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HAWKWIND - Warrior on the Edge on Time 1975 (colaboración J.J. Iglesias)

Antes de acabar tan terrible año, este se nos lleva a otro guerrero. Lemmy ha muerto. No me extendere hablando de lo que supone su perdida para la comunidad del rock en general. Tampoco haré una biografía, para eso ya están los wiki-oráculos. Sólo un recordatorio de que antes de ser un icono con Motorhead, la más aplastante rock'n'roll band de la historia, (nunca digas "heavy", aún puede volver del más allá!!!), fue el bajista y ocasional cantante de Hawkwind. Otra de mis bandas favoritas. Vaya año, dos paladines del Rickenbaker fallecidos. Mientras Chris Squire lo utilizaba como un astuto maestro de esgrima, Lemmy lo hacía como un bazooka de peli de Rambo. 


Pero la personalidad superaba cualquier virtuosismo o falta de él. "Warrior on the Edge of Time" supuso la sofisticación del hard psych de álbumes anteriores. Entrando de lleno en el progresivo sin perder ni un sólo rasgo de identida. Su líder y único miembro original en la formación  actual, Dave Brock en las guitarras, sintes, voz y bajo ocasional. Los alocados sacos coltranianos, flauta y voz de Nik Turner. Posterior enemigo irreconciliable de Brock cual personajes de su propio comic sci-fi. El inimitable Lemmy al bajo. Simón House (High Tide, Catapilla, Third Ear Band y futuro Bowie member ), al mellotron, teclados y violín. Los baterías Simón King y Alan Powell (Vinegar Joe) dando cuerpo rítmico , junto a Lemmy nada menos, a una muralla acorazada. El maestro de la ciencia ficción,  el escritor Michael Moorcock, recitando sus desvaríos poéticos en "The Wizard blew his horn" y "Warriors". Y la maciza Stacia bailando desnuda en vivo, para deleite de quinceañeros de la época.  Brandy Bubbles y sus kaleidoscopicos light-shows ponían la guinda. Hawkwind en estado puro. "Hall of the Mountain Grill" y "Space Ritual" se hallaban recientes. La banda, en inspiración  divina. Se adelantaron al punk, afterpunk, industrial, nwobhm, gothic, techno y demás variables contemporáneas  a golpe de anfetas y marihuana. Simón House fue elemento decisivo de este, mi disco favorito de la banda. Un álbum dominado por el mellotron, una novedad en el sonido de la nave Halcón. Y el violín incomparable de este magnífico  músico. Interactuando con los vientos de Turner. Un torbellino de sonidos/sentidos.

 Temazos  como "The Demented Man" lo constatan. A la vez que desarrollan y enriquecen el estilo de la banda. "Assault and Battery" es ya un himno eterno de la mitología Halcón. Al igual que "Magnu", "Opa-Loka","Spiral Galaxy 28948" (fino instrumental con el número de nacimiento de Simón House)."Kings of Speed",tema que debía haber aparecido en el lp del proyecto de Moorcock, Deep Fix. La apocalíptica "The Golden Void". O la aportación  de Turner en la brillante "Sting Seas". El single "Motorhead" aparece en el cd, no en el álbum original. Cantado por Lemmy y profetizando muchas cosas. Entre la rebeldía y forma de vida del gran bajista. 


Detenido en la frontera canadiense por posesión de mandanga y expulsado de la banda automáticamente,  (como si los demás fueran unos angelitos). Acabará el Tour americano Paul Rudolph, guitarrista de Pink Fairies y Deviants, al bajo. Fue el final de la época gloriosa de Hawkwind. Vendrían buenos álbumes, pero ninguno histórico. Y a Lemmy le hicieron un favor. Montó Motorhead y pasó a la eternidad. Hoy, la pijisima barriada de Notting Hill, antaño bastión hippie de los 70, llora a su mejor guerrero. También el Rainbow Bar de Los Ángeles, donde Lemmy se pasaba las horas muertas jugando a las tragaperras. Es seguro que él no quiere lloros. O vendrá a por ti a darte una colleja por nenaza y comeyogures. Mientras te susurra con voz cazallera al oído "Love me like a Reptile"......




Temas

Assault And Battery - Part One 5:34
The Golden Void - Part Two 4:37
The Wizard Blew His Horn 2:00
Opa-Loka 5:40
The Demented King 4:20
Magnu 8:40
Standing At The Edge 3:45
Spiral Galaxy 28948 3:55
Warriors 2:05
Dying Seas 3:05
Kings Of Speed 3:25

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Los teclistas del rock: JORDAN RUDESS

Hola amigos, hasta ahora habíamos hablado de verdaderos dinosaurios del rock, teclistas que forjaron las bases del rock sinfónico en los años 70, hoy vamos  a contar la historia de un teclista que  a pesar de ser uno de los más extraordinarios virtuosos del género no salto  a la fama hasta  la publicación de su segundo disco en 1.993 y obtuvo su confirmación al entrar a formar parte de  Dream Theater en 1.999. La característica  fundamental de Rudess, sin lugar a dudas, es su virtuosismo unido a un gran amor por la tecnología, no olvidemos que tiene una compañía, “Wizdom Music”, dedicada al desarrollo de productos tecnológicos musicales.


