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miércoles, 30 de noviembre de 2016

CRAFTY HANDS - Crafty Hands (1982) (colaboración J.J. Iglesias)

Con un nombre así pudiera parecer que estamos ante alumnos de los gigantes prog USA, Happy the Man, pero no. Aunque sí que procedían de unos grandes de dicho género, los inmensos Yezda Urfa. De los que tendremos que hablar por aquí,  sí o sí. Tras dos joyas con éste nombre, "Boris" (1975) y "Sacred Baboon" (1976), y visitar más de 300 discográficas sin éxito,  Yezda Urfa se desintegró.  Aún intentarían un último esfuerzo como cover band. Patético canto del cisne para cualquier grupo de la categoría de éste. 


Comenzando los 80, y viendo que eran malos tiempos para la lírica progresiva, crean su propio sello, Danger Dog Records y forman Crafty Hands tres de sus antiguos miembros: Phil Kimbrough (teclados), Rick Rodenbaugh (cantante solista extraordinario) y Mark Tippins (guitarras y bajo). Siendo el batería Denny Baker.

El estilo sigue siendo progresivo, pero adaptado a los nuevos tiempos. Dejan de lado las influencias Gentle Giant y los largos temas. Los nueve que compondrán para su homónimo debut del 82 no llegan a los cinco minutos. Eso no significa que éste no sea un bicho de venenoso progresivo disfrazado.

"Rush Hour", con su melódico jazz pomp,  pasa por repertorio de Ambrosia, Player, Little River Band o Maxus. Bajo tremendo a la Squire y voz muy andersoniana. Perfecto. 

"Wrong Again" sigue en territorio afirmativo era "Drama". O lo que hubiera sido XYZ si Squire y Page no fueran tan impacientes. El sólo de guitarra estremece, en medio de una ensalada pomp bien preparada.

La intro acústica de "You is Good" engaña en sus aires west Coast. A mitad torna en puro midwest con influencia de Yes-Queen-Starcastle. Bonito órgano y guitarras.

"Practical Gain" es otra bocanada de aire fresco softie.  Con la inicial flauta de Kimbrough recordando a Firefall. Si los Doobie Brothers tuvieran un (oscuro) pasado prog, sonarían así. Los teclados hacen un trabajo sobrio, a la vez que preciosista. La sección rítmica es placer de dioses durante toda la grabación. 

"Disc-O-Skitzo" es una quedada instrumental hacia la música que más daño les hizo en su anterior carrera. Le dan al funk-jazz ( banjo incluido!) consiguiendo un efecto similar a Weather Report. Verdadera clase.


En "Vodka Hell" atacan con rotundo hard rock pomp. Situate si te nombro el "Real to Reel" de Starcastle, o cualquiera de Zebra.

 "Suicide Mountain" vuelve al jazzy feel AOR de excelente factura. Que hicieran magistralmente Boz Scaggs, Michael Franks o los mismos Toto. La guitarra de Tippens es puro Larry Carlton. Seguimos en la misma deliciosa guisa en "I, or You", que me recuerda poderosamente a HeadEast, (Crafty Hands son de Indiana), en su construcción y forma vocal. Teclados deudores de Tom Coster o Jan Hammer. 

Finalizando con "Stage Fright", en subliminal estado bossa, y proximidad costa oeste. Cuenta con el solo de saxo del invitado Jeff Harbir. Clavado para un soleado disco de Pablo Cruise o Steely Dan.

Crafty Hands "elaboraron artesanalmente" un delicado álbum perfecto para las FM norteamericanas. Lo hicieron bien. Su estilo se comercializó por el mejor lado posible. Siempre íntegros con su compromiso de calidad. Que siguiera sin darles éxito ya no dependía de ellos. Échale la culpa al karma, voodoo, mal de ojo, o que entre sus integrantes había un gafe de cojones. Porque a éste disco, como los de Yezda Urfa, no se les puede poner peros. El consuelo de tontos es que esto mismo pasó en multitud de situaciones y bandas parecidas. Parece que construían discos para que el mercado coleccionista pudiera especular a gusto con ellos. En este caso, de 100 dólares en adelante. Con Yezda Urfa, más.Ç'est la vie.




Temas
1. Rush Hour. 4:02
2. Wrong Again. 3:08
3. You Is Good. 3:37
4. Practical Gain. 4:24
5. Disc-O-Skitzo. 3:18
6. Vodka Hell. 4:02
7. Suicide Mountain. 4:03
8. I, or You. 3:47
9. Stage Fright. 4:37


Formación:
Mark Tippins: guitarras
Phil Kimbrough: teclados
Rick Rodenbaugh: voz
Denny Baker: batería



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martes, 29 de noviembre de 2016

Papa Zoot Band ‎– swf-session 1973

Papa Zoot Band fue un grupo alemán que supo combinar las influencias musicales procedentes de Inglaterra con sus propias raíces alemanas y la fuerte corriente krautrock que dominaba el panorama de este país en la década de los 70. Lamentablemente no editó ningún disco oficial solo disponemos de grabaciones realizadas en la radio y en alguno de sus conciertos.


