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jueves, 30 de junio de 2016

ARS NOVA (colaboración Alberto Torró) (rock progresivo japonés)

Trío femenino bastante popular en los circuitos neoprogresivos que data de 1.992. No es muy normal un grupo femenino de rock sinfónico a lo Emerson, Lake and Palmer pero este es el caso. Las Ars Nova poseen una técnica instrumental que para sí querrían muchos otros.

La banda gira en torno a la teclista Keiko Kumagai que potencia una imagen sexual un tanto oscura e inquietante como salida de los cuadros de Dalí o H.R. Giger.

La música prácticamente instrumental roza la exactitud y la épica desmedida entre el inicial rock sinfónico de sus primeros discos con tendencia cada vez más heavy metalera en sus últimas producciones.

Con todo son muy recomendables para los que gusten del brío y la música tecnificada.

Discografía:

Fear and Anxiety (1.992)





Transi (1.994)




The goddess of Darkness (1.996)




The Book of the Dead (1.998)



Android Domina (2.001)



Lacrimaria (2.001)


Biogenesis Project (2.003)




                                  Seventh Hell (2.009)







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miércoles, 29 de junio de 2016

HOME - The Alchemist (1973) (colaboración J.J. Iglesias) (rock progresivo)

Esta banda británica se fundó a partir de dos miembros provenientes de Sugar. Cliff Williams (bajo, voz) y Laurie Wisefield (guitarras solistas, voz). Completaban el cuarteto Mick Stubbs (voz solista, piano, guitarras) y Mick Cook (batería). Si bien en los comienzos les apoyaba a los teclados Clive John, procedente de los fabulosos Man. Su estilo básculaba entre éstos últimos,  Wishbone Ash,  Help Yourself, Arc, Pretty Things y otras bandas de similar calibre prog-púb rock.


Fichados por CBS, editan en el 71 "Pause for a Hoarse Horse". La elegancia de sus composiciones tiene como recompensa una excelente reputación en el circuito rockero británico. Abriendo para Led Zeppelin, Argent, The Faces o Jeff Beck Group. La realeza de los mediados 70.

En el 72 continúan la racha con "Home". Otro paso adelante que recibió excelentes críticas  y que los lleva a apoyar la gira de Mott the Hoople.

Para el 73 deciden embarcarse en un álbum conceptual basado en el libro "The Dawn of Magic", que había leído Mick Stubbs. El cual escribe la historia junto a David Skillin, autor de todas las letras. El concepto trata sobre dos muchachos y su encuentro con un misterioso anciano que resulta ser un alquimista. Esto cambiará sus vidas.

Todo lo bueno cosechado con sus dos álbumes anteriores se concentra, más refinado si cabe, en "The Alchemist ".

Ahora el teclista de apoyo es Jimmy Anderson (piano, órgano, mellotron y sintetizadores). Las armonías vocales de tres de sus miembros ofrecen una clara línea a seguir dentro de un decidido rock progresivo que gana en exquisitez melódica. 

Grabado en los famosos Rockfield Studios con Pat Morán como ingeniero jefe, no es de extrañar que la sombra de Spring pueda acercarse a sus bucólicas canciones-capítulos. Para nuestra alegría. Suma la intachable producción de John Anthony (Genesis),  para elevar la credibilidad prog de este trabajo.

Todo el disco se encuentra inmerso en un contínuo desarrollo de la historia. Por lo que no encontramos cortes ni parones. Digamos que a la manera de un modesto "Thick as a Brick", aunque el estilo de Home nada tenga que ver con el de Jethro Tull. 

Las guitarras de Laurie Wisefield brillan en finura y solos muy bien trabajados. Acercándose a la clase de un Steve Howe, por la influencia americana que ambos atesoran en su técnica. Esto es puro progresivo inglés de mediados 70. Con todas las virtudes ( yo no veo defectos) que ello conlleva. Los teclados de Anderson tienen claro su papel de apoyo, que no secundario. Pudiendo recordar a Tony Kaye en "The Yes Album". Adornan con clase, pero no abruman. 

Particularmente la cara b se muestra más efectiva en cuanto a arreglos complejos y desarrollos instrumentales de bello lucimiento. Y, sobretodo aquí,  sería a Yes a la banda grande que más pudiera parecerse. Aunque Wisefield también gusta de emular efectos al modo de un Jimmy Page.