A pesar de darse a conocer al gran público con 36 años su actividad ha sido bastante intensa. Al margen de su obra en solitario ha realizado multitud de colaboraciones con gente como Vinnie Moore, Steve Wilson, Paul Winter, David Bowie,  Neal Morse, Morgenstein, etc. Por supuesto su reputación se ha forjado en grupos como Dixie Dreg ( el grupo de  Steve Morse), Liquid Tension Experiment  super grupo (Tony Levin, John Petrucci, Mike Pornoy y Jordan Rudess) con los que grabó dos discos en estudio y como no con la gran banda de progresivo Dream Theater con los que sigue en la actualidad y ha grabado nueve discos en estudio ( “Metropolis Pt. 2”, “Six Degrees of Inner Turbulence”, “Train of Thought”, “Octavarium”, “Systematic Chaos”, “Black Clouds & Silver Linings”,  “A Dramatic Turn of Events”, “Dream Theater” y "The Astonishing") y tres en vivo( “Live Scenes From New York”, “Live at Budokan” y “Score”).

Hoy vamos a intentar dar un resumido repaso a su discografía en solitario:

“Arrival” (1.988), este primer disco de Rudess se editó en cassette  bajo el nombre de Rudes. Es una obra intimista, Jordan utiliza básicamente el piano para crear sus pasajes sonoros en los cinco temas que contiene la grabación. 



“Listen” (1.993), este disco le sirvió para obtener el reconocimiento mundial y ser elegido como “Best New Talent” por la revista Keyboard. Le acompañan Barbara Bock (voz), Jim Simmons (bajo), Chris Amelar (guitarra) y Ken Mary (batería). En este disco Rodess comienza a emplear toda la artillería electrónica dando como resultado una especie de pop progresivo.
 





“Secrets of the Muse” (1.997), en esta obra Jordan se enfrenta en solitario a multitud de inspiradas improvisaciones.  Es una delicia escuchar a Rudess tocar el piano, la sensibilidad que desprende en temas como “Stillness” o “Cradle song”, no está al alcance de cualquiera.
 





“Resonance” (1.999), nos toca seguir disfrutando del mejor Rudess al piano.



“Feeding the Wheel” (2.001), en este disco Rudess cuenta con la colaboración de grandes músicos, Terry Bozzio, Steve Morse,  John Petrucci, Billy Sheehan, dando como resultado un disco con grandes pasajes instrumentales del mejor rock progresivo.



“4NYC” (2.002), la grabación sirve de homenaje a las víctimas del 11 de Septiembre. Parte del disco se grabo en vivo en el Helen Hayes Performing Arts Center tan solo trece días después de la tragedia debido al afán de Rudess en ayudar de alguna forma a las víctimas.  Laos temas grabados en estudio tienen una gran carga emocional.


“Christmas Sky” (2.002),  en este LP Jordan nos muestra los clásicos villancicos de toda la vida (“White Christmas”, “Silent Night”, “The Little Drummer Boy”, etc) ejecutados magistralmente al piano y con el sello Rudess.






“Rhythm of Time” (2.004), para esta grabación Jordan se rodea de un gran arsenal de buenos guitarristas (Satriani, Greg  Howe, Steve Morse, Vinnie Moore, Jakubovic) con estos miembros y alguno más (Dave Larue, Morgenstein) el resultado es un gran disco de rock progresivo que hará las delicias de los amantes de Dream Theater.


“The Road Home” (2.007), es un álbum de covers de temas de rock sinfónico, “Dance on a Volcano” (Genesis),  “Sound Chaser” (Yes),  “Just the Same” (Gentle Giant), “Tarkus” (Emerson, Lake & Palmer) y una Medley al piano interpretando partes de “Soon” (Yes),  “Supper´s Ready” (Genesis),  “I Talk to the Wind” (King Crimson) y “And You and I” (Yes). El único tema original es “Piece Of the π” . Como invitados Neal Morse, Steve Wilson, Kip Winger, entre otros.



“Notes of the Dream” (2.009), nuevamente encontramos a un intimista Rudess al piano tocando en su mayoría temas de Dream Theater, incluso algunos anteriores a su entrada en el grupo.




“All Thatt is Now” (2.013), grabado en el salón de su casa con  su piano Steinway D y financiado por la contribución de 1.000 seguidores del artista. Clásica, progresivo, jazz, qué más da, todo se reúne en una gran sensibilidad musical y un virtuosismo fuera de toda duda.



"Explorations" (2.014): un proyecto que hacía tiempo (2.010) que Jordan llevaba en su cabeza. Con la colaboración del director  Eren Başbuğ y la Sinfonietta Consonus (grupo de cámara polaco conexperiencia en la música de DREAM THEATER al haber grabado un disco de tributo orquestal titulado “Symphonic Theater Of Dreams”), edita esta magníca obra para piano y orquesta. La suite " Explorations for Keyboard and Orchestra" es todo un lujo sonoro.





