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Cold Blood - Live at the Fillmore West 1971

Ya hemos hablado en varias ocasiones sobre los  conciertos que organizó Bill Graham para el cierre del Fillmore West (It's A Beautiful Day - Live at the Fillmore West 1971Creedence Clearwater Revival - Live Fillmore West 1971). Hoy nos centraremos en la actuación de Cold Blood el 30 de junio de 1971.


La banda comienza su carrera en 1969 teniendo en sus filas a Larry Field (guitarra solista), Lydia Pense (voz), Danny Hull (saxofón tenor), Larry Jonutz (trompeta), Pat O'Hara (trombón), Raúl Matute (órgano de Hammond, piano), Jerry Jonutz (barítono, saxofón alto y tenor), David Padron (trompeta) , Rod Ellicott (bajo) y Frank Davis (batería). Ese mismo año realizan una memorable actuación en el Fillmore West impresionando a Bill Graham que los ficha para su sello discografico. Entre finales de los sesenta y la primera parte de los 70 editaron sus discos más famosos (Cold Blood (1969), Sisyphus (1970), Fist Taste Of Sin (1972) , Thriller (1973) y Lydia (1974)). A finales de los 70 se disolvieron para volverse a reestructurar en los 80 y modificar su nombre en los 90, "Lydia Pense & Cold Blood". A día de hoy todavía siguen en la carretera.


La grabación nos muestra a los Cold Bood   dentro de los conciertos organizados por Bill Graham por el cierre del Fillmore West.  Fueron cinco días de actuaciones comenzando el 30 de junio de 1971 con Boz Scaggs, The Flamin' Groovies, Stoneground y Cold Blood. En cuanto a la música tendremos que meter en la coctelera rock, jazz, blues, funk, algo de soul y todo ello aderezado con una impresionante sección de viento. Resultado: un perfecto sonido "East Bay Grease" ( nombre tomado del primer disco de Tower of Power, otro de los precursores del genero. La banda esta formada por nueve músicos en perfecta sintonía. Al frente la cantante Lydia Pense un "clon" perfecto de Janis Joplin pero con más registros músicales. En el tema "Real Good Thing" realmente parece Janis. Su popularidad fue en aumento hasta hacerse con una parte del nombre del grupo, "Lydia Pense & Cold Blood". Larry Field es el guitarrista encargado de incorporar la vertiente rock-blues, como diría Jesulín "im-presionante". sus solos y riffs le dan fuerza y dinamismo a la banda. Escucha "Let Me Down Easy" donde combina ritmos funk con rockeros o "I Wish I Knew How It Would Feel To Be Free".  En las teclas Raul Matute poniendo su granito con el Hammond, "Lo And Behold", o el piano en las composiciones más jazzisticas como "Funky On My Back". Llegamos al punto fuerte de la banda, una sección de viento integrada por Danny Hull (saxo tenor), Jerry Jonutz(saxo alto, baritono y tenor), Larry Jonutz (trompeta)  y  David Padron (trompeta) en perfecra comunión con Pense y Field para crear el sonido "East Bay Grease". Nada que envidiar a grupos como Chicago o  Blood Sweat And Tears. Por último en la sección rítmica tenemos a Rod Ellicott (Bajo) y Frank Davis  (batería). Temas destacados sin duda el instrumental "Shop Talk" y la versión que hacen del "I Wish I Knew How It Would Feel To Be Free". Buen sonido.
J.C. Miñana





Temas
You Got Me Hummin' 0:00
Too Many People 5:06
Lo And Behold 10:05
Let Me Down Easy 14:36
Funky On My Back 20:00
Real Good Thing 28:58
Watch Your Step 34:41
Shop Talk 40:04
I Wish I Knew How It Would Feel To Be Free 40:24
Understanding 56:34
I Just Want To Make Love To You 1:02:58
I'M A Good Woman 1:14:32





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GLASSWORK - Fear and Trembling 2017 (Rockliquias Bandas)

Esta banda malagueña se fraguó dentro del seno del grupo de power metal Eternal Dream. Tres de su miembros, Miguel Ángel Rey (batería, voz), Álvaro Sabín (guitarras) y César Rodríguez (teclados, flauta) decidieron aunar sus esfuerzos e inquietudes musicales para lanzarse a un nuevo proyecto, Glasswork. Estamos en 2013.


En abril de ese mismo año editan su primer EP, "Glasswork", que sería un adelanto de su primer larga duración publicado en marzo de 2015. Bajo el título de "Knots" y mezclado por Niko Hartmann en Eternal Studios.

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En esas mismas fechas se incorpora Fernando Domínguez (bajo) completando la formación actual.  Conciertos diversos por el territorio español y su Málaga querida hasta llegar a enero de 2017 que ve la luz un nuevo EP con dos temas, "A Conundrum​/​Trembling", que se incluyen en su nuevo disco, " Fear and Trembling ", editado en marzo. La presentación se realizó en la Caja Blanca de Málaga y posteriormente junto a Cró en la sala Velvet.