El grupo se formó a finales de los 60 por obra y gracia de Ernst Nadler (Voz). Poco a poco su popularidad fue más allá de  Frankfurt llegando a actuar junto a las bandas alemanas del momento como Guru Guru, Can, Creation etc. En el 73 consiguen grabar 4 temas en la radio alemana y un año más tarde actúan en un festival multitudinario en Essen. El grupo se separaría en otoño del 75.  Posteriormente se volvieron a reunir en una fiesta en el 78 que fue inmortalizada en el "Papa Zoot (Frankfurt) Last Concert ".


Papa Zoot Band nos ofrecen un rock progresivo mezclado con elementos hard típicos de los 70. El disco nos muestra dos etapas del grupo. La primera, compuesta de cuatro temas, está grabada en la radio alemana (SWF) en 1.973, De esta parte el tema que destaca es sin duda " Songs From Back Home ", grande su bajista Robby Matthes y por supuesto las teclas (Hammond) de  Reinhard  Grohé. La segunda parte consta de seis temas grabados en el club "Bunker" de Frankfurt en dos años diferentes (73-74). En los tres últimos t podemos disfrutar de buenos solos de guitarra a cargo de Lutz Sommer, La culminación llega con "Fly Away", tema de  más de 17 minutos que en todo momento nos recuerda a un grupo mítico ( seguro que lo adivináis). Atención al minuto 01:08:31 ¿que está sonando? Papa Zoot Band o el grupo que empieza por Pink y acaba por Floyd.




Temas
1 Driving High 00:00
2 Mr Good Society  03:36 
3 Hear Me When I'm Crying 08:24 
4 Songs From Back Home 13:26 
5 All The Girls 22:21 
6 Future In The Past 29:20
7 Song From Back Home 33:58 
8 Can't Be Myself 43:47 
9 Mr Good Society 52:21 
10 Fly Away 57:48 

Formación
 Robby Matthes - bajo, voz (02,04,06,07,09,10).
- Reinhard "Tammy" Grohé - teclados
- Christian Engel - batería, voz (05,07,08,09).
- Lutz Sommer - guitarra (08,09,10)
- Ernst Nadler - voz (01,03).
- Jean Shy - voz (02,04).




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lunes, 28 de noviembre de 2016

GIORGIO MORODER - Einzelganger (1975) (colaboración J.J. Iglesias) rock electrónico

Habitualmente asociado a los pioneros de la música disco y techno, no sorprende que las sesudas enciclopedias de electrónica seria  lo ignoren de manera escandalosa.


Italiano de nacimiento, alemán de adopción, Giorgio Moroder hizo algunos más que interesantes discos de prog-electrónica. Antes de convertirse en un oscarizado sintetista de alfombra roja, y pegar el pelotazo con Donna Summer y el sonido Múnich. Demostró tener la cabeza bien amueblada cuando uno de sus primeros pasos fue crear su propio sello, Oasis (posteriormente absorbido por Casablanca).

"Einzelganger" sería su quinto disco, totalmente inmerso (con excepciones) en el Dusseldorf sound. Utilizando el vocoder (voz+filtro electrónico = vocalización robotizada), exhaustivamente. Y mucho antes de ponerse de moda en los finales 70. De hecho, es un trasto inventado en los años 30. Aunque se le adelantó al amigo Moroder por los pelos, Kraftwerk un año antes, en su inmortal "Autobahn".

De ésta guisa comienza el tema-título,  en una composición perfectamente asociada al naciente estilo de Ralf, Florian y compañía. Esto es, melodía vocal minimalista, arropada por un sinfín de sonidos analógicos provenientes de su inmenso arsenal, bajo un hilo conductor secuenciado. 

Excelente entrante. "Aus" es el tema más extenso con sus casi siete minutos. Esto pudo ser autoría  de los Tangerine Dream más celebrados, pues la rítmica secuencial y melodías de sintetizador parecen obra de Franke-Froese-Baumann. Puro progresivo electrónico teutón,  imaginativo e ideado justo en el momento adecuado. 

"Warum" es un "menos es más " típico de Moebius-Roedelius, con voz procesada en bonita y simple melodía. Inspiró a los próximos discos de Kraftwerk? Podría ser, aunque por esas fechas, "ese" sonido estaba en el ambiente vanguardista alemán. Así que quién sabe. 

"Percussive" lo deja claro. Ejercicio secuencial a modo collage que no aburre por su constante metamorfosis rítmico -sonora.


La segunda cara se abre con "Good Old Germany". Voz nuevamente tratada con vocoder  (siempre con impecables sonidos, para nada aburridos), y amplia cobertura analógica kraftwerkiana. 

