18
19:00 Purple An Blonde...? - 4:54
23:51 Burgundy Blues - 5:36
29:25 Magnolia - 7:26
36:46 To Be For You - 1:11
37:57 Inlaws and Outlaws (Take 18) 6:08
44:04 See What Your Love Can Do (Take 14) 3:21
47:24 Angie (Take 12) 5:22
52:44 Rainbow (Take 2) 6:13
58:54 See What Your Love Can Do (Take 12) 3:24
1:02:16 Inlaws And Outlaws - Dirt Leg Mix - 6:08



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martes, 17 de octubre de 2017

SID RUMPO - First Offense 1974

Desde Rockliquias y con vuestro incondicional apoyo seguimos intentando rescatar joyas perdidas. Internet nos aporta una ingente cantidad de información que hay que filtrar y sobre todo contrastar. En muchos casos los datos de estas bandas son cortados y pegados una y otra vez distorsionando el mensaje original. En Rockliquias intentamos ser originales y aspiramos a conseguirlo. En el día de hoy vamos a centrarnos en una banda australiana de corto recorrido y con una sola publicación. Nos referimos a los Sid Rumpo.


La banda fue fundada por dos ex miembros de la Jelly Roll Bakers, John Hood  (guitarra y armónica) y Owen Hughes (bajo). junto  a Noel Herridge (batería), Robert Searls (guitarra, voz) y y Ken Wallace (piano).  En 1972 ganan una de las fases de la batalla de bandas de Hoadley, competición que se celebraba desde 1966 y que en el 72 ganó Sherbet. Durante dos años seguidos, 73 y 74, participan en el Sunbury Pop Festivals y algunos de sus temas son editados en los recopilatorios de dicho festival. En agosto del 73 John Hood decide abandonar el grupo siendo sustituido por Michael John  Elliott. Su primer y único disco llega en febrero del 74 . Ese mismo año la banda se disuelve.


Esta única producción de Sid Rumpo se grabó en los estudios T.C.S. de Melbourne. El disco contiene ocho temas cargados de rock con pinceladas blues y psicodelico progresivo. La labor de sus guitarristas, Mick Elliot y Robert Searls  es magnífica. Dobles guitarras, riffs con gran fuerza y sentimiento y multitud de piques entre ellos. Los dos primeros temas son buenísimos pero la culminación de  su buen hacer llega en "Sailing", todo un compendio de buen rock. Si no fuera por el piano me recordarían a los primeros UFO.  No debemos olvidar a su telista Ken Wallace  y lo bien que maneja el piano eléctrico dando en todo momento el toque rockero. Que buenos son estos tipos, sin duda "The Riddle" y "Don't Bug Me Boogie", te alegraran la vida. Y llegamos a "Song With No Trees" una nueva lección de buen rock con todo tipo de influencias. El disco también contiene dos "delicassen" instrumentales. La primera, "Spider Curry", sirve para el lucimiento de   sus guitarristas y la segunda, "Poor Man's Orange",  que es el tema que cierra la grabación, es su pianista el que brilla. Sin duda un disco "REDONDO".
J.C. Miñana




Temas
A1 Spotlight 00:00 
A2 Breakin' My Back 05:58 
A3 Spider Curry  10:11 
A4 Sailing 11:54 
B1 The Riddle 20:26 
B2 Don't Bug Me Boogie 25:40 
B3 Song With No Trees 29:41 
B4 Poor Man's Orange 37:54


Formación
Owen Hughes: bajo
Noel Herridge: batería
Mick Elliot: guitarra
Ken Wallace : teclados
Robert Searls: voz, guitarra



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lunes, 16 de octubre de 2017

GERT EMMENS - Last Alien (2016 / GROOVE UNLIMITED)