La banda a madurado notablemente técnica y compositivamente. Nos encontramos ante una obra conceptual inspirada en el ensayo "Fear and Trembling" del pensador danés Søren Kierkegaard. La explicación a todo esto nos la da el propio César Rodríguez: 

"Nuestro disco está, en cuanto a las letras y motivos, temáticamente inspirado en dicho ensayo. Más directa o indirectamente, todas las canciones del álbum tratan algún asunto desarrollado en el texto. El tema general podría enmarcarse dentro del viejo debate "razón vs fe", pero en un contexto significativamente diferente al tradicional (San Agustín, Santo Tomás, etc). En el caso de Kierkegaard, él está viviendo un momento crucial en, por así decirlo, la llegada del "monopolio" de la razón, y además de una razón rancia y soberbia. Al comienzo del libro cuenta con ironía que los pensadores de su tiempo han superado los misterios de la fe gracias a la razón, mientras que él sigue siquiera sin comprender nada de la fe. Así pues, el autor se propone halar de estos misterios a través del famoso relato bíblico en el que Abraham es llamado a sacrificar a su hijo Isaac como prueba de fe. A partir de ahí desarrolla toda una serie de hilos: la paradoja en sí de que algo éticamente condenable pueda ser, más allá de la norma universal, bueno; la relación entre padre e hijo, tensa por la incomprensión por parte del segundo del difícil papel del primero (y viceversa); la relación del hombre con el absoluto; el silencio ante Sarah, la mujer de Abraham; el estremecimiento que supone la sensación de poder estar errado, ser un malvado, un criminal... También tomamos alguna que otra noción que ya había aparecido disimuladamente en nuestro primer album (Knots), como la de "el caballero de la fe" (the faith knight). En definitiva, incluso con ese aire trágico propio del filósofo, el sabor que queda al final es el de una especie de propuesta de vida: las verdaderas y más cruciales decisiones no han de ser tomadas en base a un entendimiento racional (tal y como ahora se entiende lo racional), sino algo más parecido a un acto más ciego, que Kierkegaard llamaría salto de fe. Evidentemente cabe el debate en este asunto... pero un disco da para lo que da!"


Al margen de disquisiciones filosóficas la banda nos ofrecen ocho temas de un gran rock progresivo aunado diversas tendencias e influencias musicales. Las referencias andaluzas ( "Fear") se manifiestan a lo largo de la composición sabiamente mezcladas con elementos progresivos propios de otros tiempos.  En diversas partes de su obra podemos encontrar reminiscencias a grupos como Camel, en el tratamiento de la flauta y los teclados se acerca en muchos momentos a los de la banda de Latimer. Las voces me hace recordar a los primeros Yes aunque la fuerza de la guitarra de Álvaro nos devuelve a su pasado en Eternal Dream. Otras influencias las descubrimos en la parte central de "A song for Sarah", una mezcla entre Marillion y Medina Azahara. Temas destacados sin duda  "A Conundrum", cercanos a Dream Theater y "Desert Shapes" con su gran riff de guitarra. Gran trabajo de estos malagueños en un estilo musical que poco a poco va resurgiendo.
J.C. Miñana










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PREMIATA FORNERIA MARCONI: (séptima parte) Live in Japan 2002

ROCK PROGRESIVO ITALIANO (primera temporada: clásicos)

Bueno el inicio de siglo parece ser una vuelta al sentido prog de la PFM, pero sin ilusionarse por completo. Dos décadas haciendo música pop y comercial tienen su peso específico y una carga difícil de eliminar. Vieron “el percal” como decimos en España en el sentido de “lo que nosotros dejamos ahora vuelve… pues venga nosotros también que para eso lo empezamos”. Tan como hicieron Yes con sus interminables retornos con Wakeman para recuperar lo mejor de su producción, la Premiata da un baño de actualidad a sus viejos temas y el resultado de sus conciertos en Tokyo es más que agradecido. 

Suenan impecablemente, ya no está Mauro Pagani y es una pena, pero su sustituto Lucio Fabbri es un tipo competente y excelente músico que además de violín toca teclados. El bueno de Flavio Premoli está en plena forma y es una gozada escucharlo. Ahí están Djivas, Mussida y Di Gioccio para completar el eterno combo y la magia italiana vuelve a despegar. 

Sorpresivamente el primer CD se abre con la voz de Peter Hammill en la fantástica pieza “Sea Of Memories”. Probablemente una pieza en estudio fuera de contexto.  Es sabido que miembros de Van Der Graaf están relacionados con el mundo del RPI, de hecho, Hammill ha traducido letras para grupos como Le Orme entre otros. La pieza de inicio suena tremendamente prog y Mussida demuestra lo que es, un guitarrista fuera de serie. “Bandera Bianca” es una adaptación algo pop de un tema de Franco Battiato con ribetes Dylan que desentona algo, pero no ofende y es pasable. 