"Basslich" utiliza un bajo tocado por Moroder como instrumento secuencial, para guiar este pequeño experimento casi naif. Adjetivo éste  muy común en el sonido Dusseldorf.

 En donde continuamos con "Untergang", ejercicio de estilo que recuerda los planteamientos ciber-ambientales de Harmonia. Su bonita conclusión se adelanta al modo de hacer de un todavía desconocido Jarre. 

"Liebes-Arie" utiliza sonidos novedosos (para 1975) que lo emparentan aquí claramente con el Vangelis más sinfónico. Este hombre tiene recursos para todo. 

"Einzelganger (Reprise)" concluye a modo de epílogo  un interesante disco que demuestra la validez artística de Moroder. 

Más centrado posteriormente en labores de producción e ingeniería, aquí prueba ser un excelente sintetista, sin visos de comercialización,  curiosamente. A eso le cogería el gusto, y de qué manera, en años venideros.

P.D.- "Cuando Brian Eno escuchó "I Feel Love" (de Giorgio Moroder / Donna Summer), inmediatamente comprendió que se trataba de la música del futuro". (DAVID BOWIE)




Temas
1 Einzelgänger 4:28
2 Aus (The End) 6:50
3 Warum (Why) 3:08
4 Percussiv 3:55
5 Good Old Germany 5:08
6 Basslich 2:51
7 Untergang (Ruin) 3:59
8 Liebes-Arie (Love Song) 4:45
9 Einzelgänger 1:54



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domingo, 27 de noviembre de 2016

MEAT LOAF - Live at the Bottom Line 1977

Recuerdo perfectamente la primera vez que vi a Meat Loaf hace ya mucho tiempo (1983). Abría concierto para los Whitesnake, en aquella época todavía veía los conciertos en primera línea y puedo asegurar que fue impresionante ver la mirada de Meat a poco más de un metro. Absolutamente bestial. Su forma de interpretar los temas y su teatralidad dominaban por completo la escena. Un magnífico preámbulo para lo que vendría después con los Whtesnake.


En 1976 Meat Loaf y su amigo Jim Steinman por fin consiguieron  que alguien les hiciese caso, Todd Rundgren. Firmaron con Epic y comenzaron a grabar el exitoso "Bat Out of Hell" con la participación no solo de Todd, también estaba parte de la banda Utopía (Kasim Sultan, Roger Powell y Willie Wilcox) , Edgar Winter, y miembros de la banda de  E Street Band ( Roy Bittan y Max Weinberg). El disco se editó en octubre del 77 y fue y sigue siendo un auténtico bombazo.


La grabación nos presenta la actuación de Meat Loaf en el emblemático Botton Line de Nueva York el 28 de Noviembre de 1977.  El concierto comienza con una pequeña introducción "Great Bolero's of Fire (Godz) que enlaza con uno de los temas estrella, "Bat Out Of Hell". La banda va desgranando todos los temas del "Bat Out Of Hell" excepto el ""Heaven Can Wait"". Meat Loaf está acompañado por Jin Steinman al piano, los hermanos  Kulick a las guitarras, Steve Buslowe al bajo, Paul Glanz a los teclados, Joe Stefko a la batería y la inefable Karla DeVito como cantante femenina. Concierto cargado de emotividad, buen rock e interacción con el publico donde Meat  lo da todo como siempre. Se le puede perdonar que en algunos momentos su voz falle, posiblemente debido a que era su segundo concierto del día.





Temas
00:00:00 Great Bolero's of Fire (Godz) / Bat Out Of Hell
00:15:11 You Took The Words Right Out Of My Mouth (Hot Summer Night)
00:21:22 For Crying Out Loud
00:31:02 Paradise By The Dashboard Light
00:42:00 Love, Death, and the AMerican Guitar / Wasted Youth / All Revved Up With No Place To Go
00:54:36 River Deep Mountain High
01:03:23 Two Out Of Three Ain't Bad
01:12:039 All Revved Up (Reprise)


Formación
Bob Kulick: guitarra
Bruce Kulick: guitarra
Steve Buslowe: bajo, voz
Jim Steinman: piano, voz
Paul Glanz: teclados, voz
Joe Stefko: batería
Karla DeVito: voz
Rory Dodd: voz
Meat Loaf: voz



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sábado, 26 de noviembre de 2016

DIFICIL EQUILIBRIO - Difícil Equilibrio (1997) (colaboración J.J. Iglesias) rock progresivo español

De las cenizas del grupo catalán Clan (1985 - 1989) , Luis Rodríguez (batería,  ritmos,  efectos) y Alberto Díaz  (guitarras), forman Difícil Equilibrio en los primeros 90.