Holanda es un país muy fértil en sintetistas de nueva hornada. Y cuando digo "nueva hornada", me remonto al post-boom 70's de la Berlín School o su búnker electrónico en Francia. Uno de ellos es Gert Emmens,  un batería  (y van....) que comenzó en bandas a finales de los 60, pero no debutaría como pulpo sintético hasta 1995, con "Light the Light". Desde entonces, una veintena de álbumes avalan su intachable, pero por desgracia poco reconocido trabajo. Bien en solitario o con su amigo Ruud Heij (Free System Project), su carrera está llena de fascinantes momentos electrónicos.  Evidencia una predisposición por la clásica Escuela de Berlín.  Pero como buen holandés,  se deja llevar por melodías diafanas y a veces positivas. Una marca de los teclistas holandeses. Ron Boots,  Bas Broekhuij o Michel Van Osenbruggen, entre ellos.
Esa riqueza melódica puede deberse a sus autoconfesadas influencias : Ashra, Ennio Morricone, Vangelis, Manfred Mann o incluso Génesis. "Last Alien" (2016) ya tiene continuador en el recién estrenado "Stories from Floating Worlds" (2017). 
Pero hoy nos centraremos en el del año pasado.


Compuesto de cinco largas partes a modo de conceptual historia que tú mismo puedes montar. La primera de éstas  (12'06)  tiene una oscura intro que nos sumerge en nuestra propia película.  A partir del minuto tres alza el vuelo la nave impulsada por sus cohetes-secuenciadores. Emmens es un maestro en su manejo, dominio evidente que le viene dado de su antiguo kit percusivo. Elemento que también introduce en la trama, llevándonos a territorios Schulze/Grosskopf con facilidad. Más aún. Su escultura melódica puede rivalizar con los mejores TD de "Tangram", "Exit", "Hyperborea" o "Poland", pero con su propio estilo. Un verdadero monstruo de la retro-kosmische, este hombre. 



Muy flotante se presenta la "Part 2" (11'50), siempre con el pulsante hilo conductor secuenciado.  El vuelo mental está garantizado. Su melódica sonora, (muy basada en sonidos ARP), guarda un fuerte sabor Jarre, sin llegar a pautas comerciales. Muy agradable en su recta final acuosa. 

No digo que Hans Zimmer no esté cualificado, pero oyendo "Part 3" (15'10), a un servidor le parece que un tipo como Emmens hubiera hecho maravillas (y más barato) en la nueva secuela de "Blade Runner". Fuerte pulso secuencial, pinceladas de guitarra delay y platos en etérea gravitacional. Ésta parte es uno de los momentos totales del álbum. Podría venir firmado por uno de los mejores trabajos de Ashra. Con irreprochable sentido místico,  cósmico y afortunadamente, atemporal. Una exquisitez para finos paladares.



 "Part 4" (11'05) nos devuelve, con experimentaciones nada gratuitas, al Emmens más "tangerino" de primeros 80. Ya sabes, melodía simple pero inteligente en simbiótica secuencial predominante. Y un ligero gusto por sinfonizar pasajes de lo más filmico. Definitivamente éste teclista lo hubiera hecho genial en "Blade Runner 2049". 



La magia no se pierde en la final "Part 5" (10'29), donde aparecen hasta capas vintage de organo de cuerdas Logan (o similar). Ofreciendo una total convicción retro que, en el caso de la electrónica tratada por Emmens, no suena para nada rancia y sí a obras maestras rescatadas de un tiempo pasado. Suena anticuada una pieza contemporanea de 1920? Suena pasado "Ricochet" o "Moondawn"? NO. SUENAN A CLASICOS. Que es justo a lo que suena, (o sonará a no tardar), "Last Alien". Una joya de la audio-sci fi a la que debes enfrentarte. Palabra de replicante malo.
J.J. IGLESIAS





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domingo, 15 de octubre de 2017

Tom Petty and the Heartbreakers - 2/7/97 The Fillmore, San Francisco

Uno mas a la lista de difuntos del rock de 2017 y me temo que no será el último. Nos estamos haciendo mayores. La noche del 1 de octubre Tom sufre un infarto cardíaco en su casa de Malibú. La familia comunicaba su muerte al día siguiente. Hoy lo recordaremos en uno de sus míticos conciertos en el Fillmore.
Condensar en unas pocas líneas la obra y milagros de Tom Petty es realmente una insensatez. Por ello vamos a dar unos pocos datos que sirvan de referencia.

