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ISILDURS BANE - MIND VOL 3 (2003)

Este siguiente paso sería muy arriesgado porque en su empeño de “hacer música pura sin cortapisas” se nos van a meter de lleno en el mundo de la improvisación y el free-jazz. Isildurs quieren llegar lo más lejos posible, pero se van a enfrentar a algunos fans progs que no van a entender muy bien el cambio hacia el jazz libre vanguardista y áspero de escucha. 


A todos alguna vez nos gusta hacer cosas raras en términos musicales claro y a veces sale bien y otras es una cagada completa. Para que una cosa improvisada salga bien, o bien eres un músico impresionante o ese día se te aparece la virgen. Eso lo entienden muy bien los “no músicos” que si no se les aparece la virgen como digo, la cosa es un completo desastre. Música se puede hacer con cualquier cosa, otra cosa es que sea “música”. Esta conversación la he tenido con defensores de dejar “el micrófono o la grabadora abierta” y que dios nos asista y con los defensores del “orden” sonoro y el oído romántico. Ambos buenos amigos míos. Todos tienen razón y esa es la grandeza de la música y de las “Mind” abiertas. Otra cosa son los gustos personales y el grado de locura de cada uno y ahí la cosa cambia porque entramos en el mundo de lo subjetivo. 

“Mind vol 3” es el caso de músicos impresionantes que se han dejado llevar por completo. El disco “es un mano a mano” entre dos tríos: Mats Johansson, kjell Sverinsson y Jonas Christophs por la parte Isildurs que nos toca y un trío italiano llamado Metamorfosi integrado por Christian Sagesse : guitarra acústica, Luca Calabrese: Trompeta y fiscornio y Franco Feruglio al contrabajo. El resultado son dos largas improvisaciones “The Octagon” con 20 mtos y un monstruito llamado “L évento” de 56 mtos ambas con sus múltiples subdivisiones. A Miles Davis en sus años locos le solían decir sus músicos “maestro en que tonalidad tocamos”…la respuesta indiferente de Miles era “en la que os salga de los cojones”. Músicos de jazz, como el español Tete Montoliu, (y está documentado), se echaban las manos en la cabeza y no entendían nada. Yo recuerdo que hace ya muchos años me salí de un concierto del pianista Cecyl Taylor porque aquello fue insoportable para mí mientras otros “alucinaban pepinillos” Anécdotas de estas hay muchas y variadas. No quiero asustaros porque en este caso la audición es mínimamente soportable , incluso a veces accesible. 


Recuerdo los tiempos del sello ECM donde las marcianadas de free jazz se la ponían dura a muchos snobs, aunque la mayoría no entendía nada y aquello era entre divertido y patético. No es un disco que quiera comentaros porque prefiero que se oiga y que cada uno saque sus propias conclusiones. Es música improvisada, difícil, impecablemente echa desde luego, pero no busquéis emoción. Las matemáticas son probablemente interesantes, pero yo, pobre de mí, nunca las he entendido (la poesía tampoco que conste).
Alberto Torró




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MOUTH - Vortex (2017 / BLUNOISE)

Hasta finalizar el año, Irán pasando los miércoles algunas de las bandas internacionales que han llamado mi atención por sus recientes trabajos. Mouth se formó en el año 2000 en Colonia como un trío. Christian Koller (voz, guitarras, teclados), Gerald Kirsch (bajo) y Nick Mavridis (batería, teclados, coros). Pero no fue hasta el 2009 que editaron su debut, quizá en una línea algo diferente al que nos ocupa. "Vortex" es su cuarto álbum, ahora como dúo,  con Koller y Kirsch repartiéndose el bajo, junto al ocasional Jan Wendler. Koller se hace cargo también de un completo set teclistico de vieja cosecha : Hammond, Mellotron, Piano, Casiotone (!?), Clavinet, Moog y Theremin. La portada de "Vortex" ya puede darnos una idea de lo que aquí encontraremos. De hecho es casi idéntica al "Time Machine", (título que también sería apropiado), de Dzyan. Retro kraut psicodélico con un mucho del progresivo hard alemán 70s. Cosa fina.


El comienzo de "Vortex" (16'36), con sus cinco partes subdivididas,  parece el "July Morning" de Uriah Heep, y esto se llama "To the Centre". "Turbulence" es mucho más psico, con envolventes Hammond + Leslie y stoned voice al estilo de los primeros Message o Nektar. La máquina del tiempo funciona perfectamente para éste grupo. "Silence" conlleva una calma tensa al modo "No Quarter", que enlaza con "Vortex", en una fidedigna recreación psych ambiental de Amón Duul II. Los floydismos de la parte final, "Floating", los emparenta con Jane o Eloy ("Floating"...recuerdas?), en total estilo germánico. 

Otro momento fuerte del disco es "March of the Cyclops Part 1 & 2" (6'01), fílmica exposición de pureza electrónica con montaña rusa de sonidos que muy bien podrían ser Brainticket. 