Estamos ante un olvidado y talentoso concept-album que en ocasiones está más  cerca de "S. F. Sorrow" que de "The Lamb..." Pero que encierra una extraña magia y fascinación progresiva.
1974 sería el año de ruptura de Home,  no sin antes dejar grabado un cuarto disco que sigue en algún polvoriento estante, a la espera de ser rescatado. Y aún les daría tiempo de ser la backing band para Al Stewart.

El batería Mick Cook se iría con The Groundhogs. Pero serían los miembros fundadores, los que mejor destino llevaron. Laurie Wisefield a Wishbone Ash. Y Cliff Williams, a Bandit del 75 al 77. Para entrar poco después en AC/DC y convertirse en el miembro más  veterano del grupo, detrás de Angus Young.
Curiosos y "alquímicos" raíles del destino......



Temas
1. Schooldays
2. The Old Man Dying
3. Time Passes By
4. The Old Man Calling (Save The People)
5. The Disaster
6. The Sun's Revenge
7. A Secret To Keep
8. The Brass Band Played
9. Rejoicing
10. The Disaster Returns (Devastation)
11. The Death Of The Alchemist
12. The Alchemist
13. Green Eyed Fairy (bonus track)
14. Sister Rosalie (bonus track)
15. Hayward Town (bonus track)


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martes, 28 de junio de 2016

PURE FOOD AND DRUG - Choice Cuts 1972

Nuevamente hablamos en Rockliquias del gran guitarrista Harvey Mandel, lo cierto es que su vida daría para escribir toda una enciclopedía, esta vez lo tenemos junto al violinista Don "Sugarcane" Harris  en el proyecto "Pure Food and Drug".


La banda fue fundada por Don "Sugarcane" Harris a comienzos de los 70. Su formación inicial estaba compuesta por Don Harris (violín, voz), Paul Lagos (batería),  Larry Taylor (bajo) y  Randy Resnick, conocido como precursor de lo que más tarde se conocería como "tapping".  Antes de grabar su primer disco abandonan el barco Taylor y Resnick siendo sustituidos por   Victor Conte y Harvey Mandel.  En el 72 llegaría " Choice Cuts" y poco más podemos contar.



La grabación nos ofrece una actuación de los Pure Food and Drug celebrada en  Seattle en 1972. Su música se mueve  entre el rock blues, jazz y funk. Los protagonistas destacados son el guitarrista Harvey Mandel y el violinista " Don Harris, sus duelos son constantes. La grabación comienza con la introducción del músico local Jim Luff, nada que ver con el resto del material. Siete temas donde destaca por encima de todos su versión de  "Eleanor Rigby" de The Beatles, más de 11 minutos de desfase entre Harris y Mandel. En "Where's My Sunshine?" la sección rítmica (Victor Conte y Paul Lagos) tienen su momento de gloria con sendos solos. 



Temas
01. Introduction: Jim's Message - 00:00 
02. My Soul's On Fire - 01:42 
03. 'Till The Day I Die - 05:56 
04. Eleanor Rigby - 13:05 
05. A Little Soul Food - 24:53 
06. Do It Yourself - 28:56 
07. Where's My Sunshine? - 33:16 
08. What Comes Around Goes Around - 42:11 


Formación
- Don "Sugarcane" Harris - violín eléctrico, voz
- Harvey Mandel -guitarra
- Randy Resnick - guitarra
- Victor Conte - bajo
- Paul Lagos - batería

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lunes, 27 de junio de 2016

WOLFGANG DUREN - Eyeless Dreams (1981) (colaboración J.J. Iglesias) música electrónica

Este sintetista alemán fue roadie e ingeniero de sonido para Tangerine Dream durante su Tour mundial de 1980. Así que no es de extrañar que el trabajo de los Dream le inspirara hasta el punto de picarle el gusanillo creativo también a él. 


En el 81 editó privadamente (WPL) su único disco conocido, "Eyeless Dreams". Usando exclusivamente material moog y los nuevos sonidos del PPG. Marca de la que luego sería distribuidor.
Los cinco cortes del álbum cuentan con un estilo muy similar a los Tangerine Dream de "Force Majeure", "Tangram", o lo hecho en solitario por esas fechas por Edgar Froese.

En "Eyeless Dream" (8'17) impera una bonita secuenciación que sustenta un buen eje melódico de solos sintetizados. Onirismo épico con una buena carga de dramatismo al más puro estilo de la gran trilogía Froese-Franke-Baumann. Esto caracterizara al resto del álbum. 