Tom Petty nace  el 20 de octubre de 1950 en Santa Mónica, California. Durante su trayectoria grabó mas de una docena de discos con su banda The Heartbreakers, tres en solitario,  dos con los Traveling Wilburys, otros dos con Mudcrutch y un sinfín de colaboraciones y presencia en diversos festivales y "saraos".

Una dato curioso es que Tom Petty & The  Heartbreakers recibieron una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood en 1.999.



En 1997 Tom Petty & The Heartbreakers realizan veinte conciertos en el Fillmore de San Francisco. Del 10 de enero al 7 de febrero, actuaciones de mas de tres horas donde se condensa gran parte de los temas de la carrera del grupo y de Tom. Todo ello jalonado de multitud de versiones de sus grupos favoritos. Incluso en dos de los temas " It Serves You Right to Suffer" y "Boogie Chillin'" participa John Lee Hooker. Un documento imprescindible para conocer y admirar a este músico californiano.
J.C. Miñana




Temas
(0:00)  Around and Around (Chuck Berry Cover)
(2:47)  Jammin' Me
(7:24)  Runnin' Down a Dream
(13:37)  Time Is On My Side  (Kai Winding cover)
(17:18)  Call Me the Breeze  (J.J. Cale cover)
(22:43)  Cabin Down Below
(26:24)  Diddy Wah Diddy  (Bo Diddley cover)
(30:35)  Slaughter on 10th Avenue (The Ventures cover)
(34:00)  Listen to Her Heart
(37:22)  I Won't Back Down
(44:11)  The Date I Had With That Ugly Homecoming Queen
(50:15)  I Found My Baby
(54:35)  It Serves You Right to Suffer (John Lee Hooker cover) (with John Lee Hooker)
(59:04)  Boogie Chillin'  (John Lee Hooker cover) (with John Lee Hooker)
(1:07:09)  It's Good to Be King
(1:19:40)  Green Onions  (Booker T. and the MG's cover)
(1:24:20)  You Are My Sunshine  (Jimmie Davis cover)
(1:26:12)  Ain't No Sunshine (Bill Withers cover)
(1:30:53)  On the Street
(1:33:49)  I Want You Back Again (The Zombies cover)
(1:37:23)  Little Maggie  (traditional cover)
(1:40:32)  Walls
Angel Dream
(1:44:55)  Guitar Boogie Shuffle  (The Ventures cover) 
(1:47:56)  Even the Losers
(1:51:08)  American Girl
(1:53:55)  You Really Got Me  (The Kinks cover) 
(1:56:32)  Another Man Done Gone  (Vera Hall cover) 
(2:05:22)  You Wreck Me
Encore: 
(2:09:16)  Shakin' All Over  (Johnny Kidd and The Pirates cover)
(2:11:55)   Mary Jane's Last Dance
(2:22:38)  You Don't Know How It Feels
(2:29:45)  I've Got a Woman  (Ray Charles cover)
(2:32:50)  Free Fallin'
(2:38:07)  Gloria (Them cover)
(2:48:35)  Bye Bye Johnny (Chuck Berry cover)
(2:52:38)  (I Can't Get No) Satisfaction (The Rolling Stones cover)
(2:55:36)  Louie Louie  (Richard Berry cover)
(2:59:35)  It's All Over Now  (The Valentinos cover)
(3:04:58)  Alright For Now




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sábado, 14 de octubre de 2017

ALMS - An Irosmic Tragedy (2016 / ALMS) (Rockliquias Bandas)

Alms es el proyecto musical del multiinstrumentista Aitor Lucena. Músico - esponja (como Bob), que ha absorbido influencias y gustos hasta empaparse del buen gusto que exhibe. Su debut apareció en 2013, "Beyond" fue un concept álbum dedicado al "afterlife", que no es vivir en un after como fue mi caso, sino lo que nos depara el más allá con todas sus preguntas. Obtuvo muy buenas críticas,  y tres años después editó su precuela, "An Irosmic Tragedy".