En la cara B, "Parade" (4'01) y "Mountain" (3'42) son un pequeño homenaje zeppelinesco con un teclista tipo Ken Hensley al órgano y mellotron respectivos. Un total living in the past que se agradece no por nostalgia, sino por su enorme calidad propia de aquellos tiempos. 

Lo mismo para "Into the Light" (7'06), mística hard psych de cosecha vintage made in Birthcontrol o Analogy, y en su misma cuerda melódico -alucinada. "Soon After" (3'17) es un pequeño ejercicio norteño instrumental, con gélido mellotron de arte funerario extraído de los fiordos progresivos.

Finalizando con otra maravilla art psych como es "Epilogue" (16'00), que refleja fielmente la depresiva belleza del arte de portada. Musicalmente esplendoroso y con el orgullo de recrear un glorioso pasado musical de su país,  Mouth  se han marcado otro de esos discos del año. Para colocar al lado de las joyas de Eye,  por ejemplo.

No se han prodigado mucho Mouth en grabaciones, siendo ésta la cuarta entrega en 17 años. Pero oye, es la mejor de largo. Y además tenemos noticias frescas.



Hace sólo unos días ponían en circulación "Live '71", su título ya lo dice todo. Habrá que devorarlo con ansia viva si le imprimen la energía del directo a éste fastuoso material fuera de tiempo y modas. Simplemente estratosférico. 
J.J. IGLESIAS


Temas
1.  Vortex - 0:00
2.  March Of The Cyclopes - 16:32
3.  Parade - 22:33
4.  Mountain - 26:35
5.  Into The Light - 30:15
6.  Soon After... - 37:21
7.  Epilogue - 40:37





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Carson ‎– On The Air 1973

Sunbury Pop Festival fue el Woodstock australiano. Se celebró durante cuatro ediciones (de 1972 a 1975) en los campos de una granja entre Sunbury y Diggers Rest, Victoria. En el evento de 1974 participaron  Queen que curiosamente fueron abucheados. En 1975 actuaron AC/DC y Deep Purple siendo un fracaso de publico y comercial. Los Purple tuvieron que donar parte de su caché para pagar al resto de las bandas. Hoy recordaremos la participación de Carson en 1973.

Carson se formó en 1970 en Melbourne.  Su formación inicial estaba compuesta por  Ian Ferguson (bajo, voz), Greg  Lawrie (slide guitar, dobro), Tony Lunt (batería), John  Capek (teclados). Su primer single, "On The Highway". Un año más tarde  Ian Ferguson deja la banda y es sustituido por Broderick Smith (voz, armónica) y Ian Winter (guitarra). Graban su segundo single, "Travelling South". Los cambios en la formación son continuos  Barry Sullivan (bajo), Garry Clarke (Bajo), Mal Logan (Teclados). Paricipan en el primer Sunbury Pop Festival en 1972 y son teloneros de Canned Heat y Stephen Stills en el Mulwala Pop Festival. En noviembre llega su primer larga duración, "Blown" editado por  Harvest Records. En enero de 1973 vuelven a participar en el Sunbury y un mes más tarde se disuelven.


La grabación corresponde a la actuación de Carson en el Sunbury Pop Festival de 1973.  La banda  interpreta un "Setlist" de seis temas donde el rock, el blues y la improvisación tipo jam están presentes. Musicalmente la banda está muy influenciada por Canned Heat, basta oír "Boogie" para recordarnos el "On The Road Again" de los Heat. También podemos destacar la  versión que realizan del "Hey Joe". Del festival se editó un triple disco y un documental que circula por youtube.
J.C. Miñana


Temas
A1 Dingo 00:00
A2 Laid-back Feel 07:26
A3 Dust My Broom 14:08
B1 Hey Joe 19:12
B2 Boogie 26:32
B3 Sunberry Jam 36:48

Formación: 
Broderick Smith: voz, armónica
Greg Lawrie: guitarra, dobro
Ian Winter: guitarra
Gary Clarke: bajo
Tony Lunt: batería

invitados
Mal Logan: paino
Mal Capewell : saxo



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BRAVE NEW WORLD - Impressions on Reading Aldous Huxley (1972 / VERTIGO)

Inspirado en la famosa novela de ciencia-ficción  de Aldous Huxley, (junto con Philip K. Dick, escribieron algunas de las "biblias" del hippismo), Brave New World fue un proyecto de estudio liderado por el irlandés John O'Brien-Docker. Además de arreglista y encargado de la producción,  tocaba guitarras, órgano, percusión,  vientos y algunas voces recitadas (el álbum es instrumental ).


Éste músico había estado en Die City Preachers, Marcel, Inga & John (sí,  esa Inga era la Rumpf), Dagmar Krause y Anthony Moore (Slap Happy). Le ayudaban en éste proyecto Herb Geller (flautas, cuerno inglés,  saxos, órgano,  arreglos), Reinhart Firchow (recorders,  flauta, ocarina,  stylophone y percusión), Lucas Lindholm (bajo, órgano y piano) y Dicky Tarrach (batería,  percusión).