Bueno amigos creo que por hoy ya vale, espero que disfrutéis con este genio que en otra época  hubiese sido uno de los grandes de la interpretación y composición clásica.








Os recuerdo que todos podéis participar en esta sección (rockliquias@hotmail.com)

Próximos capítulos:

- Patrick Moraz
- Eddie Jobson

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Ensayos sobre un sonido (EM): SVEN GRÜNBERG - Hingus 1.981 (colaboración J.J. Iglesias)

Aquí tenemos a un sintetista estoniano ( de Estonia, no de los Rolling), enamorado de la por entonces ya pasada corriente berlinesa. E imagino que pasándolas putas para dar forma a un proyecto de estas características en la antigua URSS. Tela. Claro que también hubo sintetistas en España por esos tiempos... ¿Quién da más?

Sven Grünberg lideró en los 70 la  banda progresiva Mess, otro hito. Este tío era un valiente o hacía oposiciones a funcionario para currar en un gulag siberiano. Mess no editaron nada en su momento, comprensible, pero Grünberg recopiló su material editándolo en un CD en 1.996. Parece ser que le tenía cariño a esta banda, pues su debut en solitario se tituló igual, "Mess" (1.980). Siendo "Hingus" (1.981) su segunda obra.


La cara A de ésta se compone de un solo tema, la suite "Osa" dividida en cuatro partes. Música llena de misticismo e influencia oriental. Puede ser comparable al primer Kitaro o los pasajes "Cecil B. De Mille-style" de Vangelis. Sin perder su fuerte conexión alemana. 

En la cara B, "Teekond" (5:35) es un corte sensible y muy imaginativo. Mientras que "Valgusas" y sus 17:50 minutos se convierte en mi pieza favorita. Recordándome a los Tangerine Dream de esa época, (cuando ya se decidieron por "medio componer"), el Padre de todos , Schulze y sobretodo, a Between y Popol Vuh. De hecho, Sven tiene mucho de Florian Fricke, en su modo de acometer pasajes oníricos, moldeándolos hacía terrenos místico-orientales. No sé porqué, pero escuchando ésto me da por trasladarme al Tibet, en reflexiones muy budistas. Y juro que no me he fumado nada. Me ocurre como cuando escucho a los citados Popul Vuh, pero entonces es la jungla amazóniza el lugar imaginado. Imagino que influído por las pelis de Werner Herzog. Si este director hubiera descubierto a Grünberg, seguro que le hace un encargo. Y si escucha su álbum "Milarepa" (1.993) filam una película expresamente para esa música. Otro recomendado. Al igual que "Om" (1.988), "Prana Symphony" (1.995) y "Hukkunud Alpinisti Hotell" (2.001). Nuevamente tenemos que hablar de un triunfo creativo manufacturado con muy pocos medios. Parece que es entonces cuando la imaginación se dispara para dibujar preciosas abstracciones sonoras. "Hingus" es una para la galería de arte.

P.D. - "E.M. es la representación acústica del espacio entre su nacimiento y su muerte". EDGAR FROESE.




Temas

1. Hingus 1 - 0:00
2, Hingus 2 - 7:33
3, Hingus 3 - 9:58
4. Hingus 4 - 17:06
5. Teekond - 23:18
5. Valgusxis - 28:57




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LESLIE'S MOTEL - Dirty Motel 1.972

Leslie's Motel adoptaron su nombre de un local de alterne que se encontraba enfrente de donde ensayaban, Su música muy influenciada por  The Allman Brothers desde que algunos de sus miembros vieron actuar a The Allman Joys.


La banda procedía de  Louisville, Kentucky y en el 71 tres miembros de The Oxfords, Richard Bush (teclados), Mike Seibold (guitarra) y  Bill Tullis (voz, guitarra), deciden montar el grupo. Posteriormente se les unirían Roy Blumenfeld procedente de Blues Project.  En el 72 grabaron algunos temas que no vieron la luz hasta  el 2.009. Durante cinco años estuvieron realizando actuaciones junto a Ted Nugent, Charlie Daniels, Freddie King, Harvey Mandel, Rory Gallagher, Harvey Brooks, Mike Bloomfield . Incluso John Lee Hooker invitó a Bill Tullis a tocar con él.





Temas grabados en 1.972 que no vieron la luz hasta el 2.009 y que nos muestran un rock sureño de altísima calidad con claras referencias a The Allman Brothers. temas como "Step Down Baby"o "My Seet Woman" con referencias claras a Dickey Betts por parte de su guitarrista Kike Seibold y como no influencias de Gregg Allman en la labor de Richard Bush. La labor rítmica de Ray Barrickman (bajo), Paul Hoerni (bateria) yRoy Blumenfeld (batería), también es muy destacable, su labor es más que evidente en "Blister" o "Latino Motel" con percusiones a lo Santana y una guitarra que trata de emularlo. Una verdadera joya que bajo ningún motivo debéis dejar pasar. 







