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TOTTY - Totty 1.977

Totty fue un grupo fundamentalmente de hard rock que editó  un primer disco que resultó ser una verdadera joya. Lamentablemente la irrupción del punk hizo que la banda no tuviera el reconocimiento deseado.


Procedentes de Oklahoma, los hermanos Totty, Dennis (guitarra) y Byron (bajo) , acompañados por diversos baterías. En el 77 editan  su primer disco, "Totty" y en el 81 llegaría el segundo "Too".


Una auténtica joya que en su día fue editada de forma privada y que posteriormente fue rescatada por Radioactive Records. Verdadero hard rock con una frescura que me recuerda a los primeros discos de Pat Travers. La guitarra incendiaria la tenemos desde el primer tema, "Thus Saith The Lord", continuando en el segundo, " T-Town Tears, y a pesar del comienzo la seguimos teniendo en el tercero, "Crack In The Cosmic Egg". Un poquito más calmados pero con un magnífico riff los encontramos en "Love Down By One Share". Por supuesto raíces bluseras están presentes en ". I'Ve Done Made Up My Mind", "Trying To Forget You" y "Take Me Away Jesus". El disco lo cierra "Somebody Help Me", ocho minutos de gran hard rock.




Temas
1. Thus Saith The Lord 00:00
2. T-Town Tears 01:34
3. Crack In The Cosmic Egg 04:18
4. Love Down By One Share 09:27
5. I'Ve Done Made Up My Mind 14:28
6. Wicked Truth 20:11
7. Trying To Forget You 24:32
8. Take Me Away Jesus 28:12
9. Somebody Help Me 33:25

Formación

Dennis Totty : guitarra, voz
Byron Totty: bajo, voz
David Blue - batería (6, 9) 
George Cooper - batería(1, 2, 3, 5, 7, 8)
Roger Roden : batería(4)


y de propia su segundo disco


TOTTY - Too 1.981



Temas

1 Take My Love
2 Avalanche Of Love
3 Bass Mint
4 Standin´ In Heartaches
5 It´s Up To You
6 Scratched Records
7 Livin´In The Streets
8 I´ve Seen Miracles
9 In Memory Of Jimi Hendrix
10 Parable Of The Lost Astronaut

Formación
Byron Totty: bajo, voz
David Blue: batería
Dennis Totty: guitarra, voz


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JETHRO TULL - Aqualung 1.971 (colaboración Christian Jiménez)

¿Cuántas veces en nuestra vida hemos escuchado una canción y nos ha hecho sentir de una manera indescriptible? ¿Cuántas canciones nos han hecho llorar, ponernos alegres, sentir melancolía, hacer que se nos erizase la piel, etc.?
Pues Jethro Tull de seguro que tiene más de una treintena de temas que consiguen todo eso.




Un grupo que ya causó sensación en su actuación en el Sunbury Jazz & Blues Festival en 1.968 no podía ir mal desencaminado en el mundo en el que se quería meter.

"Stand Up" apareció en el '69 y definitivamente conquitaron a todo el mundo con joyas de la talla de "Living in the Past", "Nothing is Easy", la grandiosa "Bourée" y "We Used to Know", que luego sería copiada descaradamente por los Eagles para su "Hotel California"...en vez de demandarles, Anderson prefirió que la banda le invitase a cenar como disculpa.

Y precisamente este hombre, de inimitable ingenio e inagotable versatilidad, es el principal culpable de haber creado unas sinfonías tan perfectas, unos álbumes tan míticos y de haber puesto a Tull como una de las mejores...no, quizá sea la mejor, banda de "rock" de la historia; en mi opinión por encima de los Stones, los Zeppelin y los Beatles.

Porque eso es Jethro Tull, un grupo que a lo largo de sus muchos lustros de carrera han creado piezas indispensables de la música, como son "Minstrel in the Gallery" ('75), "Thick As a Brick" ('72), "The Broadsword and The Beast" ('82), "Dot Com" ('99) o "Crest of a Knave" ('87), y han sido influencia para otras incontables formaciones, independientemente de si practicaban su mismo estilo.