El concierto en sí, se abre con una dura y pulsante versión de la “Carrozza Di Hans” que por otra parte suena fantástica. Seguirán joyitas como “River Of Life”, “Photos Of Ghosts” y “Out Of The Rounddabout” música a prueba del tiempo y modas más algunas concesiones poperas como la “Revolutione” o “Souonare Souonare” pero no podemos hacer nada, porque como digo dos décadas mediocres pesan. Se arregla la cosa con “Promenade The Puzzle” y la delicadeza de “Dove Quando”.


 El segundo CD continúa alegrándonos el día con “Il Banchetto” en reducida versión y la “Dolcissima Maria”. Dos largas versiones de “Maestro della Voce” y “Si Piu Fare” de sus tiempos de ligereza pero decentes dentro de lo que cabe esperar. Seguirán “Mr Till 5-9”, “Alta Loma”, improvisaciones de violín y un final muy digno hacia la excelencia con “Impresioni Di Septembre”, “E Festa” y la eterna y maravillosa “La Luna Nuova”. 

Una vuelta premiática totalmente recomendable y disco fijo para los fans de la banda. Editado por Sony el sonido es perfecto y cada disco supera los 70 mtos. No hay excusa para no tener este doble CD. Bonita portada de arte clásico japonés.
Alberto Torró






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ISILDURS BANE - MIND VOL 5 (The Observatory) (2005) (DVD)

Con este DVD pondrían final a la serie Mind en un concierto de 120 mtos grabado en su Suecia natal. En parte podríamos considerar que el trabajo continúa de la línea creada en el anterior vol 4, algunas sofisticadas canciones en la voz de Mariette Hansson, cortes paranoicos a la Crimson moderna, e instrumentales indefinidos. Como dije en el anterior, la línea es más impersonal que antaño con un sonido cercano al post rock, incluso al rollo indie. Podría ser cualquier grupo actual con la característica frialdad de los tiempos que corren. 


El volumen 1 y su aventurera música ya queda muy lejos y el sello de marca Isildurs parece desvanecerse en aras hacia no sé donde y vuelve esa habitación gris y opaca donde la luz no trasluce y mucho menos alguna esperanza. Las melodías son tristes, apagadas y hasta depresivas. Hay una sensación de muerte y desesperación y de locura contenida. La instrumentación ya no vibra como antes. Ahora se arrastra por fangos y moho y la guitarra solista no inspira nada inocente. La música es opresiva y carente de brillo expresivo. Ideal para chavales sin futuro y sin esperanza. El pretendido lirismo es angustia que se sienta en el suelo con la espalda apoyada a la pared y con la capucha de la sudadera de algodón húmedo sin retirar de la cabeza en brazos caídos y rostro pálido de un mal viaje. Botellas vacías en el suelo y colillas mal apagadas. Veo esa imagen al escuchar muchos tramos de este disco: humedad, oscuridad y frío. Los ocasionales arreglos de cuerda le dan cierta dignidad en algunas partes, pero la tristeza lo acapara todo. Los títulos son elocuentes: Jaula, Pérdida, Rabia, Sin Gracia etc… Me recuerda a otras épocas de juventud cuando el alma todavía no estaba tan endurecida como ahora y era proclive al llanto, porque el humor irreverente y el maravilloso escepticismo, aun no nos habían sanado.  

Afortunadamente algunos segmentos de la segunda parte del concierto dan rienda a clásicos de Isildurs y volvemos a encontrarnos con una selección de temas del Voyage y con la música enrevesada instrumental, y aunque vuelven de vez en cuando a la abulia de las canciones, el equilibrio de música pura, va amortiguando solo en parte lo que en un porcentaje demasiado amplio es música gris. En general falta vida y aun con todos sus claroscuros, más oscuros que claros que conste, todo está muy bien hecho, porque son buenos músicos, pero uno espera mucho más y confiemos que esté por llegar. La música es el reflejo de los tiempos y aquel “no future” que anticipó la dramática y paranoica música de Peter Hammill en los 70´s, hoy casi amable en comparación, ha superado con creces las perspectivas.
Alberto Torró



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GYPSY SUN REVIVAL - Journey Outside of Time (2017 / NASONI)

Texas es tierra florida en bandas psicodélicas para la historia : The Moving Sidewalks, Corpus, Josefus,  The 13th Floor Elevators, The Red Krayola, Bubble Puppy, Fever Tree, American Blues......Rica tradición que ahora Gypsy Sun Revival quieren seguir conservando. El año pasado vio la edición de su homónimo debut como power trío. Lee Ryan (voz, bajo y órgano), Will Weise (guitarra y theremin) y Ben Harwood (batería,  percusión,  synth).construyeron una carta de presentación absolutamente convincente. Donde los guiños hendrixianos no estaban sólo en el nombre de la banda. Ampliando el espectro de influencias hasta los ilimitados horizontes del kraut rock. De hecho, el sello alemán Nasoni se encarga de editar sus trabajos, por supuesto también en vinilo (y de colores).