"Phila" (9'53) también ofrece improvisaciones de su propia cosecha. Demostrando que Duren es un buen mago de la fantasía EM. Símiles con otro ex-Tangerine,, Conrad Schnitzler, serían acertadas. Pura síntesis introspectiva para meditación interior del cuerpo/alma/mente. La electrónica bien entendida. Puente perfecto hacia logros biomecanoides, que diría el gran H. R. Giger. Maravilla cinetico-auditiva y mi favorita del disco.


La cara b nos sorprende con "904" (5'57), en un ensayo cuasi-comercial compuesto con astucia felina. No demasiado alejado del Jarre de los primeros tiempos. Así que muy bien. Da gusto escuchar solear a Duren con gruesos sonidos moog de fuerza irresistible. Por momentos recuerda al mismísimo Peter Bardens. Recordándonos que esto es, al fin y al cabo, rock progresivo.

En "Protón " (8'17) asistimos a un claro ejemplo kraut de primera generación. De atmósferas góticas  y burbujeantes efectos modulares. Que estallan sorpresivamente en secuencias más contemporáneas  Jarre style. El desarrollo melódico es soberbio, así como su resolución  inyectada de kosmische musik.

Finalmente "Eyeless Dream Part II" (5'48), incluye spoken words a cargo de Bettina Weber. Es un corte de claro misterio, perfecto para aplicarlo a un film de terror-suspense. La voz en alemán de la Weber crea una conseguida inquietud. Que con la electrónica sabiamente usada por Duren, consiguen el efecto sombrío perfecto.
Como curiosidad, mencionaré que "su eminencia" Eminem, sampleo "Eyeless Dreams" para su "Evil Twin" sin ponerse colorao. Que grandes talentos, que tienen que fusilar la obra de otros para su propio mérito. Indignante.
En 1982 se vio a Wolgang Duren tocar con Ernst Fuchs  y Harald Meurer. Al año siguiente lo haría por Ámsterdam.
Para dedicarse posteriormente a la construcción  y distribución de sintetizadores.

"Eyeless Dreams" es una pequeña joya de este inmenso tesoro cultural que supone la prog-electrónica. Tiene todos mis respetos
.
P. D. - "La percepción del público es la parte interesante. Si el público no escucha lo que se está haciendo, se está o no haciendo?" (ROBERT FRIPP)



Temas
A1 Eyeless Dream I 00:00
A2 Phila 08:20 
B1 904 18:20 
B2 Proton 23:55 
B3 Eyeless Dream II 33:14




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domingo, 26 de junio de 2016

Santana - Live At The Fillmore 68

Aprovechando que este año (2.016) Santana ha editado un magnífico disco, "IV", en el que vuelve a rescatar una de sus primeras formaciones, en concreto la de  "Santana III" (1.971), a excepción de David Brown (bajo) y José Octavio "Chepito" Áreas, vamos a recordar su actuación en el Filmore West del 68.


En 1.968 Santana ya llevaba un par de años realizando conciertos y forjándose una reputación  en los clubes de San Francisco. La formación original,  David Brown (bajo), Marcus Malone (percusión),  Gregg Rolie (teclados), Bob "Doc" Livingston (batería) y Carlos Santana (guitarra), permanecería inalterable hasta el 69. Ese año entraría Mike Shrieve, debido a los problemas legales de Livingston, y José Octavio "Chepito" Áreas como percusionista. Ese año llegaría su culminación con su gran actuación en Woodstock  y la firma por la discográfica CBS.


Este doble disco nos ofrece la actuación del guitarrista Santana con su primera formación. La grabación refleja parte de las actuaciones celebradas los días 19, 20 ,21 y 22 de Diciembre de 1.968 en el Filmore West. El "set list" resulta muy interesante por dos motivos . Por una parte podemos escuchar clásicos ( que no lo eran en aquel momento)  del grupo como "Jingo", "Persuasion", "Treat"y "Soul Sacrifice", y  por otra temas que no se llegaron a grabar en ninguno de sus discos posteriores: "Chunk a Funk", "Fried Neckbones", "Conquistadore Rides Again",  "As The Years Go Passing By", excelente blues , y la extensa (30:16) "Freeway". Muy destacable es la actuación de Gregg Rolie y su Hammond,  principal protagonista en todos los temas. Por supuesto las percusiones  siempre presentes dando carácter latino a la música. Excelente documento que nos traslada a la prehistoria de Santana. 