El nombre venía de un antiguo tema de Clan titulado "Los del Difícil Equilibrio". Totalmente influidos por las nuevas sonoridades de la guitarra y sus afinaciones,  predicadas por Robert Fripp, y habiendo asistido a sus cursos en la Guitar Craft, editan su debut homónimo en 1997, en Liquid Records. Esto sería poco antes de convertirse definitivamente en un trío. Así pues, y todavía como dúo,  ( con invitados al bajo, chelo,  voz soprano...), su primer disco todavía es recordado vivamente por lo que de rompedor tuvo en la escena prog española. Nadie, que yo recuerde, se había atrevido en éste país  a adentrarse en esa espesa y enigmática jungla que es la Real Academia Crimsoniana. O La Casa de los Frippoides, por tomar terminología de "Dune".


Ellos lo hicieron sin temor, con decisión y solvencia. Los ritmos bateristicos  de Luis Rodríguez se meten en vericuetos matemáticos cercanos a Bill Bruford, ( si bien no usa su misma afinación percusiva ). La maquinaria rítmica apabulla en "Naufragio". Y la esquizofrenia del inminente nuevo siglo, se adueña de las seis cuerdas de Alberto Díaz. No tratan de enmascarar su pasión por la secta King Crimson. Y me parece muy bien. "Ella Hiel" tiene un mucho de "Discipline", pero también profetizan el math rock, el djent,  el stoner instrumental y cualquier tendencia de ahora mismo. Esto suena como hecho ayer. Y es que ser miembro de la secta, tiene sus ventajas. Entre ellas, que el Sumo Sacerdote Carmesí te desvele secretos y te adelante tendencias de vanguardia veinte años antes.

"Malva Bruma" posee un sabor ambiental que la asemeja a un instrumental de Rush en los 80. "Messidor" tiene un tratamiento más estándar,  dentro de lo que cabe, y hasta le hubiera quedado bien una voz.

"Llanto" recuerda en su forma ( y no sólo aquí ), a los personales arpegios guitarristicos de Juan Valdivia (Héroes del Silencio). Curioso cómo a veces los extremos se tocan.

"Despertar a la Utopía " es otra "disciplinada"pieza. El chelo y la voz soprano aportan sonoridades fílmicas sombrías. 


"A. S. Prisma" es otro de mis desfases favoritos. Vuelvo a lo de antes. Esto parece compuesto en la actualidad. Sonido, cambios, arreglos y cortes, están dibujando increíblemente el futuro próximo. Viajeros del tiempo?.....

"Damoiselle Eludida" es esperar al siguiente inesperado segundo. "Esperar el Olvido", otro instrumental "outtake" de "A Farewell to Kings" / "Hemispheres". Y "Un Final", un primer tanteo al kraut rock, posteriormente más visitado.

Para terminar, como no podía ser de otro modo,"Fracture".
Da juramento de eterna lealtad a su Gurú,  Mr. Robert Fripp.
Después de éste pedazo de debut, se afianzarian como trío.Si bien sólo Luis Rodriguez sobrevive a la primera formación.  Entrarían en Musea (Santa Casa Prog), y van camino de la decena de trabajos.

"Difícil Equilibrio " fue nombrado "Mejor Disco de Vanguardia del 97" en el programa Discopolis de Radio 3.

Porqué no me extraña?



Temas
1.- Naufragio
2.- Ella hiel
3.- Malva bruma
4.- Messidor
5.- Llanto
6.- Despertar a la utopía
7.- A.S. prisma
8.- Damoiselle eludida
9.- Esperar al olvido
10.- Un final
11.- Fracture (a Bridged)




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viernes, 25 de noviembre de 2016

FRANK ZAPPA - LIVE AT CARNEGIE HALL 1971 (colaboración Alberto Torró)

Realmente fue una lástima que en los 70´s no pudiéramos disponer de grabaciones de la obra de Zappa como el disco que nos ocupa. Los discos live de los primeros Mothers Of Invention se reducían a grabaciones de vinilo piratas que además tan solo los buscadores más empedernidos y entusiastas conseguían. En realidad el primer oficial en directo de Zappa fue aquel Live at the Fillmore, algo escaso de chicha musical y pobre ejemplo de lo que décadas después ha demostrado lo contrario. 


Tenemos nada menos que un cuádruple CD grabado en el Carnegie Hall Neoyorkino que recoge la única actuación que los Mothers realizaron en tan afamado recinto. Pudimos escuchar a los gamberretes Flo & Eddie en Just Another Band For L.A y en el citado Fillmore, únicos LP´s  oficiales en directo de la época, pero que ninguno de los dos hace justicia a esta interesante referencia editada en 2011. 