Temas
01. Step Down Baby 00:00 
02. Interlude 03:40
03. My Sweet Woman 05:24
04. Blister 10:00
05. Reason Why 17:47
06. Windmills 22:06
07. Latino Motel (Prelude/Interlude/Qualude) 26:35
08. Movin' Rock & Roll 35:27
09. Dirty Sheets [Live] 38:46

Formación
Bill Tullis  : voz, guitarra
Mike Seibold : guitarra, voz
Richard Bush : teclados
Ray Barrickman : bajo, voz
Paul Hoerni : batería
Roy Blumenfeld : batería

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Rock Progresivo Español.Rompiendo la oscuridad: KHORUS (colaboración de Félix Jota)

Grupo sevillano y de los más desconocidos del Rock Andaluz. Liderado por los hermanos Carmona, Fernando y Jesús, entraron en los Estudios Playsur para grabar una maqueta que no interesó a ninguna compañía discográfica. Esto fue en 1975, cuando crean el tema “Suite”, con un sonido sinfónico y excelentes guitarras y teclados con improvisaciones varias. Dividido en diez partes y con una duración de mas de 24 minutos.


  Hicieron varios conciertos en directo, y según cuentan sonaban muy bien. Con una gran aceptación por parte de su público. Ese gran trabajo cayó en el olvido hasta que Arabiandrock decide recuperarlo y editarlo en Cd. Esto sería en 2010, después de 35 años!!!. El disco también incluye dos temas grabados en directo en Huelva en 1978. 

  Tras su separación, los dos hermanos Carmona decidieron hacer música más sinfónico-electrónica, montando el proyecto “Bola” en 1979. Se presentan en el Teatro Lope de Vega de Sevilla ese mismo año y luego recorren toda la geografía andaluza. Como pasara con Khorus, su música se quedó sin editar. Parece ser que estaban muy adelantados en esa época y nadie creyó en ellos.

  Fernando crea en 1982 el Grupo Q, después del abandono de su hermano Jesús. Fue uno de los pioneros en el sonido tecno-pop alcanzando un notable éxito con un single grabado para Ariola titulado “La nueva generación”.

FORMACIÓN (KHORUS):
FERNANDO CARMONA: Guitarras
JESÚS CARMONA: Teclados
CARLOS NIETO: Batería
JUAN FALERO: Bajo

DISCOGRAFÍA: 
Suite (Arabiandrock 2010) Referencia ARCD-01




Temas

KHORUS SUITE

1 - Suite
2 - Bonus Track con dos temas en directo en Huelva 1.978:
1072
Dagas flameantes en los horizontes vencidos de Córdoba


FORMACIÓN (BOLA):
FERNANDO CARMONA: Voz, Guitarras y Teclados
JESÚS CARMONA: Voz, Teclados e Instrumentos Electrónicos 
DISCOGRAFÍA:
Bola, Banda Electrónica (Maqueta 1980)






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FACES - A Nod is as good as a wink to a blind horse 1.971 (colaboración Christian Jiménez)

Steve Marriott abandonó a los Small Faces a finales de 1.968 y se uniría a Humble Pie; Ronnie Lane y Kenney Jones contrataron a Ron Wood y Rod Stewart y en 1.969 se formarían los imprescindibles FACES.

En general, sin ahondar mucho, FACES fueron uno de esos grupos de "rock" brillantes, de corte clásico, de sabor añejo, que creaban de la nada perlas de imprescindible valor.
Su discografía sólo cuenta con cinco discos, pero son unos discos absolutamente esenciales para el "rock", se mire por donde se mire.

"First Step" salió en el '70 y, gracias a la presencia de Wood, los caminos que tomaba la banda eran más potentes que la anterior Small Faces. Las influencias de la psicodelia aún están en el aire, aunque lo que destaca es el lado más directo, más comercial y divertido.

"Long Player" cayó al año siguiente. Con este disco, FACES podrían haber dejado por los suelos, y esto no es sólo una opinión personal, a los mismísimos Rolling Stones. Este LP rezumaba calidad, intensidad, energía y un "feeling" arrollador como pocos.


...Y, por fin, llega el álbum que nos ocupa: el maravilloso y fundamental "A Nod is As Good As a Wink, to a Blind Horse".
El secreto residía en que los temas eran "rockeros" al 100% al mismo tiempo que adictivos. Una apuesta por un "rock" vibrante que no te daba un respiro.

El peculiar timbre de voz de Stewart dejó aquí una serie de temas capitales. Temas como la genial introducción "Miss Judy's Farm", de gran fuerza y ritmo incansable, al igual que "That's All you Need" y "Too Bad", de las más fuertes de esta banda. Trallazos que ponen la carne de gallina con la primera escucha.


Pero FACES siempre tenían un lado suave y delicado, como toda banda en aquellos '70, y, cómo no, sus baladas corroboraban ese hecho.

Creo que "Love Lives Here" es una de las más preciosas composiciones que jamás he oído. La melodía del piano de Ian McLagan y la tremenda garganta de Stewart, que aquí daba lo mejor de sí, ponen el listón más alto que nunca. "Debris", cantada por Lane, es otra de las joyas; una semi-acústica perfecta.