La sorpresa, todavía reciente, ha sido ver cómo Gypsy Sun Revival se convertían para éste "Journey Outside of Time", (apropiado bautizo), en un quinteto. Con la suma de Mario Rodríguez a la voz solista y Tyler Gene Davis al órgano. 


Grabado en los Crystal Clear Sound Studios de Dallas, el equipo grabador también fue de lujo. Kent Stump (Wo Fat) y John McBain (Monster Magnet) han reforzado la avalancha de ésta nueva entrega. Que comienza poco a poco hasta llegar a niveles aceptables de lisergia con "Cadillac to México" (4'54). La guitarra es un homenaje constante a San Hendrix y todos sus discípulos, sin que tampoco sea un onanismo eléctrico contínuo. Ahora es una banda más compacta (si cabe) y rica en matices. El órgano es una tela de araña psico de total complicidad con los ritmos cavernícolas. 

"To the Sky" (4'13) sigue esa estela stoner psych, como un modo rápido de presentarnos ésta nueva versión de la banda. Nada que objetar. 

"Indigo" (8'40) comienza como un outtake de "Electric Ladyland" que te eriza cualquier pelo del cuerpo y te calienta la sangre, si sientes esto como lo siento yo, hasta la ebullición. Mira que llevo años en esto, pero es oír una guitarra hendrixiana,  (no hace falta que provenga del Dios de Seattle), y me entran ganas de invadir Polonia. El desarrollo del tema echa además otros condimentos a la explosiva salsa , primeros Monster Magnet, The Stooges o Mahogany Rush, inicial etapa "Maxoon". Imagina. 

El comienzo de "Growing Shadows" (4'25) puede tener ramalazos de Black Crowes (ese órgano queda perfecto), pero pronto dan volantazo stoner, acabando gloriosos. 


La segunda cara inicia un "Pisces (Part 1)" (8'07) casi gilmouriano, reptilesco, ondulante,  fascinante, lleno de cambios y ganas de sorprender. Mucha clase y oficio, veo en éstos tejanos. La parte final se deja llevar en una espiral de sonidos electrónicos, bajo una base rítmica tribal, no alejada de Embryo, Guru Guru o My Solid Ground.

Que en sus arabescos nos introduce en "Pisces (Part 2)" (6'34) , de fuerte contenido místico - instrumental y olor a patchouli y weed.

 "Departure" (8'55) pone fin a éste trance enfebrecido, que viaja por las afueras del tiempo con placentera comodidad y en primera clase.

Hendrix en jam con Ash Ra Tempel? No se aleja mucho la descripción,  puntualizando que Gypsy Sun Revival le imprimen fuertes dosis de esteroides stoner a su mierda de primera calidad. Otro de mis destacados del año, y por la parte alta de la clasificación. Alucinaos con pitera. 
J.J. IGLESIAS



Temas
1.  Cadillac to Mexico - 0:00
2.  To the Sky - 4:53
3.  Indigo - 9:06
4.  Growing Shadows - 14:46
5.  Pisces (Part 1) - 19:10
6.  Pisces (Part 2) - 27:18
7.  Departure - 33:53








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ROCKLIQUIAS

Después de más de cuatro años cerrando nuestros artículos con las ilustración del logo de Rockliquias sobre fondo de entradas de conciertos ha llegado la hora de jubilarla. Nuestro redactor y artista Alberto Torró ha diseñado una nueva reflejando de alguna manera todo aquello que podéis encontrar en nuestra web.

Aprovechando que estamos finalizando el año podemos hacer un pequeño balance. En cuanto al número de visitantes la cifra ha aumentado notablemente sobre todo en lo que se refiere a nuestros amigos del continente americano, muchas gracias por vuestro apoyo. Nuestra gran asignatura pendiente es captar a mas lectores de nuestro país. No sé cuál es el problema. Se aceptan sugerencias.

En el apartado de contenidos hemos publicado unos 350 artículos, casi uno diario, para un total de más de 1.300, abarcando todo tipo de géneros:

Blues (110)
Hard Rock (270)
Jazz Rock (13)
Rock (269)
stoner (12)

NUESTROS MONOGRÁFICOS


NUESTRAS SECCIONES ESPECIALES

bootleg (103)

Y NUESTRAS DOS ÚLTIMAS INCORPORACIONES






Bueno sólo queda desearos felices fiestas y que el próximo año sigamos juntos descubriendo joyas perdidas del rock



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MOONDOG - Moondog 2 (1971 / COLUMBIA) (Serie Pioneros)

Louis Thomas Harding, Moondog,  no fue un pionero de la electrónica "per se", puesto que sus instrumentos abarcaban innumerables percusiones, corales e instrumentos inventados por él mismo. Pero sí ayudó en su desarrollo desde un punto de vista estético,  teórico y estilístico. En éste álbum en particular, usaba clavicordios, pianos y otros instrumentos de teclado de sonido más bien añejo, (entre otros muchos), para su inclasificable música.  Que luego sería bautizada de muchas formas, entre ellas, minimalista. Por decir algo.