Tras el progresivo y muy "rockero" "Benefit", se meten en el estudio Island Records con algunas ideas en la cabeza de lo que tenía que ser su próxima joya, y, con un ambiente de trabajo muy duro por las condiciones del lugar, el guitarrista Martin Barre se puso a trabajar en un "riff" que le resultaba pegadizo mientras en otra parte de aquel mismo estudio de grabación Jimmy Page componía su "Stairway to Heaven"...mucha casualidad como para que dos obras maestras de la música estuviesen componiéndose al mismo tiempo.

Pero sí, allí estaba Barre, conformando un tema para la posteridad y que formaría parte de un LP histórico que también llevaría su nombre: "Aqualung".

Ian Anderson juró y perjuró que éste no era un disco conceptual, aunque muchos se empeñasen en verlo así. En realidad no lo es, pero parece que las desenfadadas y críticas letras que Anderson escupía al mundo, quejándose de la religión y de la permisividad establecida en una sociedad corrompida, estaban hilvanadas creando una historia propia, aunque difuminadamente, ya que el cantante realizaba esas críticas por medio de la sátira y una visión muy irreverente. Con esa perspectiva se consiguen juntar once temas inolvidables, todos de escucha obligatoria, para comprender lo que este trobador inglés de larga barba y despeinada melena quería mostrarnos.
Elementos de "rock", "folk", "blues" y hasta retazos de música clásica cabían en el vaso de Tull, bien demostrado en las más "rockeras" "Hymn 43", destructiva crítica hablando de un Dios que "sonríe a su hijo mientras está ocupado con sus juegos, sus mujeres y su pistola", y "Cross-Eyed Mary", que trata de una joven prostituta sometida a hombres degenerados como el vagabundo del cual habla la primera canción del disco.

Luego están las más suaves. Con la originalidad de una pintura isabelina, Anderson muestra en "Mother Goose" la historia que narra como alguien pasa por la feria de Hampstead y se encuentra con una mujer barbuda, elefantes, chicas de colegio, un hombre de nieve, la madre ganso del título y hasta a "Long" John Silver, pero que en realidad es una oda a la angustia adolescente de existir en una sociedad donde prima una educación tan estricta...¿quién más hubiera sido capaz de escribir algo así?
Y también deslumbran aquellas perlas acústicas de no más de dos minutos, pero con suficiente belleza como para no obviarlas: "Cheap Day Return", "Slipstream" y la mejor, "Wondering Aloud", donde la aterciopelada voz de Anderson se cruza de nuevo con su lado más divertido en la extraña "Up to Me", que comienza con unas tontas risas para dar paso a esa flauta travesera tan vivaracha y al ritmo de Hammond/Bunker difícil de coger a la primera, ya que de por medio también se mete como pidiendo protagonismo la guitarra eléctrica de Barre.




Como siempre se ha dicho que lo mejor es para el final...efectivamente, las cuatro mejores piezas se dejan para el final:

-Empezando por "Wind-Up", que nos cuenta la vida que Anderson llevaba cuando era obligado a seguir las enseñanzas de la religión por sus estrictos padres y por la escuela, se nos da una pausada introducción de lo que el cantante nos está narrando para dos minutos después modular su voz hacia tonalidades más agresivas y meterse la parte "rockera"; luego, en el 4:21 vuelve el piano de John Evan y la parte pesada, acabando de forma memorable el disco.

-"My God" es uno de los más grandes temas que se hayan compuesto en el "rock". Comienza con un fino rasgueo de guitarra y un Anderson descontento en extremo con la hipocresía de la "sangrienta Iglesia de Inglaterra", para juntarse una virtuosa flauta con una guitarra que entona pinceladas de "blues" y, en el minuto 3:26, dejarle el protagonismo absoluto otra vez a la flauta. La ejecución de Anderson durante ese minuto y medio siguiente es espectacular, donde también se meten en el ajo un coro de voces escalofriante, y deja para la posteridad una canción histórica, de indiscutible belleza, una de las más grandes, con el cantante advirtiéndonos en sus últimos versos que "estaréis rezando, hasta el próximo jueves, a todos los dioses que podáis contar".