Pero si por algo destaca esta pedazo de obra de arte es por la versión de Chuck Berry del "Memphis, Tennessee", una canción de esas que hace que no puedas dejar de mover los pies siguiendo el genial ritmo que contiene, y, por encima de todo, el gran "hit", "Stay with Me", la más recordada y más famosa; puro sentimiento hecho música, señoras y señores, sólo decir eso.


En definitiva, uno de los mejores discos que circularon por la prolífica década de los '70.

Wood entró en los Stones y Stewart realizó otra brillante carrera en solitario, pero quedará el legado de estos genios de la música "rock": "First Step" ('70), "Long Player" ('71), "A Nod is As Good As a Wink, to a Blind Horse", "Ooh!, La La!" ('73) y el directo "Coast to Coast-Overture and Beginners" ('74).

Grandes, muy grandes.
Vale la pena escuchárselo, ¿eh?






Temas
1. "Miss Judy's Farm" (Rod Stewart, Ronnie Wood) - 3:42
2. "You're So Rude" (Ronnie Lane, Ian McLagan) - 3:46
3. "Love Lives Here" (Lane, Stewart, Wood) - 3:09
4. "Last Orders Please" (Lane) - 2:38
5. "Stay with Me" (Stewart, Wood) - 4:42

6. "Debris" (Lane) 4:39
7. "Memphis, Tennessee" Incorrectly titled on original US pressings of the album as simply "Memphis" (Chuck Berry) - 5:31
8. "Too Bad" (Stewart, Wood) - 3:16
9. "That's All You Need" (Stewart, Wood) - 5:05

Formación
ROD STEWART - voz
RONNIE LANE - bajo, guitarra acústica, percusión ,voz
RONNIE WOOD - guitarras, backing vocals on "Too Bad", harmonica
IAN McLAGAN - teclados, backing vocals "Too Bad"
KENNEY JONES - batería
HARRY FOWLER - steel drums on "That's All You Need"

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Rockliquias Actual: Theo Travis' Double Talk - Transgression 2.015 (colaboración J.J. Iglesias)

MI DISCO DEL AÑO 2.015
Porque como dijo Jeanette, soy rebelde porque el mundo me ha hecho así, me paso por el forro por una vez la filosofía Rockliquiana y os comento mi disco favorito de este año. Nuevo y calentito de fábrica. Y de paso hago honor al título del mismo, instando a los demás colaboradores a que me sigan. Borrando falsas suposiciones, en el caso de que las haya, de que solo escuchamos música viejuna y somos unos nostálgicos. En mi caso, para nada. 


Así que allí voy: Theo Travis es un saxo (casi siempre tenor), flauta y clarinete que ha ido escalando poco a poco los más altos niveles de la escena. Año tras año, paso a paso. He tenido la suerte de verlo en directo dos veces, con Porcupine Tree y Gong. Palabras mayores. También ha hecho cosas con The Tangent (de lo mejor en prog de los últimos años), Robert Fripp, Bill Nelson , Richard Sinclair, No Man, John Fox, David Sylvian, Jade Warroir, Soft Machine Legacy y hasta en el "Meditations" de Uri Geller!! Espero que no le doblara ningún saxo. C.V. impresionante. No me extraña. Su estilo guarda respeto a lo más tradicional de los cánones be-bop. Desde la ortodoxia de Charlie Parker al vanguardismo de John Coltrane. De la elegancia de Mel Collins al progresismo canterburyano de Elton Dean, a quien sustituye ahora en Soft Machine Legacy. A la flauta es un proverbio de sensibilidad y belleza. Double Talk ya ha editado otros discos antes, excelentes. Pero creo que "Transgression" ha puesto el listón muy alto. 



El comienzo de "Fire Mountain" (6:06) es ya eufórico. La guitarra incendiaria de Mike Outram recuerda en técnica y fuerza al Allan Holdsworth del gran "Bundles" de Soft Machine. Idem con el intransigente y protestón saxo de Travis, en línea Karl Jenkins. Y hasta tiene un punto "esquizoide" marca Ian McDonald en King Crimson.

 "Transgression" (12:16) comienza con una picaruela flauta "caravanera", que nos lleva a la engañosa calma de un nostálgico blues. No muy alejado del periodo medio floydiano, como demuestran subliminalmente sus arreglos teclísticos de órgano a lo Wright, por parte de Pete Whittaker (habitual en la John Etheridge Band). Hasta que por el minuto 2:30 se lanzan a un fraseo de puro instinto Camel que te devuelve la esperanza en el ser humano. Travis se desmelena en su saxo homenajeando al desaparecido (y amigo suyo) Dick Heckstall Smith de Colosseum. Volviendo al planteamiento bluesy-Floyd del comienzo. Este corte ya vale el disco. Pero hay más, amigüitos! 

"Smokin' at Klooks" (9:18) es un recuerdo de la infancia de Theo. Su casa paterna estaba al doblar la esquina del famoso garito Klooks Kleek. John Mayall tituló su álbum debut "Live at the Klooks Kleek". Por allí pasaron todos en los 60. Clapton, Hendrix... así que no extraña ese claro ambiente a Fleetwood Mac/Peter Green, el cual tocaba allí asíduamente. Aquí la maravillosa flauta te lleva desde Jeremy Steig a Herbie Mann hasta Thijs Van Leer o Jimmy Hastings. Otra joya. 