Ciego desde los 16 años por una explosión en la granja paterna de un pueblo perdido de Kansas, Moondog se trasladó a New York en los años 40. Con dos metros de altura, y sus largas melenas y barbas, hacían que lo compararan con Jesucristo, cosa que a nuestro hombre no le hacía ninguna gracia. Así que adoptó el sobrenombre de Moondog, vistiendo ropas de vikingo con casco de cuernos y todo, haciendo de las calles de la Sexta Avenida en Manhattan su lugar de residencia desde los finales años 40. Se convirtió en un personaje popular y hasta turístico,  por la urbe de la Gran Manzana. Hizo buena amistad con Leonard Bernstein, Arturo Toscanini, Igor Stravinsky, Charlie Parker o Benny Goodman, que se paraban a escuchar su música inclasificable entre sorprendidos y maravillados. Éstas amistades le serían decisivas en el pleito que le puso al famoso presentador de radio, Alan Freeman, por titular a su programa "Moondog Show", mientras utilizaba como sintonía la "Moondog Symphony n* 1", de Moondog. Vaya morro.

Lucir como Odin en una corte de los años 50 no era lo más adecuado para que te tomaran en serio (ahora tampoco). Tuvieron que testificar Bernstein, Toscanini y Stravinsky para que el inculto juez de turno lo tomara por el ilustre compositor que era. Un hiatus de 10 años de silencio musical grabado acabó cuando James William Guercio (responsable del éxito de Chicago), le abrió las puertas de los Columbia Studios en 1969. Éste "Moondog 2", en realidad su sexto álbum, (el primero real data de 1953, habiendo registrado varios singles y EPs en los años 40), profetiza tanto la mística kraut, como la world music o el contrapunto y serialismo minimalista. En su escucha puedes apreciar increíbles parecidos con Gentle Giant, Yes, Pentangle, Renaissance, Mike Oldfield, Phillip Glass o Steve Reich.



Un buen día de primeros 70, Moondog  desapareció  de su amada Sexta Avenida, trasladándose a Alemania, donde fue acogido por una familia en Münster, Westfalia, fascinada por su inmensa cultura y personalidad. Allí moriría de un ataque al corazón en 1999, su tumba fue diseñada por Ernst Fuchs, y el año pasado hubiera cumplido 110 años.

La veintena de álbumes grabados no es nada en comparación con los cientos de madrigales, casi un centenar de sinfonías,  piezas para órgano y piano o para orquestas de viento y cuerda, que dejó escritas. Éste año debió estrenarse (quizá para el 2018), el documental "The Viking of 6th Avenue", dedicado a su increíble vida. Un verdadero pionero y amante de la libertad, éste fascinante "aqualung" apasionado por la cultura nórdica. 
J.J. IGLESIAS



Temas
1. 00:00 "Bells Are Ringing"
2. 01:21 "Voices Of Spring"
3. 03:10 "What's The Most Exciting Thing"
4. 05:43 "All Is Loneliness"
5. 07:02 "Couplet"
6. 07:12 "My Tiny Butterfly"
7. 08:26 "Why Spend A Dark Night With Me"
8. 09:37 "Coffee Beans"
9. 11:50 "Down Is Up"
10. 12:58 "Be A Hobo"
11. 14:08 "Remember"
12. 16:03 "I Love You"
13. 17:14 "Nero's Expedition"
14. 19:08 "No, The Wheel Was Never Invented"
15. 20:28 "With My Wealth"
16. 22:05 "This Student Of Life"
17. 23:31 "Some Trust All"
18. 25:01 "Wine, Woman And Song"
19. 27:25 "Sadness"
20. 28:48 "Maybe"
21. 30:53 "Each Today Is Yesterday's Tomorrow"
22. 32:32 "Imagine"
23. 34:51 "You The Vandal"
24. 37:01 "Trees Against The Sky"
25. 38:22 "Behold"
26. 39:51 "Sparrow"
27. 41:35 "Pastoral"



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The Marshall Tucker Band ‎– Way Out West! Live From San Francisco 1973

En 2010 la compañía Ramblin' Records perteneciente a The Marshall Tucker Band rescató una grabación de radio de uno de sus primeros conciertos. En algunas ocasiones son los propios grupos los que editan viejas grabaciones  (la pela es la pela) para el deleite de sus fieles seguidores. En este caso la edición de dicho documento está plenamente justificada. Es canela fina.


The Marshall Tucker Band se creo en 1972 cuando Toy Caldwell (guitarra) y George Mccorkle (guitarra) reorganizan Toy Factory fichando a Tommy Caldwell (bajo), Doug Gray (voz),  Paul Riddle (batería) y Jerry Eubanks (saxo,flauta).  El nombre de la banda hacía referencia a un afinador de pianos ciegos del área de Spartanburg. En 1973 editan su primer disco, "The Marshall Tucker Band", alcanzando un notable éxito que les da la posibilidad de realizar una larga gira con The Allman Brothers. A partir de ese momento comienza una larga carrera hasta nuestros días con casi una veintena de discos.