-"Locomotive Breath" es, quizá, el más famoso de Jethro Tull y el que no puede faltar cuando hacen una actuación, ya que el público siempre desea escucharla. Es otra de aires "rockeros" y con un doble sentido en su letras que más vale mirársela, y escuchar muchas veces, porque ese solo contagioso de flauta se pegará en los oídos de los receptores para no irse jamás.

-Y, para terminar, la que da comienzo a todo este viaje sideral, una de las míticas, de las que, con sólo 10 veces de escucha, no es suficiente. Y esa es "Aqualung".

El trabajo de fotógrafa de Jennie Anderson le vino muy bien a Ian, porque le sirvió para crear la temática del tema estrella del álbum: un pobre sentado en el banco de un parque "observando con muy mala intención a chicas jóvenes". La parte más "rockera" hace que le cojas asco al personaje, pero el cambio a un suave y melancólico ritmo en el minuto 1:03 hace que sientas lástima de ese pobre individuo: "el Sol está descargando con frío sobre un hombre viejo que deambula solo...pasando el rato del único modo que sabe. La pierna le está doliendo cuando se inclina para recoger a un perro casi muerto...se va al riachuelo y calienta sus pies...".
Es tan triste que da escalofríos.
Pero tras esa pausa comienza la parte más veloz, donde Anderson se encoleriza y repite los mismos versos de antes aunque desde la rabia. Y entonces llega ese solo de poco más de un minuto que te sube la tensión a la primera escucha; Martin Barre está formidable ejecutando unas crudas notas y dejando paso al vocalista que vuelve con su guitarra acústica pidiendo calma, pero cuando regresamos al sonido pesado del principio, Anderson nos hace recordar que el pobre del que nos ha hablado toda la canción es un desecho social...y así es como nos lo hace ver su sociedad.

Disco inmortal de la historia del "rock" y auténtico bombazo en la época, llegando a multiplatino, colocándose en el 4.º puesto en las listas británicas y consagrando a la banda sólo tres años después de su aparición. Todo eso y mucho más es "Aqualung", porque hay que poner bien el oído para quedarse con sus matices musicales y con su mensaje, en especial.
Llegando a las 7.000.000 de copias, es su más exitoso álbum y, tras "Thick As a Brick", el que mejor demuestra la cohesión y compenetración de sus músicos, y de los elementos de "folk" y "hard rock" de una manera tan coherente.

Todos celebraron la llegada del "Aqualung". La "prestigiosa" Rolling Stone dijo "Tull es uno de nuestros más inteligentes grupos, y la elección de la temática de "Aqualung" es testigo de ello"; Melody Maker opinó ""Aqualung"  es sin duda el álbum más significativo de Jethro Tull hasta la fecha", y Sounds dejó claro que "Este álbum es un trabajo redondo, y viene de un grupo que era considerado sólo como "banda de directo". Mejoran a cada momento que pasa".
Estando de acuerdo, era lo mejor que se había hecho por aquel 1.971, y eso que en ese año a cientos de bandas (Uriah Heep, Mountain, Deep Purple, Black Sabbath, Leaf Hound, FACES...) les dio por sacar discos, pero no con el mismo acierto.

Aunque la cosa fue a más y al año siguiente nos pusieron en la cara "Thick As a Brick"...pero ya se hablará de eso en otro momento, porque ese es un disco que necesita su propia reseña...





Temas

1 Aqualung 0:00
2 Cross-Eyed Mary 6:37
3 Cheap Day Return 10:47
4 Mother Goose 12:12
5 Wond'ring Aloud 16:07
6 Up To Me 18:02
7 My God 21:20
8 Hymn 43 28:32
9 Slipstream 31:51
10 Locomotive Breath 33:08
11 Wind-Up 37:34

Formación
Ian Anderson : voz, faluta, guitarras
Martin Barre : guitarra
Clive Bunker : batería
John Evans : teclados
Jeffrey Hammond-Hammond: bajo

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WHA-KOO - Berkshire 1.978 (colaboración J.J. Iglesias)

La soleada escena de Los Ángeles de finales de los setenta está plagada de "rockliquias" por descubrir. Además no suelen cotizarse a grandes precios, de tal modo que puedes llevarte verdaderas joyas en una feria del disco sin tener que hipotecar tu casa. Elegantes trabajos en los que el softrock, AOR y country-rock se codeaban con el hard y el Pomp rock sin ruborizarse. 