Firchow formaría más adelante Kaarst. Y Geller llevaba en el avant jazz desde 1954. Pero a pesar de ser músicos pertenecientes a la escena del jazz de vanguardia y afines, no es exactamente lo que aquí encontraremos. Sino un icono del underground kraut del más alto nivel, con Thomas Kuckkuck como ingeniero. Una hábil mezcolanza de acid folk, electronics, psych rock y alguna pincelada jazzy muy bien disimulada. 


"Prologue" (1'01) lleva floydiano órgano cruzado con folk ácido a la Incredible String Band, y una flauta que parece estar llamando "el afilador", ( curioso personaje en extinción). Posiblemente ésta sea una de las primeras grabaciones en las que se escucha percusión electrónica,  ni idea cómo la hicieron, en 1972. Así comienza "Alpha Beta Gamma Delta" (7'38), con trazos progresivo-psicodélicos en los que guitarra y vientos arman el caparazón de la pieza. La electrónica anda muy presente, con raras percusiones y flautas finales más propias de Osanna o el Prog italiano.

Esa sensación continúa  en "Lenina" (4'21), con un aroma ambiental lounge de la flauta similar a Focus. "Soma" (5'18) la conforman el magnífico juego de guitarras acústicas -folk con eléctricas -kraut psych, fondo organistico a la Wright y texturas muy "Ummagumma".  Los sonidos electrónicos crean una melodía muy "theremin oriented", y la eléctrica intenta pretensiones Gilmour. "Malpais Corn Dance" (3'27)  tiene un alegre regusto tribal-cosmic cuasi africano que puede recordar el "Olias of Sunhillow" de Jon Anderson.


Para la segunda cara, "The End" (19'22) exhibe todo lo dicho en un titánico esfuerzo instrumental donde vientos, electricidad, electrónica y percusiones crean un "brave new world" propio de magnética personalidad. Kraut rock de pura raza y similitudes con Annexus Quam, Mythos, Emtidi o Eulenspygel. Soberbia pieza ésta,  de muchas recomendadas escuchas tan alucinógenas como la literatura que representa. Un original Vértigo se pone para ir empezando a hablar, en los 500 € (de ahí en adelante).

Así que por tu sanidad económica, recomiendo la excelente reedición del 2016 de los barceloneses Wah Wah Records. John O'Brian colaboró más adelante como letrista de la banda Randy Pie.....Debió de seguir construyendo más elucubraciones psico como la aquí reseñada. Era lo suyo, sin duda.
J.J. IGLESIAS



Temas
01. Prologue (1:00)
02. Alpha, Beta, Gamma, Delta, Epsilon ... Ford (7:40)
03. Lenina (4:21)
04. Soma (5:18)
05. Malpais Corn Dance (3:25)
06. The End (17:42)
07. Epilogue (1:26)



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The Allman Brothers Band Featuring Jerry Garcia ‎– Live at the Cow Palace, 1973

La semana pasada cuando estaba buscando la documentación para el artículo de "The Allman Brothers Band - Live in Ludlow's Garage 1970" recordé que hace algún tiempo había escuchado una pequeña joya teniendo como protagonistas a The Allman Brothers Band y a Jerry García, entre otros. No me he podido resistir a compartirla con todos vosotros.


En 1973 The Allman Brothers Band había superado sobradamente la perdida de Duane Allman y Berry Oakley, y se constituían como uno de los grupos con más éxito de los Estados Unidos. Durante sus interminables giras coinciden ese año en dos ocasiones con The Grateful Dead. La primera a principios de Junio en el RFK Stadium, Washington Dc, ante 80.000 espectadores. Por cierto ante de salir hubo una pelea entre miembros de la banda y algunos "pipas". La segunda ocasión fue 28 de julio de 1973 en el Hipódromo de Watkins Glen Grand Prix, Watkins Glen, NY, junto a The Band congregaron a más de 600.000 enfervorizados seguidores. En agosto publican su cuarto trabajo en estudio, "  Brothers and Sisters", llegando al primer puesto del  Billboard 200.


Estamos en la nochevieja de 1973. Bill Graham había preparado una gran noche de rock sureño. La fiesta comienza a la 7 P.M. con la actuación de The Marshall Tucker Band y The Charlie Daniels Band. Alrededor de la 10:30 suben al escenario The Allman Brothers Band con una formación integrada por Gregg Allman (voz, teclados), Dickey Betts (guitarra), Lamar Williams (bajo), Chuck Leavell (teclados), Butch Trucks (batería) y Jai Johanson (batería).

La primera parte del "setlist" de alrededor de 70 minutos la integran temas del "Brothers and Sisters"  y algunos clásicos como "Stormy Monday" y "In memory of Elizabeth Reed". Dickey Betts se constituye como líder indiscutible siempre apoyado por los teclados de Gregg..