"Song for Samuel" (5:32) tiene mucho de los volúmenes 4-5 de Soft Machine. Gran sección rítmica por Nic France (Steven Wilson, David Gilmour, Kate Bush, Robert Wyatt, Allan Holdsworth) en la batería, y los interludios órgano-guitarra en pugna con el saxo. Es el tema más ortodoxo, dentro e lo que es la palabra"jazz". 

"Everything/Feared" (5:35) cuenta con el Fender Rhodes del propio Theo Travis. Ambientación psico-jazzera, flauta lounge y olor a incienso y otras esencias. 

"Maryan" (7:46) es un destacado homenaje al sonido Canterbury, en una versión de Robert Wyatt. Órgano a lo David Sinclair y flauta delicatessen. 

Por si no teníamos suficiente material para el cerebo, "A Place in the Queve" (10:10) es un tema de The Tangent en el que Travis colaboró. Aquí lo lleva a su terreno en una tremenda exposición progresiva. Seguro que Andy Tillison está orgullosa. 

Finalizando, "The Call" (2:55) es una corta pero intensa llamada a la reflexión, en clave floydiana de nuevo. 

Me cuadra totalmente que Theo Travis Double Talk sean los teloneros en la gira europea de David Gilmour. Mezclado y masterizado por Steven Wilson (su "Hand, Cannot Erase" ha sido superado en esta ocasión por su pupilo, en mi opinión), este álbum es de los que ya no se hacen. Fabricación artesanal, buen gusto, inspiración, elegancia, sentimiento... Una obra Maestra atemporal y decididamente recomendada. Mi disco del año, vaya.














Por cierto os recuerdo que ese pequeño gesto que es pinchar en 
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Los teclistas del rock: DON AIREY

Hola amigos, en el capítulo de hoy vamos a hablar de un auténtico trotamundos, un teclista que a lo largo de su historia ha pasado por múltiples formaciones y en todas ellas ha dejado su huella. Don Airey es uno de los teclistas más queridos y reputados dentro del mundillo musical, desde 1.974 lleva colaborando con multitud de grupos. Algunas de sus más ilustres participaciones han sido en grupos como Rainbow,  Black Sabbath, Whitesnake, Gary Moore, Colosseum II,  Thin Lizzy, Ozzy Osbourne, Wishbone Ash,  Michael Schenker,  Deep Purple y así podríamos estar un largo rato enumerando sus colaboraciones. Mi primer contacto con el teclista  fue cuando compré “Electric Savage” de Colosseum II, recomiendo a todo el mundo la escucha del tema “The Schord”, la intro y los duelos con Gary Moore son auténticamente increíbles.  Posteriormente su  participación en Rainbow y su memorable “Difficult to Cure” le forjaron una gran reputación. La última vez que tuve la oportunidad de verlo fue con Deep Purple en Murcia y tengo que decir que no estuvo muy fino, su actuación se basó fundamentalmente en hacer mucho ruido y pocas nueces, como se suele decir.


Hoy no voy a meteros el rollo sobre  su vida simplemente analizaremos un poco su obra en solitario, que no es mucha, y nombraremos algunas de sus más sonadas colaboraciones.
En cuanto a su discografía los discos que ha editado hasta la fecha son:




- “K2” (1.988), parece increíble que un personaje que lleva desde el 71 dando guerra haya tardado tanto tiempo en editar su primer disco. Para la ocasión se reunió con un buen grupo de amigos: Gary Moore, Mel Galley, Laurence Cottle, Keith Airey, Colin Blunstone, Genki  Hitomi y Gordon Honeycombe como narrador. El disco es una obra conceptual que trata sobre la dureza  de la mítica montaña. En cuanto a la música la podríamos definir como un rock sinfónico con algunos tintes hard.
 


- “A Light In The Sky” (2.008), pasan veinte años desde su anterior trabajo esta vez para tratar uno de sus temas favoritos, el espacio exterior.  A Don siempre le ha gustado la astronomía y el universo y en este trabajo intenta plasmar sus sentimientos al respecto. Acompañado por Laurence Cottle y  Chris Childs al bajo, Darrin Mooney y Harry James a la batería, Rob Harris a la guitarra, Danny Bowes y Carl Sentance cantando y Lidia Baich. Don Airey mezcla sabiamente  hard rock, sinfónico, jazz, progresivo, géneros que conoce a la perfección después de años de carrera. Temas destacados los instrumentales “”Pale Blue Dot “y “Big Crunch”.
 


- “All Out” (2.011), este quizás sea el disco que más me gusta de Don, acompañado por dos grandes guitarristas, Joe Bonamassa y Bernie Masden, y por los habituales en sus trabajos anteriores (Harris, Airey,Mooney, etc). El sonido es muy cercano a sus trabajos con Rainbow o Deep Purple mezclado con pinceladas progresivas como en “Estancia” cargada de Hammond. Como curiosidad la cover del tema “Fire” de Hendrix.
 