El concierto fue organizado por Bill Graham en el Winterland de San Francisco el 26 de septiembre de 1973. Marshall Tucker Band estaba de gira con los Allman Brothers. El "setlist" lo componen prácticamente temas de su primer disco que se había editado en abril de ese mismo año. También nos adelantan dos temas ,  "Another Cruel Love" y "24 Hours at a Time", de su segunda producción "A New Life". 

La actuación comienza con el dinámico " Hillbilly Band" con un esplendido riff de guitarra a cargo de Toy Caldwell. Sonido sureño en su máxima expresión. Continúan con "Another Cruel Love", el tandem Doug Gray (voz) y Toy Caldwell es perfecto. En "Take The Highway" podemos escuchar a Jerry Eubanks tocando la flauta en perfecta simbiosis con el resto del grupo. Destacable la replica de Toy con la guitarra. Uno de mis temas preferidos de la noche. 

No podía faltar , "Can't You See", ese riff de guitarra es uno de los más acertados del rock sureño. El aspecto campestre y country llega de la mano de "See You Later, I'm Gone". "Ramblin" nos muestra la fuerza rockera de la banda con Doug Gray totalmente desatado. 

Llegamos al punto álgido de la noche, la interpretación del blues "Everyday (I Have The Blues)", nuevamente magistral la interpretacion de Toy Caldwell muy en la línea de Duane Allman y Dickey Betts. Trece minutos de éxtasis sureño. La velada finaliza con "24 Hours At A Time", un adelanto de su segundo disco que editarían en febrero de 1974.
J.C. Miñana






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SOMBRA - Visiones (2017 / FURIA) (Rockliquias Bandas)

Formados en Oviedo en el 2015, Sombra es un power trío  psych rock que aglutina también en su ADN progresivo, kraut y lo que se tercie (hasta el flamenco rock aseguran que les influye). Realmente son un spin-off de la banda Acid Mess,  - otros que habrá  que apuntar por aquí -. Ya que tanto Borja como Miguel pertenecen a ese combo. Además de Juan Villamil,  completando un trío verdaderamente prometedor. 


Ya en el año de su fundación presentaron excelentes maneras con la homónima demo de presentación. Ahora se estrenan oficialmente con música instrumental de poderío absoluto 70s. Psicodelia nervuda hendrixiana, como la inicial "Brumosa Apariencia" (7'42), llena de wah wah caustico y cambios rítmicos por doquier. 


Parecidos con Three Seasons, Siena Root o Magnolia, sí,  se me antojan muy retro-escandinavos, no sé porqué. "Mano Negra" (8'05) sigue caminos embarrados en la mejor tradición heavy progressive alemana, con melodías campeonas y matemática rítmica superlativa. Al estilo de Hairy Chapter, Tiger B. Smith o Silberbart. El final del corte es algo así como un Robin Trower desbocado en un maremoto rítmico arrasador. Con gusto, oiga. 

Algo más progresivo es "Espiral" (3'37), con un saxo a la Mel Collins y por ende, conexiones crimsonianas. Bonito a la par que misterioso.


Volvemos la cara vinilica, (sí,  por 15 pavos lo tienes), y entra "Abraxas" (4'11) dando a la manivela del tiempo hacia atrás,  con imponentes ráfagas kaleidoscopicas en efectos de guitarramen y portentosos ritmos. A éste respecto, gozada seguir a la sección ritmera, mientras hablan las seis cuerdas el lenguaje universal de la mejor música.

 Que en "Gran Sol" (8'12) se traduce en más desarrollos poseídos por el demonio de la creatividad en estado puro, neto y con las pagas prorrateadas, pero sin derecho a paro. Estos no paran ni aunque los aten. Su exposición instru es aquí apabullante,  casi entrando en el stoner mudo, pero con enjundia y sesera. Probablemente es mi tema favorito, (aunque puedo cambiar de opinión si me enseñas el plato de jamón).


Finalmente "Quimera" (7'48) nos envuelve en su eléctrica galopante como una aparición mariana (por Frank Marino). El bajo vomita notas obesas y sucias, la guitarra lo seduce en contoneos psico-reptilianos, y el motor bateristico bombea latidos rítmicos de contundencia martilleante, que en vez de baquetas lleva dos Mjolnir, éste hombre. 