Temas
Disco 1
1-1 Jingo 00:00 
1-2 Persuasion 09:38 
1-3 Treat 16:44 9:37
1-4 Chunk A Funk    26:30 
1-5 Fried Neckbones 32:20 
1-6 Conquistadore Rides Again 42:40

Disco2
2-1 Soul Sacrifice 51:32 
2-2 As The Years Go Passing By 01:05:39 
2-3 Freeway 01:13:30 

Formación
David Brown : bajo
Marcus Malone: congas
 Bob "Doc" Livingston: batería
 Carlos Santana: guitarra, voz
 Gregg Rolie: teclados, voz




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sábado, 25 de junio de 2016

Bachman-Turner Overdrive ‎– Japan Tour 76

Randy Bachman después de salir de The Guess Who siguió cosechando éxitos con la Bachman-Turner Overdrive, durante algunos años estuvo en la cresta de la ola. Hoy los recordaremos en el año 76.


En 1.976 Bachman-Turner Overdrive  estaba en lo más alto de su carrera, habían obtenido numerosos éxitos sobre todo en Estados Unidos y Canadá, habiendo editado seis discos: "Bachman–Turner Overdrive" (1.973), "Bachman–Turner Overdrive II" (1.973), Not Fragile (1.974), "Four Wheel Drive" (1.975) y "Head On" (1.975). A partir de ese momento llegarían los cambios en su formación y las dificultades hasta su primera disolución en 1979.


La grabación nos presenta la actuación de los Bachman-Turner Overdrive en el famoso Budokan durante su gira japonesa del 76.  Ocho temas de hard boogie rock con unos pletóricos  Randy Bachman y Blair Thornton, acompañados  por C.F. "Fred" Turner (bajo) y  Robbie Bachman (batería). El setlist contiene algunos de sus grandes éxitos: "Roll On Down the Highway" o"Four-Wheel Drive", aunque faltan alguno como ""Let It Ride", que aparecería en una versión posterior. Curiosamente este disco solo fue editado en Japón y Canadá. Con los Bachman está garantizado pasar un buen rato.



Temas
01. Roll on Down the Highway 00:00 
02. Hold Back the Water 04:40
03. Welcome Home 07:10
04. Don't Get Yourself in Trouble 14:10 
05. Four-Wheel Drive 24:45 
06. Takin' Care of Business 32:15 
07. Slow Down Boogie 39:00
08. Thank You - Domo 42:10

Formación
Randy Bachman - guitarra, voz
C.F. "Fred" Turner -bajo, voz
Blair Thornton - guitarra, voz
Robbie Bachman - batería


Nota editorial: Por motivos personales Félix Jota nos deja temporalmente. Desde Rockliquias queremos agradecerle todos sus aportes y esfuerzos para la divulgación del progresivo español. La semana que viene continuaremos su labor rescatando joyas olvidadas de este género.

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viernes, 24 de junio de 2016

FRANK ZAPPA (1940-1993) EL ÚLTIMO GRAN COMPOSITOR NORTEAMERICANO - Freak Out!(1.966) (colaboración Alberto Torró)

La perilla-bigote más famosa de la historia del rock nació en Baltimore en 1940 y falleció de cáncer de próstata en Los Angeles en 1993. Caso único en la historia de la música del siglo XX y creador de un estilo único y personal. Zappa es un estilo de música en sí mismo ya que él no pertenece a ningún otro movimiento conocido. Los grupos más avandgarde del rock le deben todo: Rock In Oposition (R.I.O) principalmente. Pero esto solo es posible en un personaje tan peculiar y original como él.