Tengo que reconocer que difícilmente he soportado a estos dos enfermos del falsete y la opereta. Al público norteamericano le hará mucha gracia, no lo dudo. Pero para a los que el humor yanqui se nos hace incomprensible y además no entendemos fluidamente el inglés, se nos hace un ladrillo indigerible (Billy The Mountain for example). Evidentemente ambos ejercían la labor encomendada de las neuras de Frank, con toda la guarrería y las gracietas surrealistas literarias habituales. Pero aun con todo, esta segunda encarnación de los Mothers setenteros es musical e instrumentalmente brillante y entretenida. En aquella época toda figura importante del rock pasaba por el Carnegie Hall y Zappa naturalmente no iba a ser la excepción, y un 11 de octubre de 1971, hizo dos únicos pases que son los que se recogen íntegramente en esta grabación desempolvada de sus muchas cintas de ruta. 


El sonido es mono pero eficazmente remasterizado para la ocasión y el programa transcurre a través de sus mejores composiciones hasta el momento y tocadas en muy diferentes versiones a las de estudio como era su norma. A diferencia de la mayoría de los grupos que casi siempre calcan nota por nota su discos en directo, Zappa alteraba y modificaba a placer sus propias composiciones. Por eso son tan interesantes sus conciertos en vivo. Jamás escuchabas lo mismo dos veces, ni de la misma manera. Tanto cada solo o cada arreglo poseen cada vez diferentes perspectivas y eso lo agradece el oyente. Según yo lo veo, esa debería ser la actitud de cada músico que sale a un escenario, la de saber reinventarse y no contentarse con repetir como un autómata lo que ha escrito en el papel. La capacidad de inventiva y de reinterpretarse en directo marca la diferencia entre el genio o la rutina. Zappa en eso fue puro genio. Jamás repitió un solo igual a otro. Lo remodelaba todo.                                                      

                                                                                                         Los Mothers de 1971 conservaban aun en sus filas a Ian Underwood y a Don Preston más al bajista Jim pons y al batería Aysley Dunbar (futuro Journey). Por enésima vez escuchamos el King Kong con extrañas y sugestivas improvisaciones de órgano y mini moog en 30 enloquecidos y fantásticos minutos de diálogos instrumentales con Zappa haciendo diabluras con la guitarra y que no tienen precio. Rarezas como la suite “Divan” (futuro sofá) y salvajadas de casi 50 mtos con el Billy The Mountain con 13 mtos instrumentales imprescindibles y el resto una delirante historia para quién guste de culebrones y diálogos infinitos. En definitiva un mastodóntico concierto dos meses antes de que un gracioso hooligan lanzase por los aires a Frank al foso del escenario y éste acabase en una silla de ruedas por unos cuantos meses. Pero eso es otra historia ya contada. Este disco hay que tenerlo.

CD1


Temas
1."Hello (To FOH)/Ready?! (To the Band)" 00:00
2."Call Any Vegetable" 01:03
3."Anyway the Wind Blows" 11:40
4."Magdalena" Frank Zappa/Howard Kaylan 15:39
5."Dog Breath" 21:47


CD2


Temas
1."Peaches en Regalia" 00:00
2."Tears Began to Fall" 04:24
3."She Painted Up Her Face/Half A Dozen Provocative Squats/Shove It Right In" 06:55
4."King Kong" 13:27
5."200 Motels Finale" 43:52
6."Who Are the Brain Police?" 47:34

CD3


Temas
1."Auspicious Occasion" 00:00
2."Divan: Once Upon a Time" 02:45 
3."Divan: Sofa #1" 08:25
4."Divan: Magic Pig" 11:37
5."Divan: Stick It Out" 13:19
6."Divan: Divan Ends Here" 18:13
7."Pound for a Brown" 22:30
8."Sleeping in a Jar" 28:33
9."Wonderful Wino" (Frank Zappa/Jeff Simmons) 31:20
10."Sharleena" 37:05
11."Cruising for Burgers" 41:57 

CD4


Temas
1."Billy the Mountain - Part 1" 00:00
2."Billy the Mountain - The Carnegie Solos" 28:33
3."Billy the Mountain - Part 2" 42:03
4."The $600 Mud Shark Prelude" 47:40
5."The Mud Shark" 49:07





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jueves, 24 de noviembre de 2016

FAR EAST FAMILY BAND (colaboración Alberto Torró) rock progresivo japonés

A medio camino entre la psicodelia, el rock ácido, el space rock y la electrónica los Far East Family Band fueron uno de los primeros grupos progresivos japoneses en la década de los 70 y también como en el caso del percusionista y compositor Stomu Yamashta, de los escasos privilegiados asiáticos con renombre internacional gracias a la promoción del mecenas germano de la electrónica Klaus Schulze. Por sus filas pasó por entonces joven teclista y posterior superventas Kitaro.

Los Far East fueron calificados como una especie de Pink Floyd a la japonesa, yo diría que más por el estilo que practicaban, que por la forma en sí. Esa influencia personalmente la encuentro muy remota, pues incluso a veces suenan a los grupos acústicos y hippiosos de la costa oeste californiana con sus ingenuidades sonoras incluidas.