En definitiva un discazo excepcional, para devorar con repetido hambre musicanibal. Éstos tíos ya se han batido en duelo escénico con los japoneses Kikagaku Moyo  (buen set, voto a bríos!), o con los cósmicos Mars Red Sky.  Así que poca broma.
Que "Visiones" es una de las bombas nacionales del año.
J.J. IGLESIAS



Temas
1.Brumosa Apariencia 07:42
2.Mano Negra 08:05
3.Espiral 03:37
4.Abraxas 04:11
5.Gran Sol 08:12
6.Quimera 07:48




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PREMIATA FORNERIA MARCONI: (sexta parte - un salto en el tiempo) ( wwwpfmpfm.it live 1998)

ROCK PROGRESIVO ITALIANO (primera temporada: clásicos)

La semana pasada os dije que la PFM claudicarían en pos de los tiempos que se avecinan. Ni siquiera Jet Lag de 1977, que aun manteniendo algo de música decente, lograría mantenerlos a flote en el panorama progresivo. Los diez años siguientes serían un grupo pop italiano que con cada disco (sacaron media docena) la degradación iba en aumento sin la más mínima vergüenza. Para que nos vamos a engañar: la mayoría de las grandes bandas progresivas entre los 80´s y 90´s fueron un fraude para el oyente de nuestro estilo. Aún recuerdo a finales de los 70´s encontrarme con un italiano en Discos Val (tienda de Zaragoza por aquella época) y preguntarle: ¿“oye que ha pasado con el progresivo italiano y la PFM”?. “¡Ohh aquello terminó, se ha acabado, todos quieren ser estrellas pop! hasta Banco!...porca miseria amico!).


En 1987 la PFM después de su última cagada llamada “Miss Baker” guardó silencio hasta 1997. La edición de “Ulisse” su nuevo disco fue de nuevo una decepción, no así su gira para presentar el disco, donde por primera vez en 20 años volverían a tocar algunos de sus viejos temas que sonaban de maravilla. El pfm.it live fue un doble CD que nos devolvió la esperanza a medias, pero algo es algo. Nos esperaba una de cal y otra de arena hasta llegar a día de hoy. El neo prog estaba dando frutos en los 90 y a Mussida y compañía los cogió algo desprevenidos y mosqueados. Un aspecto que me cabrea de esta época en las bandas clásicas, es que según veían los tiempos, cambiaban de chaqueta sin problemas. No sé que pretendían haciendo música barata o mala, porque tampoco vendían haciendo mierda popular y mainstream. Con una reputación ya creada entre fans del progresivo, no es más sencillo e inteligente hacer buena música?...pregunto o igual estoy equivocado. El que busca música mala y comercial se va a los jóvenes y actuales grupitos de moda en cada época, pero no compran antiguallas. Dedícate a vivir de las rentas, pero no hagas el ridículo y encima des argumentos a los que odian este tipo de música que son muchos os lo aseguro. 


PFM lo intentó de nuevo con “Serendipity” en el 2000, nadando entre dos aguas, sí pero no, no hay nada peor que la indecisión. O sacas un disco bueno para restablecer la confianza de tus viejos seguidores o déjate de mariconadas. El poder y no querer es una de las cosas que más aborrezco en música y ellos pueden, pero no quieren. La historia de este argumento tan lógico, al menos para mí se repitió en Génesis, en Yes, en Oldfield, En Jethro Tull, en ELP, en The Enid en Pink Floyd y en tantos y tantos otros. Advenedizos con más o menos buenas intenciones como Marillion, Pendragon, Arena… etc…y salvaría a IQ porque es un buen grupo y honesto, incluso los excelentes escoceses Pallas se les comieron el terreno a los clásicos y estos en parte intentaron reaccionar. Tarde para muchos o desidia de la edad. Da igual. 

Yo creo que PFM, aunque el bueno de Franz Di Cioccio, defienda cada época de la banda, se dio cuenta del panorama y de errores pasados y en parte iban a enderezar el camino, afortunadamente.
Alberto Torró




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ISILDURS BANE - MIND VOL 4 Pass (2003)

Por primera vez desde tres décadas atrás vuelven a aparecer voces en un disco de Isildurs Bane, siendo éste trabajo un completo antagonista con el volumen anterior. Del jazz free improvisado a perfectas y originales composiciones, difíciles de encuadrar en cualquier estilo. Del refinamiento clasicista y la sofisticación más absoluta al retorcimiento y la oscuridad casi crimsoniana de la época Thrak en algunas partes. 



Pero Isildurs son demasiado sibaritas para parecerse a nadie y la música en general es de difícil clasificación. Van del lirismo absoluto al retorcimiento y la aspereza como si nada. Quieren tocar diferentes palos y este es en realidad un disco completamente “progresivo” en el sentido literal del término.

 El álbum se compone de cuatro mini suites dispares con cuatro subdivisiones cada una: “Here”, “Hope”, “Fear” y “Pass” la única pega es que a veces suenan a demasiado “prog modernillo” depresivo y algo snob, pero esto es un apunte personal dada mi alergia a ciertas bandas insoportables que no cito porque considero que es irrelevante. A ratos es un disco perfectamente aburrido en otras asoman brillos de genialidad. Se alternan una voz femenina y otra masculina y los estados de ánimo cambian a ratos, aunque predomina en hundimiento y la abulia de habitación poco ventilada y de luz mortecina. Yo sé que este disco va a gustar más a las generaciones más post-alternative-progressive-rock, es decir a los más jóvenes. 