Las biografías lo han representado siempre  como un tipo contracultural y rebelde. Nada más lejos de la realidad. Zappa fue un adolescente raro y diferente, eso es cierto. Nunca encajó en la generación que le tocó vivir. No es normal que un chaval yanqui ( aunque de origen italo-griego) de 12 años se interesase en la década de los 50 por la música culta europea y por el jazz. Zappa decía que como podía haber una contracultura hippy y progre en su país cuando ni siquiera había cultura. El consideraba al americano medio un auténtico gañán. Es cierto que no fue inmune a la música popular de su país, el rock, el blues, e incluso las baladas chorras de la época de la brillantina. El usó todo esto en su música, pero a diferencia de los demás, lo empleó como forma de burla y sátira. Zappa fue curioso  a toda manifestación artística, incluso filmó algún corto y fue muy disciplinado. Un músico completamente autodidacta. Defendía la individualidad creativa como único medio de escapar de una sociedad americana mediocre e idiotizada en grado sumo. No tengo constancia de que tuviese alguna enseñanza académica (aunque él pasaba toda su música a partitura). Poseía una inteligencia fuera de lo común. Una capacidad para componer innata y una habilidad como guitarrista que solo ha sido igualada por ese otro monstruo de la guitarra llamado Steve Vai, compañero de andanzas y giras. Yo no creo en los genios, lo reconozco. Pienso que sí. Que existen personas con capacidades que la mayoría no poseen, ya sea por habilidades o por perseverancia, no importa. Cualquiera puede ser genio si algo lo hace de maravilla. Sin embargo él fue una figura de su tiempo, un compositor respetado a día de hoy. Nació para la música y también para tocar los cojones, porque él hablaba claro, directo y sin paños calientes. Las autoridades y asociaciones tradicionalistas de los USA lo tenían como persona non grata. Como tipo peligroso y contestatario. Llegó incluso a pensar en presentarse a la presidencia de EEUU… Os lo imagináis?


Zappa fue un iconoclasta.  Antisocial por naturaleza y un solitario engreído. No es una crítica es la realidad. Se jactaba constantemente en que no tenía amigos, solo socios o gente relacionada con su trabajo. Salvo para su familia a la cual él adoraba (fue un padrazo ) y a pesar de su fina educación en las entrevistas, no fue un personaje fácil de tratar. Muchos de sus ex músicos contratados, le dedicaron alguna que otra perla debido a su carácter. Detrás de su risa, su ironía, de su cáustico e irreverente sentido del humor, de sus brillantes salidas de tono y de su hilarante conversación, se encontraba un tipo solitario, misántropo. Un Incomprendido con un ego y una personalidad que para muchos oscilaba entre la idolatría y lo insoportable. Zappa decía que todo individuo es estúpido mientras no demuestre lo contrario. 

La temática de su trabajo fue casi siempre hacia temas que le repelían como un sarpullido o una alergia: El way of life y las costumbres americanas, los políticos, los telepredicadores, la religión (fue un ateo radical) los hippies, la moral, el ejército, las modas etc y sobre todo la estupidez generalizada de una sociedad idiotizada por los medios de masas y la tv. Con todos ellos fue devastador, cínico y burlón. Cuando no estaba de gira estaba en el sótano de su casa componiendo música como un poseso y a ser posible que nadie entrase a molestar.


Hay un paradigma de bipolaridad en el Zappa rockero corrosivo y en el otro Zappa compositor clásico. El solía decir que para poder alquilar una orquesta sinfónica que interpretase sus partituras necesitaba mucho dinero. Las giras con su banda le proporcionaban la materia prima para invertir en proyectos  más ambiciosos como iremos viendo en posteriores entregas.

En cierto modo logró su propósito. Hoy día muchos directores y músicos interpretan la música de Frank Zappa. Él quería ser respetado como compositor clásico, pero  utilizó un sinfín de estilos musicales para conseguirlo: Jazz rock, Blues rock, Jazz a lo Big Band, Avandgarde, Free jazz, Rythm & Blues, Rock cañero, y hasta estúpidas baladas de los años 50 y todo ello en un sinfín de variantes. Eso sí, todo ello trabajado hasta la perfección. Pasaba de lo complejo y rebuscado a la canción más tonta con una naturalidad pasmosa. Sus conciertos, que muchas veces parecían una pieza sin interrupción, incluían todos los estilos en un estilo único y apabullante. Él lo llamaba algo así como “unidad conceptual”. En un concierto de Zappa había tanto para escuchar, que debías prestar la máxima atención, porque era como un torrente.


No voy a realizar una biografía al uso porque en un blog no procede y sería interminable. Hay suficientes libros sobre Zappa para el que esté realmente interesado en su persona.  Con hablar de cada uno de sus trabajos, ya tengo bastante jardín por delante.

1966: THE MOTHERS OF INVENTION: FREAK OUT

La primera banda de Frank fueron “las madres de la invención” y también dicen los expertos que su primer álbum tuvo el honor de ser el primer LP doble conceptual de la historia del rock. La palabra Freak…hoy friki de manera ridícula, se utilizaba en la época para definir lo que serían una especie de antisistemas e inadaptados personajes. No llegaban a la altura de la bohemia, porque eso estaba destinado a la intelectualidad y podríamos hablar más bien de personajes inclasificables entre locos, perro-flutas y esperpénticos rebeldes gamberros desmadrados.