- “Keyed Up” (2.014),  recién salido del horno  y con la presencia estelar de Gary Moore, si  el gran Gary, se rescataron algunos punteos del gran maestro  y alrededor de ellos se construyeron dos temas “Mini Suite “y   “Adagio”. Los músicos son los habituales en los proyectos de Airey reforzados por Graham Bonnet, Simon Macbride, Alex Meadows y Tim Goddver. El bueno de Don Airey recuerda su pasado en Rainbow con una nueva versión de “Difficult to Cure”. Un disco muy recomendable.

Por último vamos a nombrar algunas de las participaciones más destacadas de Don Airey:
Con Cozy Powell
- “Over the Top” (1.979)
- “Tilt” (1.981)

Con  Colosseum II
- “Strange New Flesh” (1.976)
- “Electric Savage” (1.977)
- “War Dance” (1.977)

Con Rainbow
- “Down to Earth” (1.979)
- “Difficult to Cure” (1.981)
- “Finyl Vinyl” (1.986)

Con Ozzy Osbourne
- “Blizzard of Ozz” (1.980)
- “Bark at the Moon” (1.983)

Con Michael Schenker
- “The Michael Schenker Group” (1.980)
- “In the Midst of Beauty” (2.008)
- “Temple of Rock” (2.011)

Con Gary Moore
- “Back on the Streets” (1.979)
- “Corridors of Power” (1.982)
- “Dirty Fingers” (1.983)
- “Rockin´Every Night” (1.983)
- “Run for Cover” (1.985)
- “After the War” (1.989)
- “Still got the blues” (1.990)
- “Old New Ballads Blues” (2.006)

Con Deep Purple
- “Bananas” (2.003)
- “Rapture the Deep” (2.005)
- “They All Came Down the Montreux” (2.007)
- “Live at Montreaux” (2.011)
- “Now What?” (2.013)

Con Living Loud
- “Living Loud” (2.003)
- “Live in Sydney” (2.004)

y por último se me olvidaba, me lo ha recordado J.J. Iglesias, su colaboración con:
Los Pecos
-"Un par de corazones"

Como ya he comentado al iniciar el artículo Don Airey ha participado en más de treinta proyectos diferentes que os invitó a descubrir por vosotros mismos. Saludos y hasta  la próxima.





Os recuerdo que todos podéis participar en esta sección (rockliquias@hotmail.com)

Próximos capítulos:

- Jordan Rudess
- Patrick Moraz
- Eddie Jobson

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Ensayos sobre un sonido (EM): ZANOV - Green Ray 1.977 (colaboración J.J. Iglesias)

Después de  cinco entradas de nuestros "Ensayos" pertenecientes al país donde todo comenzó, Alemania, es hora de ver los resultados que la kosmische musik provocó en otros sitios. Sin duda, fue Francia el bastión más fuerte después de los bávaros. De allí pertenece nuestro enigmático personaje. Un "producto" de una época que desapareció sin dejar rastro en los primeros 80. Como abducido por su propia música. Pierre Slakazanov, descendiente de padre ruso, fue todo un héroe de estas músicas. Mira, se puede ser sintetista en la actualidad con un ordenador decente o cualquier teclado, y grabarte tu disco en tu cuarto de estar. Pero no era así en los 70. De hecho, era un "vicio" caro como el demonio. Cualquier sinte o accesorio valía una fortuna, y si nos vamos a los modulares, como una casa, el coche, el perro y la mujer. También era música minoritaria (vale, también ahora), así que el desembolso no te garantizaba para nada su amortización. Tenías que estar muy seguro, muy loco o ambas cosas. Todo "by the face, man"! Por amor al arte.



 Pierre comenzó como guitarrista en los 60 en Les Ambassadors, unos clones de The Shadows de los muchos que había en todo el mundo. Pero este inquieto hombre, currante de ingeniero de computadoras cuando iban a pedales, intuía que algo gordo se estaba gestando con ellas a nivel musical. Durante un viaje a Londres conoce al sintetista francés Serge Ramses en una tienda de sintes. La química se produce y éste le descubre todo un universo nuevo (como él sospechaba). Gracias a Ramses escucha a Schulze y Tangerine Dream. "Ricochet" le abre las puertas de la percepción electrónica. Hace jams en casa de Ramses, que no era una piramide, pero a él se lo parece! Loco por el tema, en 1.975 compra el EMS VCS3 (pequeño pero matón) y el duofónico EMS DK2. Una grabadora 4 pistas y un mezclador, todo de la marca TEAC. Nuestro hombre ya tiene su humilde estudio, no sin dejarse un pastón. Comienza a mover maquetas, hasta que consigue un contacto con Polydor, en Diciembre del 76. Por entonces la escena francesa ya era un hervidero de visionarios. No solo Jean Michel Jarre; Didier Bocquet, Richard Bimat, el propio Serge Ramses, Frederic Mercier, Richard Pihas/Heldon, Joel Fajarman, Space Art o toda la escudería del sello EGG (qué nostálgicos recuerdos me trae ese catálogo!). Además de Tim Blake, que aunque inglés y miembro de Gong, residía en Francia.