Un pequeño descanso y antes de sonar otro clásico "Statesboro Blues", comienza la cuenta regresiva para recibir el nuevo año, 1974.  En la segunda parte del "set" tenemos una memorable interpretación de "Jessica" (13:02) y una gran improvisación musical en "Les Brers In A Minor" aproximadamente 20 minutos con un solo de batería en su parte central. En la última fase del tema es cuando se unen Jerry Garcia (guitarra) y Bill Kreutzmann (batería) y posteiromente  Boz Scaggs (voz). A partir de ese momento desfase total, improvisaciones por doquier y buen rollo. El concierto estaba siendo retransmitido a nivel nacional por la emisora de radio  KSAN y dada la gran duración del evento a mitad de  "Bo Diddley" cortaron la emisión. Afortunadamente siguieron grabando.
En los tres últimos temas ("You Don't Love Me", "We Bid You Goodnight" y Mountain Jam) la banda se redujo a Garcia, Betts, Chuck Leavell, Lamar Williams, Jaimoe and Kreutzmann. Casi cuatro horas y media de concierto.
J.C. Miñana



Temas
1-1 Wasted Words 5:28
1-2 Done Somebody Wrong 6:02
1-3 One Way Out 9:51
1-4 Stormy Monday 8:59
1-5 Midnight Rider 5:00
1-6 Blue Sky 7:43
1-7 In Memory Of Elizabeth Reed 17:31
1-8 Statesboro Blues 6:59
1-9 Southbound 7:23
1-10 Come & Go Blues 5:27
2-1 Ramblin Man 8:06
2-2 Trouble No More 4:22
2-3 Jessica 12:59
2-4 Les Brers In A Minor 6:09
2-5 Drum Solo 8:07
2-6 Les Brers In A Minor Pt 2 9:50
2-7 Whipping Post 11:53
2-8 Linda Lou/Mary Lou 9:18
2-9 Hideaway/You Upset Me 10:07
3-1 Bo Diddley/Mountain Jam 27:11
3-2 Save My Life 18:55
3-3 Blues Jam 11:22
3-4 You Don't Love Me 9:49
3-5 Will the Circle Be Unbroken 4:46
3-6 Mountain Jam 8:00





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URSA - Nulla 2017 (Rockliquias Bandas)

Ursa es un trío procedente de Tarrasa integrado por Marcos Cortés a la guitarra, Pol Ortega al bajo y Robert Arcos a la batería. No confundir con la banda americana de Doom Metal del mismo nombre. Comenzaron su andadura en 2013 y un año mas tarde realizan sus primeros conciertos. Poco a poco los temas van surgiendo tras largas horas en el local de ensayos.


Por fin en marzo de 2017 ve la luz su primer trabajo, "Nulla", grabado en  Uqbar Estudis y mezclado por Pol Ortega. La portada es una ilustración de Yuri Shepherd, dibujante nacido en Dinamarca y afincado en España. La presentación del disco se realiza en la Nova Jazz Cava de Terrassa, dentro del ciclo Terrassa Música Moderna el 30 de abril. 


El disco nos ofrece cinco temas titulados con números romanos cargados de un gran trabajo instrumental. Si hacemos caso a las influencias que ellos mismos nos reseñan (Tool, Karnivool, Porcupine Tree, Opeth, Dream Theater, Thrice, Oceansize, Mastodon, Incubus, Russian Circles, Pat Metheny...) está claro que lo han metido en una coctelera bien agitado y le han dado su particular visión.



Arpegios de guitarra enigmáticos que poco a poco van fluyendo transportándonos hacía atmósferas sonoras de alta belleza. La suavidad inicial se va tornando más dura para despertarnos de nuestro letargo. Combinación de ritmos que me llevan a tiempos pasados cuando el maestro Frip cabalgaba con su "Discipline". Buen comienzo.


"III" es el segundo tema de la grabación, curioso se reservan "II" para el final.  Composición de algo más de diez minutos que aúna un sin fin de sonoridades que abarcan desde las más Crimsonianas, pasando por el "stoner" e incluso algunos riffs que llegan a ser cercanos al "heavy".



En "IV" se hace evidente que Marcos Cortés (guitarra) está perfectamente respaldado por una gran sección rítmica. Por una parte Robert Arcos no se limita un simple golpeo de parches, su empeño va más allá recordándome a baterías del estilo de Bill Bruford. En cuanto Pol Ortega su bajo llena con extrema precisión todos los huecos sonoros. Volvemos a encontramos con multitud de espacios sonoros. Realmente apabullante.


"V" nos devuelve a los arpegios intrincados y complejos que sirven para el lucimiento de Robert y Pol y que desembocan en una explosión sonora sin apenas darnos cuenta. El vídeo oficial refleja claramente la atmósfera del tema. Músicos tocando en la penumbra.



Ursa cierra su debut con "II", cerrando el círculo o no? La música fluye  sin darnos cuenta del paso del tiempo. Épico final con un gran riff de guitarra.

Atención promotores de conciertos, hay vida más allá de las bandas tributo y URSA es una buena prueba de ello.