Zappa utilizó esta imagen de manera irónica y corrosiva. Una forma de llamar la atención en una época tan convulsa y en plena guerra del Vietnam. Acentuó el mal gusto escénico con el fin de provocar a la moralista y fascistoide sociedad americana y para que la crítica hablase de ellos aunque fuese para mentar y acordarse de sus santas madres. Pronto fueron calificados de repelentes y sucios tipejos. En sus conciertos tocaban “música rara” e inclasificable con unos textos y unas escenificaciones llenas de bromas sexuales y burlas nada finas ni delicadas. No hacían ascos a las salidas de tono más desagradables y no tenían inconveniente alguno en mostrar entre bromas sarcásticas la violencia ejercida por su país en su manera de adoctrinar o masacrar a los pueblos en su afán imperialista. Hoy día serían los titiriteros del PP pero a lo bestia. La anécdota de hacer subir a unos marines borrachos al escenario en uno de sus conciertos y darles unas muñecas de trapo para que las destrozasen, como ejemplo de lo que hacían con las niñas vietnamitas, no tiene precio. Algunas anécdotas como éstas le costaron a Zappa algún disgusto entre rejas.


La primera época de Las Madres de la Invención no es para todos los gustos: extraña, irreverente, salvaje. Los cuatro o cinco discos iniciales en su discografía van en esta línea. La grabación de Freak Out, no ha aguantado bien el paso del tiempo. El sonido es algo barroso, primitivo. Suena añejo, polvoriento: 50 años son muchos años. Pero no obstante aquí encontramos ya todo el vademecuum  Zappiano:  La estupidez del dudua adolescente de los 50. Inclasificables pasajes de rock-blues, rock underground sesentero y vanguardia contemporánea. Indigerible para unos, genialidad excitante para otros. Zappa nunca estuvo por las medias tintas: o te gusta o lo odias. Había que tener narices y él la tenía y hermosa, para hacer su homenaje particular al compositor avandgarde Edgar Varese en esa delirante pieza-ballet llamada El retorno del hijo del monstruo magnético. Pero el disco atrapa a cada escucha, es diferente, arriesgado y honesto. Escuchadlo y decidid vosotros mismos.



Temas
A1 Hungry Freaks, Daddy 00:00 
A2 I Ain't Got No Heart 03:28
A3 Who Are The Brain Police? 06:04 
A4 Go Cry On Somebody Else's Shoulder 09:38 
A5 Motherly Love 13:19 
A6 How Could I Be Such A Fool 16:04 
B1 Wowie Zowie 18:18 
B2 You Didn't Try To Call Me 21:11 
B3 Any Way The Wind Blows 24:30 
B4 I'm Not Satisfied 27:25 
B5 You're Probably Wondering Why I'm Here 30:05 
C1 Trouble Every Day 33:44 
Help, I'm A Rock (Suite In Three Movements) 39:33 
C2.1 1st Movement: Okay To Tap Dance 
C2.2 2nd Movement: In Memoriam, Edgar Varese 
C2.3 3rd Movement: It Can't Happen Here 
The Return Of The Son Of Monster Magnet (Unfinished Ballet In Two Tableaus) 48:13 
D1.1 I. Ritual Dance Of The Child Killers 
D1.2 II. Nullis Pretii (No Commercial Potential)

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jueves, 23 de junio de 2016

PAGEANT (colaboración Alberto Torró) (Rock Progresivo Japonés)

 Pageant son parte importante de la  leyenda del sinfónico japonés y quienes nos han dejado las más  bellas y hermosas páginas aunque tan sólo se hayan plasmado en tres discos de estudio sin desperdicio
Pageant son del lado lírico y delicado, un poco la versión japonesa de grupos como Renaissance, el sonido más bucólico de Genesis y algo más alejado instrumentales a lo Camel. Es decir  el rock sinfónico clásico de toda la vida.


Volvemos a encontrar a la excelente Hiroko Nagai en las voces y en los teclados con un cuarteto de músicos que se ajustan a perfección en unas composiciones de alta calidad, donde combinan pasajes épicos y sinfónicos con deliciosas partes de acústicas y flauta. Las melodías predominan constantemente en cada pieza con múltiples cambios y estructuras en un transcurso muy rico en armonías. Música realizada con mucha sensibilidad y que se ajusta como anillo al dedo a los gustos del sinfónico más recalcitrante, es decir yo mismo, mismamente.