Una ópera rock en tres actos dedicada a lo que es la perra vida. Esto es, infancia, adultez y viejunez. La excelente portada lo refleja a la perfección. Ayudan en su interpretación Luis Arnaldo (batería), Héctor Braga (cello y viola), Eduardo G. Salueña (teclados) y los recitados de Noelia Fernández. Todo lo demás,  que intuyo  es considerable, es cosa de Aitor,  incluyendo música y textos. 



El primer acto lleva por título "U'ula" (14'23), que es el comienzo y aprendizaje de todo desde el nacimiento e infancia. Esa etapa que es obligatorio conservar  de mayor a toda costa, por difícil que te lo pongan los malos, o sea, todos. La influencia clara de Aitor es el esplendor del rock progresivo italiano. A pesar de que incluya pequeños fragmentos cantados en inglés que recuerdan algo a IQ.
Esto es prog barroco y churrigueresco, con dedicados guiños al clasicismo no sólo formal, sino también "informal" : Le Orme,  Quella Vecchia Locanda,  PFM, Osanna o.....Ricordi D'Infanzia (jeje, el texto me lo pone a huevo). Vale, sus fraseos organisticos también van por ahí. La grandilocuencia italiana se muestra bien patente. Y si agregamos la esencial flauta, viola, cello y dramatismo, esto es descar (n) adamente spaghetti prog 70s.



Para confirmarlo, la intro de "Tapwala" (14'40) viene narrada en italiano, en su hábitat,  vaya. Yo es que, (y esto es una sugerencia para el futuro), cogería a Sergio Dalma y le obligaría a cantar en italiano sobre músicas afines. Y bordao,  oiga. Conste que para nada me quejo de lo (prácticamente) instrumental del álbum. Es una obra que se nota al momento estar hecha con amor incondicional al género. Toda una valentía y un reto para Aitor y compañía. En éste acto puede notarse un paralelismo con los japoneses Asturias,  (decir Mike Oldfield queda como muy sobao,  además de que tienen más cantidad de buenos discos los nipones, afirmo categóricamente). Alms también pasaría por una de esas agrupaciones orientales, donde el preciosismo desbordante de sus pasajes se aleja un tanto del manido esquema occidental.


Finalmente el tercer acto, "Doginala" (14'37), el de la vejez, que "bien llevao", puede ser tan feliz como el primero. Porque te quitas de en medio todas esas vendas , prejuicios y responsabilidades con los que trata de joderte la vida el sistema. Al final te das cuenta, que el sistema eres tú.  O parte de él. Dependerá de cuánto te compliques tú sólo la existencia. Volvemos al tremendo romanticismo italiano, con recordatorios legendarios. Locanda delle Fate (ese vibrafono), The Trip  (esos teclados) o Zauber (esa viola, glockenspiel, flauta....). Y luego que te vengan a defender el último de Mike Oldfield. Después de oír el disco de Alms,  es para partirse de risa. Como colofón nos suelta el recitado de "La Vida es Sueño" de Calderón de la Barca, (en el corte anterior era un extracto de "La Commedia" de Dante Alighieri), y esto adquiere una coherencia detallista extrema. Sellos como Black Widow serían el lugar perfecto para "An Irosmic Tragedy".

Al snob que te venga con insulsas moderneces "prog", ponle esto y lo dejarás "Terra in Bocca".
Angustiantemente bueno.
J.J. IGLESIAS



Contacto:



P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70

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viernes, 13 de octubre de 2017

Solution - Divergence 1972 (Canterbury Ways)

Para el siguiente trabajo firman por una filial de EMI records en 1972 y graban “Divergence “ un álbum mejor planteado que el anterior,  donde las melodías de jazz-bluesy  de medio tempo dominan y ofrecen su apertura en “Second Line” una agradable pieza que puede sonarte a la mayoría de grupos de aquella época con su cadencia de piano y vericuetos diversos de fusión próximos a Colosseum, Nucleus o incluso Greenslade que no andarían muy lejos. 