Contacto:



P.D. : Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70

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PREMIATA FORNERIA MARCONI (cuarta parte) (Live In USA)

ROCK PROGRESIVO ITALIANO (temporada 1, clásicos)

El braguetazo pegado con la Manticore Records, las alabanzas de Emerson y Lake hacia el “The World Became…” y una buena producción de marketing de la época a nivel internacional, les abre las puertas del mercado norteamericano y PFM será la primera banda italiana en exportar una forma de rock progresivo a la que el mercado anglosajón no estaba acostumbrada pero que recibe con curiosidad y en algunos casos hasta entusiasmo. La leyenda del “Spaguetti Prog” como dirán en los USA, permitirá en cierta forma que tanto Banco, como Le Orme, sigan el mismo camino. Pero para que el RPI se convirtiese en tema de culto faltaban algunas décadas. La revista Billboard era muy influyente en la época y pone a los italianos por las nubes. Así 1974 sería el año de gloria para la PFM y empezarían a codearse en los escenarios con las estrellas rutilantes del mercado yanqui, como los Allman, Santana o Poco radicalmente opuestos a su estilo. Afortunadamente la delegación americana de la Manticore decide grabar el evento como Live In USA y que en Europa se conocería como “PFM Cook”.


 Naturalmente deciden cantar en inglés por sus nuevas versiones. Supongo también que por imposición de contrato y ante la ignorancia de las virtudes del idioma más musical del planeta como es el italiano. “Cook” fue editado en España en torno a 1975, siempre llevábamos un retraso en las ediciones vinílicas a no ser que tuvieses cierta facilidad para conseguir copias extranjeras o viajases al vecino andorrano, porque encontrar discos en Andorra en aquella época y lo he dicho en otras ocasiones, era un vicio que los melómanos jovenzanos de entonces teníamos en la cabeza a todas horas, prescindiendo incluso del coñazo que suponían los precarios autobuses y las horas de retención en la aduana donde te registraban y se lo pasaban en grande puteando al españolito. Yo era un chaval veinteañero y con escasos recursos económicos dependiente de papi y mami. Pero en la aduana curiosamente los discos era lo que menos les importaba. Iban a por tabacos, alcohol, pequeños electrodomésticos o prendas de cuero, bastante más baratas que aquí en connivencia con las propias tiendas andorranas para sacar tajada en aranceles y joder a mansalva. Recuerdos que no vienen al caso.


 El primer live de la Premiata siempre se me quedó escaso. Era típico que los discos procedentes de bandas italianas no superasen los 40 mtos. La alegría que me llevé con la edición completa de 3 cd´s del Made In USA por la Esoteric records en 2010 me alegró el día y ahí sí que pude comprobar todo el potencial y calidad técnica de estos italianos en directo. Improvisaban mucho las piezas originales y alargaban generosamente en maravillosos instrumentales las piezas más emblemáticas. El topicazo de que los grupos británicos eran los mejores, desaparecía de tu mente al escuchar el nivel técnico de músicos con una base muy superior a muchos grupos reverenciados tipo Genesis por ejemplo y no tengo inconveniente en afirmarlo, por mucho que los anglosajones me gustasen. Es cierto que los italianos se influenciaron de estas bandas, pero la ventaja es que los italianos eran estudiosos y de base académica, los ingleses no, salvo excepciones que todos conocemos.

 No tener esta edición de triple CD de la PFM en directo es un pecado imperdonable porque estaban en su mejor momento. Flavio Premoli es un teclista que le daba cien vueltas a la mayoría, exceptuando quizá a los Wakeman o Emerson, aunque yo personalmente lo pondría a la misma altura. Mussida es un maestro de la guitarra solista que cubre un espectro muy amplio de estilos. Su versatilidad no la tienen otros y no quiero equiparar nombres para no entrar en discusiones. Paganni domina por igual violín y flauta y es un músico de los de verdad. Djivas nació para ser bajista, es único, y el bueno de Franz Di Cioccio es un batería imprevisible, de amplios recursos y espectacularidad, con una facilidad técnica de los mejores del género. Pero son italianos y en aquella época la fama la llevaban baterías bastante más rutinarios y previsibles pero eran anglosajones. Donde naces importa. Siempre ha importado. Si eres un batería español o italiano (claro), griego, japonés, libanes o africano…da lo mismo. Si no eres inglés o norteamericano date por jodido. Serás el mejor batería del mundo pero en aquella época y la de ahora también, la xenofobia importa.
Live In USA es un testamento incontestable.