Wha-Koo, (en sus principios The Big Wha-Koo), era una maxi-banda de siete elementos que rotaba en torno  a dos principales: David Palmer y Danny Douma. El primero venía de cantar en los excelentes Steely Dan del comienzo. Los del "Can't Buy a Thrill", antes de convertirse en un grupo de jazz rock sofisticado dominado por Walter Beeket y Donald Fagen. El segundo era guitarrista, voz, y el que llevaba un gran peso compositivo junto a Palmer. Otros miembros con importante curriculum eran Don Francisco (percusión y voces) de los soberbios Highway Robbery y Crowfoot; o ick Van Maarth, también cantante solista y guitarrista procedente de The Crickets, la banda de Buddy Holly. Wha-Koo editarían del 77 al 79 tres albumes. "The Big Wha-Koo" (1.977), "Berkshire" (1.978) y "Fragile Line" (1.979). Los dos primeros con el sello ABC, el mismo de Steely Dan, y el tercero en Epic.




Si bien los tres son grandes ejemplos del mejor west coast sound californiano, "Berkshire" destaca claramente por su calidad y por contener el single que les llevó más alto, "You're Such a Fabulous Dancer". Armonías vocales pluscuanperfectas (hasta cuatro cantantes en la formación), limpios solos de guitarra de gran sentimiento, incluída una slide sureña que los acerca a los Eagles, teclados inteligentemente arregaldos.... Canciones redondas y de exquisitez extrema. Danny Douma se iría en este disco, para editar en solitario el recomendable "Night Eyes" ese mismo año. Con colaboraciones de Eric Clapton, Garth Hudson (The Band), la practica totalidad de Fleetwood Mac y los miembros de Wha-Koo. Por lo que puedes considerarlo parte de su discografía. Posteriormente sustituiría al malogrado Terry Kath en Chicago.
El disco es altamente recomendado a fans de Eagles, Boston(realemte recuerdan bastante a ellos ), Ambrosia, Pablo Cruise, Crimson Tide o Starcastle. Una joya infravalorada que personalmente, me encanta. A disfrutar !!


Algunas pequeñas muestras
Rig-A-Marole


Fat Love


Mother of Pearl


( You're Such A ) Fabulous Dancer


Berkshire


Formación
 Peter Freiberger: bajo
Claude Pepper: batería
Nick Van Maarth: guitarra, voz
Richard Kosinski: teclados
Danny Douma: guitarra, voz
David Palmer: voz
 Don Francisco : percusión , voz

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Høst - Hardt mot hardt 1976

Høst fue una banda noruega que coqueteaba con el hard rock y el progresivo con letras en su idioma natal.
Esta banda procedía de  Indre Østfold, Noruega, y se formo en 1.973 teniendo en sus filas a Svein Rønning (guitarra), Lasse Nilsen (guitarra), Knut R. Lie (batería), Geir Jahren (voz) y Bernt Bodahl (bajo) . En el 74 lanzan su primer disco "På Sterke Vinger". A pesar de la buena acogida tres de sus miembros abandonan la formación (guitarras y batería). En su lugar entran  Willy Bendiksen (batería), Fezza Ellingsen (guitarra) og Halvdan Nedrejord (órgano), dandole un aire más progresivo a la banda. Con esta formación graban en el 76 su segundo disco, "Hardt mot hardt ". Nuevos cambios en su formación incluso con cambio de nombre "Ice" y por presiones con la discográfica comienzan a cantar en inglés. Todo esto les llevaría a su disolución en 1.978. Posteriormente se reunirían en diversas ocasiones.