Con la entrada de Kitaro en 1975 optan más por la onda del space rock y de los secuenciadores electrónicos típicos del krautrock. Las piezas se hacen por momentos demasiado largas y lánguidas. Naturalmente hay que aclarar que fueron épocas de desparrame y “cuelge” y de estar tirado con alucinógenos. Un ligero toque sinfónico también encontramos al final de sus temas más pomposos y hasta un gracioso aire popero en las voces. El lado más original del grupo está en la inclusión de sonidos étnicos con instrumentaciones acústicas orientales como flautas, percusiones, etc.

En general son muy agradables de escuchar y no molestan en ningún momento

Discografía:
The Cave Down To The Earth (1975)





Temas
Undiscovered Northern Land 
Birds Flying To The Cave Down To The Earth 
The God Of Water 
Saying To The Land 
The God Of Wind 
Moving, Looking, Trying, Jumping In A Maze 
Wa, Wa (Yamato) 
Mystery Of Northern Space 
The Cave, Down To The Earth 
Four Minds 
Transmigration


Nipponjin (1975)




Parallel World (1976)

Artículo sobre este disco a cargo de J.J. Iglesias en este enlace: Parallel World




Temas
1 - Metempsychosis 0:00 
2 - Entering/Times 4:47
3 - Kokoro 20:41 

4 - Parallel World 29:52 - Amanezcan - Origin - Zen - Reality - New Lights - In The Year 2000

                                           Tenkujin (1977)








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miércoles, 23 de noviembre de 2016

SALAMANDER - The Ten Commandements(1971) (colaboración J.J. Iglesias)

No cabe duda que la influencia de la ópera rock "Jesuschrist Superstar" fue impactante en el pop ( por entonces la palabreja odiosa ésta lo englobaba  todo).


Concretamente fue terreno abonado para la naciente prog music. Soy de la opinión de que la misma famosa ópera lo era. Desde los argentinos Vox Dei con "La Biblia", hasta Il Rovescio Della Medaglia con el mismo título en Italia, o sin salir de allí,  J.E.T. con "Fede, Speranza y Carita". Son legión los discos de rock más o menos prog, que se han dedicado al tema. Que da para mucho más que las obras de Tolkien. Si quieres sangre, sexo, guerras, acción y putadas varias, nada como la Biblia. Menudo blockbuster. Rizando el rizo de esa tradición italiana, no sorprende que el líder de Le Orme,  Aldo Tagliapietra,  le pusiera música al reciente disco "rap" del Papa.

Pero éste de hoy salió en UK, como un patito feo de la onda prog + orquesta que por entonces era lo más. Tampoco es que abusen en exceso de ella, por fortuna. Quizá en el comienzo, "Prelude Incorporing He's my God's" (7'15). Que por momentos parece la banda sonora de un "peplum" (digo yo que toda película bíblica lo era), con sus consabidos empalagues puntuales. Con el transcurrir del disco, vemos que Salamander  eran unos competentes psiconautas producto absoluto de su época.  Dave Chriss (bajo), John Cook (batería ), Alister Benson  (órgano y voces) y Dave Titley (cantante solista y guitarra).


La preponderancia del órgano sobre la guitarra, y una magnífica sección de ritmo, hace que el balance entre psicodelia, proto-progresivo y brass band (no olvidemos la orquesta en sus arreglos) sea más que equilibrado.

Las armonías vocales de Titley y Benson son estupendas. Así como la voz solista. El trabajo del órgano  nos los aproxima a unos primeros Deep Purple, Rare Bird o Cressida. Los momentos hard Soul nos recuerdan a The Crazy World of Arthur Brown (incluso a nuestros primeros Canarios). Aunque está claro que el punto referencial es "Days of Future Passed" de Moody Blues.

El disco transcurre en una positiva audición. Reconozco que mejor tras posteriores escuchas. Y es un perfecto retrato de su tiempo. Uno se maravilla de cómo la música de un determinado momento puede reflejar tan bien éste. 

Es un disco curioso, que gustará a seguidores de los nombres expuestos. Y es que la Swingin' London lo invadía todo. Hasta las (J.J.) Iglesias! !!!



Temas
1 Prelude Incorporating He Is My God 7:16
2 Images 3:23
3 People 2:50
4 God's Day 2:26
5 Honour Thy Father And Thy Mother 1:38
6 Kill 3:30
7 Thou Shalt Not Commit Adultery 3:07
8 Steal 4:19
9 False Witness 3:53
10 Possessions 3:16

Formación
Dave Chriss: bajo
John Cook: batería
 David Titley: voz, guitarra
 Alister Benson: teclados, voz




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martes, 22 de noviembre de 2016

Ave Rock - Espacios (1977)

Ave rock fue uno de los grupos más representativos del rock progresivo argentino en la década de los 70. Su dos discos son dos tesoros que el tiempo se encargó de ocultar. Por todo ello y por mucho más merecen ser recordados en Rockliquias.