 El primer CD es el “Cook” original y la expansión de los dos restantes es la creme de la creme. Los Cd´s 2 y 3 corresponden a la actuación en Central Park en 1974: River of Life… Four Holes… los 17 mtos de “Is My Face On Straight” los otros 20 de Alta Loma Five… (Mussida acojona) o los 18 de Celebration…The World son impagables. PFM cierra una época. Su mejor época y es una lástima al que solo el tiempo puede ser benévolo con sus irregularidades futuras.
Alberto Torró


Temas
Four Holes In The Ground (7:22)
Dove....Quando.... (4:30)
Just Look Away (8:05)
Celebration (including "The World Became The World") (8:55)
Mr. Nine Till Five (4:25)
Alta Loma Nine Till Five (including "William Tell Overture") (15:20)





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ISILDURS BANE - Mind Vol II (live) (2001)

Con una simple e insípida portada y con sus tres obras maestras grabadas: Cheval, Voyage y Mind 1 aparece el primer trabajo en vivo de Isildurs Bane. Un denso y apretado programa en doble CD con nada menos que 153 mtos de música. El Volumen 2 de M.I.N.D que sus siglas en palabras del propio compositor Mats Johansson significa “Music Investigating New Dimensions” se adentra en la música de la tríada mencionada. Según algún comentarista y escritor sueco la música de Isildurs Bane en este trabajo es una “deconstrucción” de su propia música, una investigación constante dentro de sus propias composiciones y sería acertado considerar esta definición. Porque todas las músicas posibles y más excitantes del prog y no solo prog, se unen en esta línea personal absolutamente libre e imaginativa.


 Isildurs casi han creado un estilo propio dentro del progresivo. Mats sigue apuntando que lo que ellos hacen es “el desarrollo de un proceso de investigación y experimentos, conocimiento, libertad artística y curiosidad infantil (…!). Ciertamente su música desborda todas las previsiones y nos sumerge en una música nueva y vanguardista que abre puertas al futuro. Al inicio del siglo XXI se han convertido en una extraña orquesta de cámara electrónica que no descarta ningún recurso sonoro y no se pone límites. Se habla de Isildurs, una banda que comenzó con música inocente y agradable a la Camel, como de un grupo creativo y contemporáneo apto para oídos muy exigentes y preparados y esto es completamente cierto. En los créditos del primer Mind homenajearon al propio Frank Zappa. 

El doble Mind 2 es un desafío y un regalo al oído a la vez. Es música difícil con una riqueza instrumental desbordante. Las melodías, las armonías complejas se alternan en pasaje de la más enrevesada instrumentación de lirismos tremendos con laberintos imposibles. Alquimia pura que une el pasado y el futuro, lo clásico con la vanguardia, lo acústico con la electrónica y lo mejor es que nadie se ha atrevido a ponerle etiquetas. Música total, absoluta que es preciso escuchar muchas veces. Hacen una música valiente, diferente como antaño se hizo con el Zeuhl o el Rock In Oposition, músicas de las que ellos no están muy lejos. Alguien me apuntó que para ellos el “rock progresivo” ya no es suficiente y a veces somos nosotros mismos los que inconscientemente o no, lo acotamos y lo limitamos y esto no debería ser.


El primer CD está estructurado entre grandes bloques y suites como “Cheval” o “inéditas” como “Oportunistic Medicine” “Exit Permit” (inmensa!!!), “Holly Fools”, donde hacen y deshacen a su antojo en adaptaciones extrañas de su propia música en sus trabajos de estudio y pequeñas miniaturas que se suceden como las fases de “Extroversión” del que solo puedo decir que se escuche porque hay grupos a los que no se les pueden poner adjetivos. Para un amante bandido y recalcitrante del progresivo, el jazz sinfónico y la clásica modernista como yo,  esta grabación te da sorpresas y muchas y la satisfacción es plena. Vamos que disfruto como un enano.


 El segundo CD es otra barbaridad de música tremenda: “The Flight Onward” es Zappa reinventado y como lo hacen los condenados suecos!!. “Celestial Vessel”, es una jugosa suite en siete partes para el extasío y el jolgorio acompañado con una atractiva amante venusina pringosa y fría y verde como el blandyblub que te pone y que te tienta en pesadillas nocturnas entre un jazz funk extraño de un Miles Davis futurista y locuras sinfónicas surreales cósmicas inclasificables. Pieza rara de cojones y muy variada, que engancha como una extraña droga. La versión-suite del Voyage con tres de sus principales temas, te llevan al delirio instrumental del enrevesamiento progresivo recreados a capricho porque los tíos van muy sobraos y seguros de sí mismos. No voy a añadir nada más porque poco más se puede decir. Tremendos.
Alberto Torró





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VOCOKESH - Dr. Hoffman's Bicycle Ride (2010 / PHONOSPHERA)

Continuamos hablando de actuales formaciones, porque cuando se trata de underground, un disco reciente se convierte en "rockliquia" al instante. Vocokesh se formó en 1989 en Wisconsin, tierra no muy apta a priori para psicodelismos. De los anteriores F/i, Richard Franecki (bajo, guitarras, teclados, electronics y ruidos varios) ideó éste instrumental proyecto que ha tenido un nutrido plantel de colaboradores a lo largo de los años, además de casi una veintena de álbumes. En éste en particular, le acompañan John Helwig a la guitarra solista y Rusty en batería y percusión. 


De primeras, me encanta el título del disco, que homenajea el primer viaje de LSD de la historia, por el sorprendido, "dazed and confused", Dr. Hoffman. Cuánto le debe la música a éste señor. Que no sé si habrá tenido algo que ver en "Born Losers" (3'27), pero si no es así,  lo mimetizan muy bien con su garage retrofuturista psych. La fiesta de colorines ya no para en toda la audición. 