 Como en el caso de Scene Of Pale Blue, de los Outer Limits, Pageant grabaron en 1986 otra joya para la historia llamada La Mosaique De La Reverie, cuya portada en si misma, define muchas de las cosas que he comentado sobre parte del carácter oriental. Su segundo disco Abysmal Masquerade alterna diferentes versiones de estudio con algún directo y finalmente The Pay Por Dreamer's Sin, su último trabajo y probablemente en lo personal mi favorito.
Imprescindibles.


Discograña: 
La Mosaique De La Reverie (1986)


Abysmal Masquerade (1987)


The Pay For Dreamer's Sin (1989)





Temas
1.- Á Marè 00:00 
2.- The Picture Of Drian Grey 05:30
3.- Alkaloid 15:36
4.- Lapis Lazuli 20:29 
5.- "A Forget-Me-Not" 30:29 
6.- Perpetual Perfection 36:21




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miércoles, 22 de junio de 2016

THE WINTERS BROTHERS BAND "The Winters Brothers Band" (1976) (colaboración J.J. Iglesias)

La sensación que más me invade cuando escucho este disco es la de calor. Calor sofocante de verano sin piedad. Y es que hoy traemos un genuino producto de su época. Estados sureños a mitad de los 70. El símil con nuestras ardientes carreteras es muy parecido.

Este es uno de los mejores discos desconocidos del género, hecho en su década clave. Hoy salen muchos grupos que aúnan southern rock con americana, pero es muy, muy difícil que atrapen ESE sentimiento de entonces. El mismo que derrocha a raudales discos como éste. Tal vez la palabra "autenticidad" sea la clave. Frente a tanto "country alternativo" que sólo demuestra mediocridad y snobismo hipster. Me entran ganas de nombrar algunos "intocables" actuales....



Antes que nada aclarar que estos hermanos Winters nada tienen que ver con los albinos Winter. Donnie y Dennis, ambos cantantes solistas y guitarras acústicas y eléctricas. Gene Watson al bajo y voces. Kent "Otis" Harris, batería. Y David "Spig" Davis, teclados.
Banda de eufóricos Stetson apadrinada por la Charlie Daniels Band, nada menos. Y con ese enchufe, que los fichara ATCO no parece nada extraño. Grabando su debut en los míticos Capricorn Sound Studios de Macon, Georgia.Y producido por el teclista de la Charlie Daniels Band, Joel "Taz" Digregorio. Que junto al jefe Daniels, Don Murray en las congas y papá Don Winters SR en las armonías vocales completan el elenco de invitados a esta verdadera fiesta sureña. Prepara el bourbon. 


"I Can't Help it" te hará  volver a mirar la portada. Me he equivocado y he cogido un clásico de la Marshall Tucker Band? No. The Winters Brothers Band tenían el mojo, Man.

A la altura de los más grandes. "Shotgun Rider" y sus ecos calypso guardan similitudes con Dickey Betts Great Southern. "Sang her love songs"  y sus casi 7 mts es el corte más largo del álbum . Una joya en delicadeza melódica que The Outlaws hubiera matado por su autoría. 

"Devil After my Soul" incluye un fogoso break con las congas de Don Murray acercándonos a la frontera mejicana para saludar a Santana.

La cara b luce bonita con "Misty Mountain Morning". Incluyendo el fiddle del jefe, Charlie Daniels. Puro sabor cajunesco-pantanoso, con cuidadoso tratamiento vocal y guitarrero. "Old Stories" rezuma puro feeling dixie.

"Smokey Mountain Log Cabin Jones" atrapa otra fiesta de sábado noche con alcohol, tortazos y damas sureñas "en apuros". Puro romanticismo redneck. 

El piano de "Taz" Digregorio aviva el fuego, más si es posible. Puro Allman del "Brothers and Sisters".

Y aún te quedan en la misma caliente onda "Sweet Dream "Lady", "Dream Ride" y la más country, "Laredo". De nuevo con el violín del gran Daniels, el Charlie, no el Jack (que también ).

No se han prodigado mucho en discos, lo cual es una lástima. En el 79 saldría  "Coast to Coast". Un par más en los 80 y otro par en el nuevo milenio. Además  de ser habituales en las Volunteer Jams. Reuniones de amiguetes que organiza anualmente el tío  Charlie Daniels.
Este álbum es una máquina del tiempo inmejorable para conocer la mejor música sureña de los states. Saboréala con un buen mezcal, gusano incluido.