Luis Borda,  Marcelo Saborido , Federico Sainz y Oscar Glavic forman la banda a finales de 1972.  Antes de su presentación, en junio de 1973, Marcelo abandona el grupo siendo sustituido por Daddy Antogna y el teclista Osvaldo Calo. En mayo del 74 llega su primer disco, " Ave Rock", que les da la oportunidad de realizar una gira por el país.  Se producen diversos cambios en su formación hasta llegar en el 75 a la grabación de su segundo LP, "Espacios", que se editaría en 1977.  Poco después la banda se separaría .


Este segundo disco de Ave Rock contiene tres temas, dos de ellos de larga duración, de música progresiva al estilo de los grupos británicos de los 70. Posiblemente el que más encajaría sería "Yes". Su primer tema, "Pausa En Espacios" (21:13), contiene numerosos cambios de ritmo y pasajes instrumentales a base de buenos teclados que nos hacen recordar al grupo liderado por Jon Anderson. El segundo corte, "4.30 En El Universo", es el más corto y donde  predomina el aspecto vocal, para mi gusto la parte más floja de la formación. La grabación se cierra con "Surcos En El Aire" (15:20), nuevamente progresivo mezclado con algo de jazz-rock. La producción podría ser mejorable.





Temas
1 Pausa En Espacios 21:13
2 4.30 En El Universo 4:45
3 Surcos En El Aire 15:20


Formación
 Oscar Glavic: bajo, voz
 Héctor Ruiz: batería
 Francisco Arregui: guitarra, voz
Alfredo Salomone: teclados
 Federico Sainz: voz, guitarra



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lunes, 21 de noviembre de 2016

MIKHAIL CHEKALIN - Meditative Music For a Prepared Electric Organ Vols 1&2 (1979-1982) (colaboración J.J. Iglesias) rock electrónico

Nacido en Moscú en 1959, Mikhail Chekalin es otro imprescindible de la electrónica Soviética. Compositor de sinfonías de todo pelaje, música de cámara,  avant garde, Free jazz, soundtracks, new age o post-pop (así lo señala su bio, e indagando, resulta que se refieren al rock progresivo!).


No lo tuvo nada fácil el amigo Mikhail en sus inicios, allá en los 70. A pesar de requerir inmunidad política,  en su lugar se encontró  con todo tipo de trabas administrativas para desarrollar su música. Y el ninguneo y la censura del funcionariado estatal dentro de la USSR Composers Unión. Además de una estrecha vigilancia por parte de la KGB. Delicioso panorama.

Frecuentemente comparado con Klaus Schulze, esto puede ser acertado sólo a medias. Si algo he aprendido en mi afán investigador con los sintetistas soviéticos,  es su personal idiosincrasia. Comenzando por sus equipos y modulares electrónicos  bien distintos en la mayoría de veces a los de Occidente. Sus sonidos y estilos difieren sensiblemente para alegría del oyente. Aunque la sombra de la Berlín School sea muy alargada. Y eso se nota en éstos trabajos destinados para la M'Ars Gallery of Modern Art.  Dos volúmenes que forman parte de unas series de 12 lps. 


Éstos fueron tocados e improvisados en directo en las mismas galerías de arte por Chekalin. Recordemos que el avant kraut alemán comenzó desde esos mismos ámbitos. Como anécdota os diré que un amigo mío iba a hacer una exposición en la Facultad de Bellas Artes, aquí en Zaragoza, e intentamos insistentemente que fuera ambientada por mis teclados, bajo mi proyecto Pluralis. Después de mucho hablar, consegui que me dieran....media hora!!!! Huelga decir que por ese tiempo ni me despeino. Así está el patio cultural, señores. Ah, y no les iba a cobrar ni un duro. Corramos un estúpido velo y prosigamos.

A pesar de que Chekalin utiliza durante todo el tiempo nada más que un órgano,  nadie lo diría.  Lo de "preparado" se lo lleva a conciencia. La gama de sonidos y efectos aquí expuesta es ilimitada. Consiguiendo emular secuenciadores, cuando no sintetizadores de cuerda o de cualquier otro tipo. También extrayendo voces corales que él mismo aporta con su voz y un harmonizer. Recordando inquietantes pasajes de película de ciencia ficción de los años 50. Al igual que los sonidos extraídos,  de gusto intachable, con la cómplice truculencia de delays, ecos y todo tipo de efectos que a priori pudieran parecer efectuados con un montón de artefactos. Si algo aprendió Mikhail es a desenvolverse con poco, cuando los tiempos no fueron a su favor.