Esta banda noruega nos muestra un sonido con carácter fundamentalmente hard progresivo, su primer tema "Profeters ord", nos da buena cuenta de ello, guitarra y teclista compiten musicalmente, ciertamente es un de los mejores temas del disco. Elementos más sinfónicos los podemos encontrar en " Nattergalen" o en "Lektyre" donde tenemos arreglos orquestales. El tema con el que cierran el disco "Æræeo", tiene incluso cierto aire folclórico. La única pega para mi gusto es el idioma noruego, lo siento pero es muy duro para mi oído.





Temas
1. Profeters ord 00:00 
2. Gorobin 05:40
3. Nattergalen 10:51
4. Ørnkloa 18:06
5. Sirkus 21:26
6. Lektyre 29:14
7. Åse 33:09
8. Æræeo 36:31

Formación
Geir Jahren : voz
Bernt Brodahl : bajo
Willy Bendiksen : batería
Fezza Ellingsen : guitarra, flauta
Halvdan Nedrejord : teclados

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URIAH HEEP- Sweet Freedom 1.973 (colaboración Christian Jiménez)

Las dos palabras Uriah Heep son ya sinónimo de "lóngevo" y, además, sirven también de referencia para muchas bandas de "heavy metal"...que pregunten a King Diamond, a Immortal, ¡o a Metallica, sin ir más lejos!



Efectivamente, este grupo que comenzó a gestarse a mediados de los '60 entre David Byron, Alex Napier, Paul Newton y Mick Box como The Stalkers para luego llamarse SPICE, se ha convertido en uno de esos que son absolutamente imprescindibles para comprender el "rock" progresivo, para encontrarse con lo que sería el embrión del "hard rock" progresivo antes de que llegara gente como Rush y hasta para ver lo que serían los comienzos del "heavy metal" que luego exprimirían Judas Priest.
El caso es que después de que el ex-Toe Fat Ken Hensley se les uniera, esta banda supo, desde su aparición en 1.970 con su "Very 'Eavy, Very 'Umble", conjugar pasajes de puro "rock" con otros llenos de verdadero lirismo y sinfonía. Ese debut se ve como una mezcla entre el "Death Walks Behind You", de Atomic Rooster, y el "Time And a Word" de YES; se amalgamaba potencia, rabia y mucha precisión a la hora de crear melodías gracias al quinteto, que era David Byron a la voz, Ken Hensley a los teclados, Paul Newton al bajo, Ollie Olsson a las baquetas y Mick Box a la guitarra.
Esto fue un despegue más que bueno para los ingleses para acumular energía y más ganas de seguir con el negocio, y así salió "Salisbury" poco después.

Uno tras otro los discos de Heep impactaban en la escena musical del "hard rock" y acumulaban cada vez más éxitos y legiones de fans que los apoyaban incondicionalmente, aunque se viesen más de una vez comparados con sus coetáneos Deep Purple, pero los resultados comerciales se notaban de lejos...
Eso sí, sin duda temas como "Look At Yourself", "Sweet Lorraine", "Easy Living", la balada "Come Away, Melinda"  o "Lady in Black" ya son de escucha obligatoria en la discografía de la banda.
Y así, siguiendo por los senderos musicales y viendo un auténtico baile de miembros, porque eso del ir y venir estaba mucho a la orden del día en Heep (ni Byron se salvó, que se fue en el '77), consiguieron hacerse con una digna posición.



Así llegamos al LP que nos ocupa y uno de mis favoritos de la larga carrera de la banda: "Sweet Freedom", realizado en 1.973. Seis álbumes, y eso tan sólo tres años después de su debut...impensable hoy en día, ¿verdad?

Este sería un disco que decidieron grabar fuera de sus habituales estudios londinenses, concretamente se fueron, nada más y nada menos, que al Chateau D'Herouville en Francia.

Si todos recordamos aquella doble recopilación que sacó Jethro Tull como "The Chateau Disaster Tapes" (donde salían demos que más tarde aparecerían en "War Child" o composiciones que pasarían a mezclarse con el largo "A Passion Play") podemos averiguar de qué modo les fue a los pobres chicos.
Los equipos fallaban a cada dos por tres, el ambiente era muy poco apropiado y los problemas inundaban el estudio, sin contar la drogadicción que el bajista Gary Thain llevaba por aquel entonces (y que le costó la vida).
Pero las cosas se hacían porque tenían que ganarse los cuartos, así que con todo el empeño que pusieron, incluso superando los rumores de que en aquel viejo estudio había espíritus pululando por él, el quinteto se hizo con su sexta obra de arte.