Temas

1 I Can't Help It 00:00
2 Shotgun Rider  03:31
3 Sang Her Love Songs  08:03
4 Devil After My Soul  14:32
5 Misty Mountain Morning  19:07
6 Old Stories  22:05
7 Smokey Mountain Log Cabin Jones 24:41
8 Sweet Dream Lady  28:20
9 Dream Ride 32:19
10 Laredo 36:00
11    Rich Kids (bonus track) 39:00
12    Sang Her Love Songs (bonus track) 42:23



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lunes, 20 de junio de 2016

ORGANISATION - Tone Float (1969) (colaboración J.J. Iglesias)

Lo creáis o no, (y si lo escucháis,  diréis que no), de aquí salió la leyenda que posteriormente se llamaría Kraftwerk.

ORGANISATION fue formado en los finales 60 por Ralf Hutter (órgano ) y Florian Schneider ( flauta, violín,  percusión ). Los otros tres miembros eran Basil Hammoundi (percusión), Fred Monics  (batería,  percusión ) y Butch Hauf (bajo, percusión ). En el 69 hicieron una demo con Konrad Plank (el kraut no se entendería sin él ) que, no se sabe bien cómo, acabó en las oficinas del sello RCA en Inglaterra. É inexplicablemente, les editó el disco.
Aquí ya pueden verse las fuertes preocupaciones rítmicas del dúo. Percusiones de todo tipo dominan todo el álbum. 


Siendo la primera cara utilizada para el tema "Tone Float" (20'45). En el que hasta el minuto 10 aproximadamente, no entra el órgano de Hutter. En una intro colorista y multicromática de sonidos percusivos de toda índole. 

De ahí en adelante, hipnotismo kaleidoscopico Hammond-bajo-batería cercano a los delirios del "Ummagumma" floydiano. Con posterior aderezo de paisajes arabigo-orientales en la flauta de Schneider, sostenida por el órgano y percusión galopante. Todo un viaje. Tema ganador en un sarao hippie-tirao-herbal. "Chill out", que dirían los supervivientes del "buenrrollismo"de los 90.
De esta guisa seguimos para bingo en "Milk Rock" (5'23). En conexión étnico-desvariante a la Embryo, pero en clave gamberra. La férrea convicción experimental ya se ve a las claras en este disco inicial "pre-Krautwerk".


"Silver Forest" (3'16) es todo un tríp cinematográfico,  digno de Popol Vuh. Percusiones africanas nos adentran en la vasta vegetación rítmica de "Rhythm Salad" (4'07). Los enrolles floydianos  vuelven en "Noitasinagro" (7'45), con un órgano que recuerda instantáneamente a Rick Wright, y una atmósfera muy "Eugene, cuida que las hachas las carga el diablo". Un molesto (a propósito) violín, ejerciendo de mosquito trompetero desconcentra el ánimo de misterio. Nada que un buen canuto no pudiera solucionar. El tema es excelente, de todos modos, si tus miras son amplias.

Por último "Vor Dem Blauen Bock" (11'17) comienza profetizando el noise rock, y continúa con una guitarra eléctrica que contradice los créditos. Iniciando un motorik-trance de efusivos resultados.
"Tone Float" es un excelente entrante a los mundos experimentales de un grupo que haría historia en la música. No sólo electrónica. Un original de éste álbum alcanza niveles burros en el Ibex coleccionista. Pero hay modos de escucharlo, y lo sabes! (Julio Iglesias, el de verdad, que soy yo, te lo dixit!).




Basil Hammoundi grabaría en el 72 el recomendable "Supernova" de los prog-jazz-rockers, Ibliss.

Hutter y Schneider terminarían en 1970 su "Kling-Klang Studio" en Dusseldorf, y editarían su primera marcianada como Kraftwerk. Eso sí,  ayudados de nuevo por dos percusionistas. Idea que ya venía de los tiempos de ORGANISATION.



P.D.- " La monotonía del ritmo cuando existe no tiene función espacial, sino la trágica del obrero sobre su máquina" (KRAFTWERK)




Temas
Side 1
"Tone Float" - 20:46

Side 2
"Milk Rock" – 5:24
"Silver Forest" – 3:19
"Rhythm Salad" – 4:04
"Noitasinagro" – 7:46
Bonus:
"Rückstoss Gondoliere" ( "Vor dem blauen Bock")



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