El tema título nos aproxima descaradamente a Focus en su estructura melódica y si imaginamos que quitamos el saxo y lo cambiamos por la flauta de Thijs van Leer suena casi exactamente al Moving Waves, pero lo suficientemente jazzificado. El sinte tiene alguna línea que lo desmarca, pero sigue sonándome terriblemente a Focus. 


“Fever” juega un rato con la electrónica y se va por los “cerros de Úbeda” hasta que el Fender Rhodes y la flauta se ponen en plan pastoril Caravan/Machinero de marca registrada, lástima que sea tan breve porque podían haberle sacado tajada y no quedarse en cuatro minutillos de nada. Pero lo arreglan en la siguiente pieza de 12 mtos que en su primera parte, no tiene nada de prisa y es un tranquilo paseo, ahora casi a la Traffic  del “The Low Spark…” donde el saxo se erige en defensor prominente del número, mientras el piano eléctrico se balancea sobre un ritmo pausado pero firme. Tema de sofá, copa y cigarrillo,  y hacia la mitad surge el cambio y para no aburrir, un corte a la Soft Machine  toma el relevo donde por momentos parece que estemos escuchando el “Third” o el “Four” con Hooper/Wyatt marcando el tiempo. Esta es una buena pieza sin duda y lo más próximo al Canterbury que puedas pensar.



 “Theme” es un breve y delicado interludio a modo de puente para acabar con “New Dimension” y de nuevo una especie de balada rock-jazz-blues  aparece en escena que puede sonarte nuevamente a una centena de grupos de la época en la misma línea. Nada original pero agradable y elegante. Las partes vocales en este disco están más controladas y mejor adaptadas que en el anterior. Flauta y piano van difuminando poco a poco un disco corto como el anterior pero a mi juicio algo mejor.
Alberto Torró









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jueves, 12 de octubre de 2017

ISILDURS BANE - Sagan Om Ringen (Suecia)

Durante los próximos jueves y tras meditarlo el otro día con unas IPA (Indian Pale Ale) de generosa graduación alcohólica,  me he decidido por una de las bandas que llegaron a definirse como “una orquesta de cámara progresiva” y cuyo reconocimiento en los círculos del rock progresivo costó mucho en llegarles. 

La historia de este grupo comienza en la localidad sueca de Hamlstad en 1976  con unos chavales que oscilaban entre los 15 y los 18 años de edad y que como era habitual en la muchachada prog  europea de entonces, se empaparon de Genesis,  King Crimson, ELP, Yes, Camel, Gentle Giant etc. Es decir los sospechosos habituales del género setentero progresivo a quienes les quedaban un par de años para que las hordas punk empezasen a defecarse en su música. Suecia en 1976 no era como España… ¡¡qué cosas tengo!! Allí ni el pelo largo y las pintas raras estaban mal vistas y ni siquiera echarte un polvo en el parque estaba perseguido.  Allí el estado subvencionaba las manifestaciones artísticas  de vanguardia (el follar no lo sé) y daba ciertas facilidades para que un grupo de música se formase e hiciese música original. Se aunaba a ello la profesionalidad y perfeccionismo que siempre han emanado de esos países nórdicos. La cultura es lo que tiene.  Gente disciplinada en el aprendizaje de cualquier instrumento musical y muy aplicados en ello. Cuando Isildurs Bane se forman en 1976 por Kjell Severinsson en batería, Jan Severinsson en flauta y violín Mats Nilsson en guitarras y voces, Ingvarr Johansson en bajo, Bengt Johnsson en las teclas y Dan Andersson en guitarra y oboe, forman ya un combo de seis músicos de cierta experiencia, con dos guitarras solistas que a su vez provenían de la escisión de otros grupos amateur anteriores. Niños con el prog en vena. También como era muy normal en aquella época la popularidad de Tolkien y sus anillos era un recurso a la hora de buscar nombre de grupo.