Quisiera destacar de la suite “Fear” los ocho mtos de “Idea” quizás dentro de la línea “moderna” que en este disco ejecutan, es lo más interesante y lo mejor desarrollado, aunque tiran a veces peligrosamente hacia el “pop elegante” pero bueno no quiero ponerme “tikismikis” (expresión aragonesa…?) porque los tíos lo hacen francamente bien a años luz de lo mediocre y lo barato. 

En definitiva, el vol 4 de Mind es otro capricho de los suecos para demostrar que su música puede abarcar caminos muy diferentes y variados. Hay partes del disco que me encantan y otras me hacen bostezar, algo parecido a la vida cotidiana, aunque en este sentido hay pocas cosas encantadoras y pasados los 60 años y próximo a la tercera edad (¡que bonito!) solo sirven para confirmar el fraude y la mentira de la vida.
Alberto Torró







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ARCPELAGO - Simbiose (2016 / ARCPELAGO)

Seguimos con nuestra breve sección  (sólo éste mes), dedicada a rockliquias recientes. Realmente debería ser una sección fija, por la calidad y cantidad existente "around the world".  En éste caso es el debut de los brasileños Arcpelago. Un cuarteto casi instrumental, (no se prodigan en cantar demasiado, aunque lo hacen), que se acogen al sinfo-progresivo con momentos psicodélicos. 


 Estilo típico dentro de la historia del género en Brasil. Lo forman Jorge Carvalho (bajo), Renato Navega (batería), Eduardo Marcolino (guitarras) y Ronaldo Rodrigues (teclados y voz). Éste último fue miembro de los hard prog rockers, Massahara. Si bien  ese grupo se movía por terrenos lindantes con Uriah Heep o Deep Purple, lo de Arcpelago se aleja de esto considerablemente.  


Como así nos advierte "Sopro Vital" (11'08), con reinante Hammond bajo una cabalgada  trotona  de rítmica inteligente. Los solos de órgano y guitarra van repartiéndose una especie de tema-presentación de la banda, realmente estupendo. Por idioma y acometida de estilo, el Prog brasileiro me recuerda por lo general al italiano. En el caso de Arcpelago también,  pero su música abarca toda la historia del género de manera más amplia. Entrando sin problema en el kraut floydiano de Eloy, por ejemplo, cuando no emulando a los propios inventores del estilo.


"Distancia Entre Um  Dia  E Outro" (7'52) marca en su intro una perfecta compenetración bajo-distorsionado/batería.  Adornado por bello Rhodes, al que se une una bluesera guitarra, que acaba eyaculando un fino sólo con la ayuda del wah wah. Puede que te suenen a todo, o a nada en particular. Ese es el mayor don de Arcpelago.


"Ebulliçao Dos Tempos" (5'28) luce habilidades mooger-wakemanianas Ronaldo Rodrigues, tal vez no muy espectacular en la voz , lo que equilibra con su técnica a los vintage keyboards. Eduardo Marcolino es un guitarrista muy marcado por Gilmour, de pura cepa 70s, y junto a los teclados crean unos desarrollos excelentes, afincados en el sentir de ésa década. 



El ritmo del "You Fool No One" purpliano sirve para adentrarnos en "Cidade Solar" (6'48), que pronto es un enérgico tema psicodélico  donde el arcaico y maravilloso Hammond nos lleva a tiempos de Iron Butterfly, Vanilla Fudge, y ocho millones más del pelotón. Incluso me recuerda por momentos al progresivo español de la época,  en particular a Bloque. Eso sí,  la gilmouriana guitarra no nos abandona en la escucha. Realmente se le da bien la técnica Floyd a Marcolino. Phaser + acústicas,  mellotron de suave sabor Crimson/Moody, poético feeling de las seis cuerdas....

"Universos Paralelos" (2'33) suena tan típica,  (flauta emulada con el mello inclusive), que se diría se ha creado un puente dimensional entre aquella recordada década  y la actual. Realmente a nivel chungo, poco ha cambiado.Este corto tema enlaza con el final "Dentro de Sí " (9'51). Bajo a la Squire, organada inspirada en Tony Kaye,  jazzy drummer......"dentro de Yes", efectivamente.



"Simbiose" es un primer album muy majico,  entretenido y que se regodea en la historia clásica del progresivo con pasión de fan-total. Arcpelago son unos "geeks" del Prog que disfrutan de sus amores y gustos, y les importa una mierda lo de moda o no que puedan estar. Para eso ya están otros haciendo "pop prog", engañando al personal que todo lo traga. Lo que no quita para que sea un más que notable album para disfrutar sin prejuicios ni aburridos modernismos que no llevan a ningún lado. Y sí,  Steven Wilson,  estoy pensando en ti. Prefiero esto sin dudarlo. Arcpelago están tan ricamente en su zona de confort. Ponte cómodo y lo disfrutarás como ellos.
J.J. IGLESIAS


Temas
1. Sopro Vital (11:08)
2. Distância Entre Um Dia E Outro (7:52)
3. Ebulição dos Tempos (5:28)
4. Cidade Solar (6:48)
5. Universos Paralelos (2:33)
6. Dentro De Si (9:50)







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