 En el 77 edita por fin su tremendo debut, "Green Ray". Un ejercicio titánico, dados los pocos medios del ahora rebautizado Zanov, por entrar en el universo berlinés con un producto a la altura. Lo consigue. Sus tres únicos temas: "Green Ray" , "Machine Desperation" y "Running Beyond a Dream", son dignos descendientes de sus amados T.D. Acercándose a sus logros con un equipo "de juguete". Comparado con la enormidad tecnológica que exhibían los maestros teutones. Las formas cósmicas fluyen en un torrente de ideas que lo acercan al "Cristal Machine" de Tim Blake. Existencialismo electrónico nada artificial. Tras las buenas críticas, adquiere eufórico el secuenciador ARP sequencer 1613 y el semi-modular ARP 2600, todo un clásico. Presenta "Green Ray" en la sala parisina Laser Olympia con un ballet de danza contemporánea, efectos luminotécnicos y diapositivas marcianas. Se embarca "a lo loco" en una gira que tiene que abandonar a mitad. El "yo me lo guiso" no funciona por falta de logística. Eso sí, cumple el sueño de tocar en el Planetario del Palais de la Decouverte, como antes habían hecho sus ídolos alemanes en Berlín. En el 77 compra el raro RMI Harmonic Synthesizer, popularizado por J.M. Jarré en "Oxigene". En el 78 sale otra joya, "Moebius 256 301". Pero por mosqueos con Polydor solo se editan 3.000 copias. Su seguimiento, "In Course of Time", saldrá en 1.982 en la independiente Les Disques Solaris. Fuera de tiempo. Pues había sido concebido en el 78. Frustrado con la industria y sus mamoneos, abandona. Desarrollando su carrera como ingeniero informático, hasta su jubilación. Ahora, libre de presiones, vuelve a la vida artística con "Virtual Future" (2.014), rodeado de programas virtuales marca Arturia (cojonudos!). Material del perido 79-85. Piensa reeditar sus tres discos de los 70 entre este año y el que viene, como se merecen. Bienvenido a nuestras vidas Mr. Zanov

P.D. Gracias por la info al magnífico blog AUDIONAUTAS. Masters!!!



Temas
1. Green Ray (0:00)
2. Machine Desperation (9:42)
3. Running Beyond A Dream (19:42)

Zanov (Pierre Zalkazanov) - teclados



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ANYONE'S DAUGHTER - Adonis (1979) (Colaboración Juan Carlos Rustarazo Vicente)

Magnífico debut de estos alemanes cuyas letras unas veces eran en su lengua de origen y otras en inglés. Este primer lp es ya un plato fuerte a degustar sobresaliendo por encima de todo la canción que da título al álbum dividida en 4 partes que ocupan toda la 1º cara. En ella nos contarán una estroboscópica y ensoñadora historia sobre el dios griego.



Aunque se encuentran todavía en los 70, la producción de su sonido se acerca a lo que serán los años 80 para este estilo.

La música de "la hija de nadie" se caracteriza por unos desarrollos instrumentales muy sinfónicos y cargados de sentimiento rodeados de atmósferas etéreas y cristalinas,  gracias al sonido de las guitarras que son limpias, sin atisbo ninguno de "hard" a lo largo de todo el disco. Y os aseguro que no se echa en falta.


Músicos bien formados y compenetrados. Canciones con evoluciones complejas, muy bien compuestas, melodías excelentes y perfectamente ejecutadas. Tal vez la voz desmerezca un poco al ser bastante lineal y falta de emotividad.

Rock sinfónico de altura. En algunas ocasiones recuerda a los adorados "Camel". No tienen desperdicio. Si no los conoces, no te retrases en hacerlo.



Temas
1. 00:00:00 Anyone's Daughter Adonis Part I: Come Away
2. 00:07:50 Anyone's Daughter Adonis Part II: The Disguise
3. 00:11:19 Anyone's Daughter Adonis Part III: Adonis
4. 00:19:09 Anyone's Daughter Adonis Part IV: Epitaph
5. 00:24:20 Anyone's Daughter Blue House
6. 00:31:43 Anyone's Daughter Sally
7. 00:36:06 Anyone's Daughter Anyone's Daughter
8. 00:45:22 Anyone's Daughter The Taker (previously unreleased title - live in Schorndorf 1977)
9. 00:54:32 Anyone's Daughter The Warship (previously unreleased title - live in Schorndorf 1977)

Formación
Harald Bareth............Bajo, voz lider
Uwe Karpa.................Guitarra acústica y eléctrica
Kono Konopik...........batería
Matthias Ulmer ..............Teclados, voz

PD: Nuestro amigo Juan Carlos Rustarazo tiene un magnífico blog, Las tierras altas del progresivo, que os invito a visitar. Gracias Juan Carlos por tu colaboración

Por cierto os recuerdo que ese pequeño gesto que es pinchar en 
es muy importante para que el blog continue. El blog es posible gracias a vosotros.
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