Isildurs Bane no fueron ni son un grupo prog al uso. Por lo general cuando los grupos progresivos en el sentido histórico, encuentran una formula ya sea más o menos original, se ciñen en una línea concreta en el estilo que les define. Así fue en la mayoría de los primeros trabajos de los clásicos que todos conocemos, hasta que cambian las modas y empiezan a cagarla y ninguno de ellos quedó libre de grabar alguna porquería y varios de ellos, a partir de los 80´s una sinverguenzada detrás de otra (cuando Genesis sacó Abacab en esa misma época, me dieron ganas de vomitar). La diferencia de un grupo veterano como Isildurs Bane, es que en sus diversas transformaciones dentro del estilo, y a través de los años, jamás hicieron concesiones a lo fácil y comercial y aun siendo incluso tan diferentes sus primeros discos en relación con los últimos, nunca perdieron en calidad y además en contrapartida con la competencia, ganaron en complejidad y en música excelente. 

En un principio tenemos una vaga idea de lo que hicieron entre el largo período que va de 1976 a 1981 pero a juzgar por su primer estilo se orientaron por la parte más melódica del sinfónico cameliano. Las únicas grabaciones de esa época fueron recogidas en el álbum recopilatorio Lost Eggs del que ya hablaremos. Por entonces se incorporaría el teclista Mats Johansson que terminaría siendo el líder de la banda. 

Su primer disco lleva el título de “Sagan Om Ringen” en clara alusión al Señor de los Anillos y las críticas y biografías que pululan por la red no se aclaran si en realidad fue primer o segundo trabajo. Lo cierto es que fue grabado en casete a principios de 1981 y posteriormente editado en LP. Con las ediciones en Cd alteraron el orden. Este trabajo es melódicamente muy sencillo y encantador. Posee la delicadeza de un Latimer o un Anthony Phillips sin ningún problema. Roza la ternura en muchas ocasiones pero es muy corto en 11 piezas que apenas superan los cuatro minutos y algunas ni siquiera llegan a dos. Cosas como “Overtyr”, “Vandring” o “Tom Bombadill” nos regocija a cualquiera. Unos 33 minutos super agradables en un comienzo de década ochentera alérgico a este tipo de música. Hacía tiempo que no lo escuchaba y me ha dejado en un remanso de paz.
Alberto Torró



Recopilatorio que contiene su primer disco





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miércoles, 11 de octubre de 2017

DR. Z - Three Parts to my Soul (1971 / VERTIGO)

Ahora que lo Occult ha vuelto, cual vinilo que nunca se fue, no estaría de más recordar que esto (también) es algo del pasado. Y que tras los tópicos como Black Sabbath, Coven,  Pentagram o Black Widow, hubo muchas más agrupaciones dedicadas al lado oscuro. De hecho, formaba parte de la moda. Y hasta los Stones se apuntaron con su "Their Satanic Majesties Request", (en su línea). Algo importante. La palabra "metal" no existía en música. Así que el que crea que Black Sabbath eran eso en sus primeros y gloriosos discos, necesita urgentemente saber de qué va esto. El Occult Rock se formó en base a muchos desconocidos nombres que no suelen salir cuando hoy se invoca. Y predominantemente, surgió de la psicodelia : Graham Bond, Alex Sanders,  Monument, Saturnalia, Comus,  Zior,  Jácula y cientos más. 