La música aquí incluida, y que se desarrolla en largas suites de tema por cara, es ante todo, onírica. Si tuviera una experiencia cercana a la muerte (ECM), y de hecho tuve una, me hubiera gustado tenerla de fondo. La influencia de la clásica contemporánea se hace muy patente, recordando a Grieg, Messiaen, Schonberg, Dvorak, Tchaikovsky, Stravinsky y todos sus antepasados rusos. Por la parte "actual', estaría aproximado a Terry Riley, Peter Michael Hamel o Robert John Godfrey. Poca broma.

Prepárate para un viaje astral que dejará a los del Doctor Strange en modo Ryanair. Delicioso y ensoñador surrealismo que sin embargo, entra en la psyche de un oyente no demasiado desequilibrado con facilidad, gracias a sus envolventes melodías. Chekalin tiene una vasta obra grabada. Pero con oír sólo ésta ya comprobarás que nos enfrentamos a un GENIO.

P.D. - " Es lo que yo hago. Como muchos otros que no imaginan que Wagner es el origen de todo esto " (KLAUS SCHULZE)


Volumen 1


Temas
01 Медитация С Ритм-Биенем (Meditation With Rhythm-Beating) 0:00
02 Звуки Краси (Sounds Of Colour) 31:02


Volumen 2


Temas

01 Две Симфониетты Воздуха Версия 1 (Two Symphoniettas Of The Air: Version 1) 0:00
02 Две Симфониетты Воздуха Версия 2 (Two Symphoniettas Of The Air: Version 2) 9:05
02 Adagio 22:25
03 Медитация С Колокольчиками (Meditation With Little Bells) 27:42
04 Что-то Легкое И Красивое В Тумане (Something Light And Beautiful In The Fog) 47:17




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domingo, 20 de noviembre de 2016

LEON RUSSELL - Fillmore East 1970

Lamentablemente es casi diario el goteo de estrellas que nos van dejando, esta semana le ha llegado el turno a Leon Russell. Está claro que el paso del tiempo es inexorable y que sin apenas darnos cuenta nos vamos haciendo mayores.


En 1971 Leon Russell ya llevaba años en la carretera, Había escrito temas de éxito para gente como Gary Lewis & the Playboys, y sobre todo el "Delta Lady" del primer disco de Joe Cocker, incluso participo en el disco y la gira del "Mad Dogs and Englishmen". También se había curtido con los  Delaney & Bonnie, participando en discos y giras. Junto a  Marc Benno editó el disco "Look Inside the Asylum Choir". Y por fin en 1970 llegaría su primer disco "Leon Russell" y un año más tarde llegaría "Leon Russell and the Shelter People". La lista de colaboraciones de Leon es infinita y su carrera es tan extensa que nos llevaría varios días contarla.



La grabación nos muestra la actuación de Leon Russell el 21 de Noviembre de 1971 en el mítico Fillmore East. Ese día compartía cartel con un emergente Elton John. El disco contiene veinte temas donde Leon Russell nos muestra todo su potencial mostrándonos su parte más intimista con su piano y voz, y la parte más rockera acompañado de una excelente banda con Don Preston y Joey Cooper a las guitarras, John Callie a los teclados, David Hood al bajo, Roger Hawkins a la batería y por supuesto unos magníficos coros a cargo de Claudia Lennaer y Kathi McDonald. El setlist está compuesto fundamentalmente por su primer disco, "Leon Russell", editado el año anterior. Como curiosidades tenemos a Don Preston cantando en "Sweet Little Angel" o la participación de Elton John en "Roll Away The Stone ". Por supuesto el tema destacado es su exitoso "Delta Lady ". El fin de fiesta lo pone su versión del "Great Balls Of Fire ".



Temas
00:00 Bill Graham Intro/Girl From The North Country 3:58 
03:58 A Song For You 5:02 
09:00 Get Out Of My Life Woman 4:26 
13:26 Slippin’ And Slidin’ 2:54 
16:20 Dixie Lullaby 3:12 
19:32 I Put A Spell On You 3:22 
22:54 It Takes A Lot To Laugh It Takes A Train To Cry 4:28 
27:22 Pisces Apple Lady 3:18 
30:40 Sweet Little Angel (Don Preston vocals) 5:50 
36:30 Blues Power/Shoot Out On The Plantation 5:00 
41:30 Hummingbird 4:43 
46:13 Crystal Closet Queen 2:58 
49:11 Prince Of Peace 3:57 
53:08 Give Peace A Chance 1:49 
54:57 Masters Of War 1:30 
56:27 Give Peace A Chance 1:31 
57:58 Delta Lady 4:21 
1:02:19 Roll Away The Stone 6:47 
1:09:06 Roll Away The Stone (reprise; with Elton John) 5:26 
1:14:32 Great Balls Of Fire 3:00 

Formación
Leon Russell - voz, piano, guitarra
Claudia Lennaer - Voz
Kathi McDonald - voz
Don Preston : guitarra, voz
Joey Cooper - guitarra, voz
John Gallie - teclados, voz
David Hood - bajo
Roger Hawkins - batería



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