"Texas Asphalt Blues" (4'15) conecta igual con leyendas de los 60 (Hendrix), de los 70 (Hawkwind), o de los 90 (Melting Euphoria). Como expertos en "cinematic psych", "The Cruising Song" (8'36) podría ser un muy buen soundtrack para peli de ciencia ficción estilo John Carpenter. Tampoco se aleja del kraut más histórico de Ash  Ra Tempel, por su fuerte implicación guitarrera. 


"Kesh # 10 (Improvisation)" (11'03) incide todavía más en esto último. Con ambientes teclisticos sobrecogedores adornados de viciosos feedbacks y delays que invitan a viajar a Pompeya sin salir de tu habitación  (toma viaje low-cost!). Para relajar el ambiente, "Pretty Acoustic Piece " (5'20) es puro cosmic rock de superior factura. Con pastoral acústicas y burbujeantes moogs,  melodía romántica de un string -sinte  y clima de película vampirica-lesbiana a lo Jess Franco. Exxxtupendo corte.

"The Highway Song" (4'53) me hace reflexionar que de haber vivido lo suficiente, Hendrix hubiera sido feliz haciendo space rock. Porque casi lo inventó él,  y además era un freak de la ciencia-ficción. Qué más se puede pedir.


Lo mismo ocurre con "1000 Pictures in one Word" (5'32), y es que John Helwig gusta de recrear momentos psicofonicos made in San Francisco. Y para ello invoca a las ondas sonoras del espacio propiedad de Cipollina, Holden, García,  California o Kaukonen, en alegre ouija/radio receptor acidote.

La total-ida-de-olla-pero-mola que es "Dr. Hoffman's Bicycle Ride" (14'58) pone fin a éste instrumental ejercicio space, con referencias a toda ameba viviente (o no) del gremio, sita en la Casa de los Kolokoides (reimaginando Dune). Vocokesh resulta un estupendo combo espacial con los que difícilmente puedes aburrirte,  porque bailan nuestro mismo mambo. Ese que comenzó en los 40 en un alucinado y colorido viaje en bicicleta.
Oooops! Carril-bici no necesario.
J.J. IGLESIAS


Temas
1. Born Losers 00:00
2. Texas Asphalt Blues 03:31
3. The Cruising Song 07:48
4. Kesh #10 (improvisation) 16:26
5. Pretty Acoustic Piece 27:31
6. The Highway Song 32:54
7. 1000 Pictures In One Word 37:49
8. Dr.Hofmann's Bicycle Ride 43:24






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DUNCAN MACKAY - Chimera 1974

Duncan Mackay es un teclista, compositor y cantante que a pesar de una extensa y variada carrera musical no goza del reconocimiento que realmente merece. Yo lo definiría como un "trota-músico" por la cantidad y variedad de proyectos en los que ha participado. Lo podemos encontrar en los discos de Kate Bush (The Kick Inside, Lionheart y Never for Ever ), Camel (Nude), 10 CC (Bloody Tourists y Look Hear?) ,  The Alan Parsons Project ( I Robot, Pyramid y Eve), Baker Gurvitz y Colosseun II  entre otros muchos.



Duncan nace en Leeds,  Yorkshire, en 1950. Comienza tocando el violín llegando a los 11 a ser una de las promesas en este género en el Reino Unido. Obtiene una beca musical para la Shrewsbury Public School, terminando sus estudios en 1967. A mediados de los 60 se traslada a  Port Elizabeth en Sudáfrica. En 1970 recorre Brasil y Sudáfrica como miembro de la banda de Sergio Mendes.

Su primer disco en solitario llega en 1974, "Chimera" y un año más tarde entra a formar parte de Steve Harley & Cockney Rebel con los que consigue cierto éxito con el single "Make Me Smile (Come Up and See Me)".  Su segundo larga duración lo edita en 1977, "Score", teniendo como invitados a John Wetton, Clive Chaman, Andy McCulloch  y Mel Collins . Alterna su carrera con la de músico de sesión para diversos artistas entre ellos Kate Bush. En 1979 entra a formar parte de 10 CC y al año siguiente publica "Visa", trabajo donde se adentra en el mundo electrónico a lo Jean Michel Jarre. Una década más tarde llega "A Picture of Sound" su último trabajo en solitario hasta la fecha. Posteriormente abrió su propio estudio en Sudáfrica grabando "Reunion" con Greg McEwan y varios discos con el  guitarrista clásico  James Grace.