 Uno de esos pioneros fue fichado por esa institución del coleccionista en que se ha convertido el antiguo sello Vertigo. Junto a Island, Harvest, Dawn, Deram y unas cuantas más. El individuo se llamaba Keith Keyes, el cual tocaba piano, harpsichord, organo y cantaba. Componía todo el álbum y lo producía,  en Island Studios, precisamente. Detrás de su proyecto estaba nada menos que Patrick Campbell-Lyons, frontman de Nirvana (los psych 60s, of course), como productor ejecutivo. A Keyes le apoyaba al ritmo Bob Watkins (batería,  percusión) y Rob Watson (bajo). El disco era una volada místico - conceptual sobre el alma, que se dividia en tres partes de ésta : Spiritus, Manes y Umbra. Analizar la temática patafisica de éste enrrolle daría para una tesis doctoral. O como reaccionaba un hippie a la mezcla de ciertas sustancias y filosofía profunda. "Thick as a Brick", ironizo. Ahora sí,  la presentación es una belleza. Portada que se abre a mitad, (como "Brain Salad Surgery"), con una decoración preciosa a cargo de ese geniecillo que fue Barney Bubbles. Responsable de light show de toda la jiparrada del barrio de Ladbroke Grove / Nothin Hill, así como dibujante de carteleria y portadas para Hawkwind, Quintessence, Brinsley Schwarz, Red Dirt, Cressida o Gracious!.



"Evil Woman's Manly Child" (4'45) demuestra desde el principio un sonido característico,  propiciado por el harpsichord. Por ello no alejado del baroque psych pop, (la mano de Nirvana influye), pero decididamente psico-proto-Prog. A veces una mezcla de british Doors y The Nice del primer disco, por acercar la cosa de algún modo. Keyes canta como un gamberro. Mejor palabra no encuentro. Es un punk ejerciendo en otra música y tiempo. 



"Spiritus, Manes et Umbra" (11'52) es un buen ejemplo de mejor teclista que cantante. No se me malinterprete. Es su actitud ante las letras, más bien de cabreo o de "malote". Acaso no inventó ese estilo Peter Hammill? Pregúntale a John Lydon quien era su héroe. Y a Bowie. Tras el mantra del título , Bob Watkins nos brinda una brillante ejecución percusiva, con el harp adornando detalles de "castillo encantado". El sólo de batería es una gozada de ingeniería audiofila vintage, aprovechando el sonido Stereo de moda.




 "Summer for the Rose" (4'36) estaría perfecta en uno de los primeros trabajos de Atomic Rooster. Incluso la imagino por los iniciales Yes.



En "Burn in Anger" (3'26) el harpsichord hace las veces de mellotron, el piano lleva la melodía , y es una buena aproximación a Van Der Graaf Generator. Es probable que éste tema iniciara el lado B, pero al incluir más material en la reedición de AKARMA del 2003, termina la A. 

Damos la vuelta y "Too Well Satisfied" (5'51) vuelve a entrar en esa liga que nos llevaría a The Nice, Arthur Brown o incluso al primer Alice Cooper. Un temazo de intensidad, con un ritmo protagonista. En el vinilo original, "In a Token of Despair" (10'33) despediria la grabación. Me encanta el sonido que extraen de la batería,  tiene ese aura orgánica de Mike Giles en el debut de King Crimson. Es otra pieza desarrollada con coherencia, reflejando la frustración del protagonista ante la vida, (me identifico bastante con éste disco, no creáis). Los tres músicos están brillantes en sus intervenciones, sin tener que hacer para ello mucha filigrana efectista. Y funciona de maravilla. Desde luego que Emerson está muy presente, y me parece el mejor tema del disco. Sin rebajar la magia del resto.



Al año siguiente aparecería un single producido por Dick Taylor (Rolling Stones, Pretty Things) : "Lady Ladybird" / "People in the Street" . Garage Psych resultón,  pero algo tardano. Y que poco tiene que ver con el progresismo de su único album. Un disco que compraron en su día unas 80 personas, afortunadas si lo conservan. El resto de la edición fue destruida por la compañía.  Menuda visión comercial. Ahora un original de Dr. Z está en el Top 5 de los más valorados del sello Vertigo, que ya es decir. Con una cifra que bascula entre los 1000 y 3000 €. Como ya he dicho, mi copia es la reeditada por Akarma en 2003, presentada igual que el original, e incluyendo el posterior single, (cinco minutos más tampoco afectan al sonido). Me vale. Y lo recomiendo en el formato que sea, porque es un buen arte-facto digno de la escudería más Prog de los históricos Vertigo. El cronovisor existe.
J.J. IGLESIAS


Temas

1 Evil Woman's Manly Child
2 Spiritus, Manes Et Umbra
3 Summer For The Rose
4 Burn In Anger
5 Too Well Satisfied
6 In A Token Of Despair
Bonus Tracks
7 Lady Ladybird
8 People In The Street



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martes, 10 de octubre de 2017

Sunbirds ‎– Sunbirds 1971

A  Philip Catherine lo descubrí por primera vez en su etapa en Focus ("Focus con Proby" y "Live at the BBC 1976"), el ya tenía una dilatada carrera que continuo con mas o menos reconocimiento después de su estancia en la banda holandesa. Recuerdo que tuve la oportunidad de verlo actuar en unas fiestas del Pilar de Zaragoza. Hoy recordaremos su participación en Sunbirds.


Los orígenes de Sunbirds se remontan a 1971 en Múnich . Su primera formación estaba integrada por un grupo experimentado de músicos de cinco nacionalidades diferentes, Por una parte tenemos a Klaus Weiss (batería) , alemán, ( Bud Powell,  Kenny Drew, Johnny Griffin, Klaus Dinger Quartet, Erwin Lehn Orchestra, Hampton Hawkes, Leo Wright, Don Cherry), Seguimos con  Ferdinand Povel , holandés, (Summit Quartet). Como bajista el veterano Jimmy Woode, estadounidense, (Miles Davis, Charlie Parker, Sarah Vaughan, Dizzy Gillespie, Ella Fiztgerald, Louis Armstrong, Duke Ellington). En las teclas, Fritz Pauer, austriaco, ( ORF Radio Band). Y por último el guitarrista britanico, Philip Catherine ( Lou Bennett, Dexter Gordon, Stéphane Grappelli).

Su primer disco, "Sunbirds", lo graban el 24 de agosto de 1971 en tan solo un día. Es editado por BASF que en aquella época estaba saturada con multitud de lanzamientos del boom del krautrock. Como consecuencia una mala promoción y desastre en las ventas. Ni siquiera realizaron gira de promoción. Un año mas tarde y ya sin Catherine editan Zagara. Su final llega en el 73.


En este primer disco de Sunbirds podemos encontrar muy buen jazz rock con algunos matices psicodélicos y progresivos. La gran experiencia de sus músicos es un grado y se nota. La flauta de Ferdinand Povel  nos puede trasladar a sonoridades  Crimson en "Spanish Sun" o a la hiperactividad a lo Thijs van Leer en "Sunshine" pasando por el jazz- blues en "Blues for D.S.". En cuanto a la guitarra, Philip Catherine, con 29 años ya era todo un maestro manejando todo tipo de registros jazz, funk, e incluso se adentraba por caminos psicodélicos. El teclista Fritz Pauer es punto y aparte, el sonido que saca a su Hohner Electra es una autentica pasada. En cuanto a la sección rítmica es de bandera,  Klaus Weiss (batería) y Jimmy Woode (bajo) son una maquinaria perfectamente engrasada que cubre todos los huecos posibles. En un principio el disco contenía seis temas pero en posteriores ediciones se incluyeron dos descartes ( "Dreams" y " Fire Dance"). Temas destacados "Spanish Sun " y "Sunshine".
J.C. Miñana



Temas
1 Kwaeli 3:43
2 Sunrise 5:26
3 Spanish Sun 12:10
4 Sunshine 6:46
5 Sunbirds 9:31
6 Blues For D.S. 7:53
Bonus-Tracks:
7 Dreams 9:42
8 Fire Dance 6:54

Formación
 Jimmy Woode: bajo
 Ferdinand Povel: flauta
Klauss Weiss: batería
 Philip Catherine: guitarra
 Fritz Pauer: teclados
 Juan Romero: percusión





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