Este primer trabajo de Ducan Mackay se grabó en Abril de 1974 en los estudios  Pye de Johannesburgo. Como músicos el propio Ducan con su arsenal de teclados, Gordon Mackay (violín) y Mike Gray (batería).  La obra se compone de tan sólo tres temas ( "Morpheus", "12 Tone Nostalgia" y " Song For Witches") con claras y notables influencias de su idolatrado Keith Emerson. El uso del Hammond (tipo percusivo), el piano eléctrico y los sintetizadores nos trasladan a sonidos muy cercanos (casi demasiado cercanos) a los de The Nice o E,L & P.. En ediciones posteriores se incluyó "The Opening", versión grabada en 1990 de un tema de Tangenine Dream.
J.C. Miñana



Temas
1. Morpheus (0:00)
2. 12 Tone Nostalgia (11:24)
3. Song For Witches (19:45)



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CZESLAW NIEMEN - Katharsis (1975 / MUZA)

Originariamente un cantante Beat en los 60, Czeslaw Niemen desarrolló una completa carrera durante los 70 en Polonia. Icono underground de su país,  pasó por el rock'n'roll, psych rock, prog, folk, avant, jazz, soundtracks, theatre music y con "Katharsis", se zambullo brevemente en la electrónica pura. En 1972 participó en los tristemente célebres Juegos Olímpicos de Múnich,  al lado de la Mahavishnu Orchestra y Charles Mingus. Abrió conciertos europeos para Jack Bruce, y en 1974 editó el sensacional "Mourner Rhapsody", donde colaboraban Jan Hammer y Rick Laird. A veces acompañado por sus tremendos paisanos SBB, pero no en ésta ocasión.  Donde él sólo se encarga de todo el instrumental. Esto es, sintetizadores, Mellotron 400, Clavinet D6, synth percussion,  guitarra de 12 cuerdas, platos, tape effects,  flautas y voz. "Katharsis"es un álbum conceptual dedicado a la expansión de la humanidad (iluso) y su consecuente exploración espacial, tema de moda en aquellos 70. 


Su estilismo sintético no puede esconder un fuerte arraigo jazz, de imaginativas estructuras melódicas,  como en "Odkry cie Nowej Galaktyki" (2'20) o "Mleczna Droga" (3'15). El especial onirismo electrónico propio de esas tierras aparece en "Planeta Ziemia" (6'45) , recordando poderosamente a Larry Fast/Synergy. 

El Mellotron es usado profusamente, y es inevitable el acercarlo a los Tangerine Dream de esos años. Misticismo y misterio extraído con eficacia del blanco aparato. En espectacular mezcla con muy buenas líneas de sinte solista. Una exquisita pieza a paladear con tranquilidad.

En su melodiosa naturaleza, "Fatum" (2'23) podría pasar por puro 90s Scandinavian Prog, pues es ese mismo sonido, pero ya en 1975.
"Piec Zec" (2'51)  es avant-experimental usando juguetes (o efectos de cinta), al modo de Pascal Comelade.

Para la cara B tenemos en inicio "Z Listu do M" (4'45), con uso de guitarra, efectos y teclados de cibernética rítmica,  más la inimitable (y portentosa) voz de Niemen. Un lamento existencial maquinal, pero lleno de humanidad y sentimiento.

 "Proba Ucieczki" (2'46) es un interesante juego rítmico con flautas y percusión electrónica que a Peter Gabriel le hubiera entusiasmado. El estilo solista de Niemen al moog es muy parecido a Patrick Moraz (otro muy influido por el jazz). 

"Katharsis" (4'45) es otra delicatessen sintetizada con muy buenos solos. Niemen trata de "pasar por sintetista", cuando en realidad es un virtuoso teclista al que se le escapa la mano efectista en cuanto puede. Nada que objetar. Hubiera podido hacer un disco como sintetista Keith Emerson?....A eso mismo me refiero. 

Finalmente "Epitafium (Pamieci Piotra)" (3'58) es un tema cantado dedicado al batería Piotr Dziemski, que había colaborado con Niemen en su "Aerolit" (1974), y había fallecido ese 1975. Es un temazo de una épica mellotronica brillante, sublime, un perfecto epitafio para un amigo.

La importancia de Niemen para su país es tal, que el Banco Nacional de Polonia acuñó tres monedas con su efigie. Inmensamente más apropiado dedicar ese menester a destacados artistas de tu país,  que a reyes, reyezuelos, politicastros y demás "profesionales de la mamandurria". Cualquier disco de Niemen de los 70 es altamente recomendable, sea cualquiera el estilo practicado. Pero sólo lo encontrarás de ésta guisa electrónica en "Katharsis", álbum reeditado en cd en 2003 con un tema más. Como todo de Niemen, una maravilla.
J.J.IGLESIAS

Temas
A1 Odkrycie Nowej Galaktyki = Discovery Of A New Galaxy 2:11
A2 Mleczna Droga = The Milky Way 3:11
A3 Planeta Ziemia = The Planet Earth 6:39
A4 Fatum = Fate 2:20
A5 Pieczęć = The Seal 2:48
B1 Z Listu Do M. = From A Letter To M. 4:42
B2 Próba Ucieczki = An Attempt To Escape 2:37
B3 Katharsis 4:41
B4 Epitafium (Pamięci Piotra) = An Epitaph (In Memory Of Piotr) 4:04



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