Lo más destacable es el querer explorar nuevos sonidos y explotar ideas que resultasen frescas y originales, ya que es tarea difícil distinguir entre el "Demons And Wizards" del "The Magician's Birthday". Así que buscaron distanciarse ligeramente de la densidad que había en sus canciones y dejar en segundo plano la marca del progresivo que tanto les había caracterizado.
Aquí lo que plantean es endurecer su sonido y crear temas más adictivos y fáciles de asimilar, pero sin perder un ápice de su vena más progresiva y técnica; así podemos escuchar cosas como el melódico y maravilloso corte "One Day" y el enérgico "Seven Stars", llevado a la perfección entre guitarra acústica y un machacón ritmo.
Luego está la más oscura "If I Had the Time", que cabalga entre la suave voz de Byron y esas guitarras tan distorsionadas, mientras Hensley está todo el rato a la cabeza en esos más de cinco minutos con sus teclados. En "Sunshine" se desata rabia "rockera" por los cuatro costados sin concesiones, como podía pasar en "Traveller in Time". Por su parte, encontramos aires "folk" en "Circus".



Las épicas "Sweet Freedom" y "Pilgrim" nos traen de vuelta la grandilocuencia de sus anteriores trabajos, disolviendo la potencia entre grandes dosis de belleza, algo que ya era su seña de identidad, destacando ese cambio de ritmo en el minuto 2:42, en la primera, cuando toda la intensidad baja de repente y deja paso a los teclados, o ese solo afilado de guitarra vertiginoso que lleva a cabo Box, en la segunda, y que nada tiene que envidiar al que K.K. Downing realiza en "Sinner" o al de Tony Iommi en "Killing Yourself to Live".
Y como de costumbre, el tema de los sueños siempre ha sido recurrente en las letras de Heep ("Dreammare", "Dreams", "Beautiful Dream"...), y aquí no iba a ser menos, así que este trabajo abre con la potente "Dreamer", de retazos "funk" y con un aire más intenso que las anteriores; lo que podría dar a creer, por su ritmo imperecedero y sus distorsionadas guitarras que no paran de lanzar "riffs" y solos  cortantes como cuchillas, que este tema se encuentra en los anales del "heavy metal". Para acabar Byron se desgañita repitiendo el título de la canción hasta que todo el sonido va disminuyendo y deja de ser audible.

Pero la mejor es "Stealin'", single que demuestra cómo se puede juntar comercialidad y melodía, sin dejar a un lado la rabia y energía del mejor "hard rock".
Todo empieza con unas tímidas notas que llegan del bajo de Thain y del teclado de Hensley; David Byron se mete como apartando a los otros dos, dejando bien claro de qué va lo que nos quiere contar:
"Llévame a través del agua porque necesito un lugar donde esconderme...he visitado a la hija del ganadero y seguro que he herido su orgullo [...] ¡Peleando, asesinando!, ¡vino y mujeres!, me van a llevar a la tumba. ¡Corriendo, escondiéndome!, ¡perdiendo, llorando!, no tengo nada que salvar...¡excepto mi vida!". El estribillo se hace cada vez más poderoso; bajo, batería, teclados y guitarra inician una batalla por ver qué instrumento destaca por encima del otro, los coros suben su intensidad, Byron se muestra divertido cuando el estrépito rodea todo y la composición acaba por fin con un fuerte golpe de batería de manera espectacular.
Es uno de los mejores temas de "hard rock" que jamás se hayan compuesto, sin duda.

Con todo eso, "Sweet Freedom" fue un auténtico éxito y ha quedado como un clásico y uno de los álbumes más apreciados dentro de la discografía, desgraciadamente malograda cuando entraron los '80, de estos dinosaurios del "hard rock" progresivo, que salió justo en el mejor momento de la carrera de la banda, cuando ya habían pasado de banda de segunda a estrellas de la música.
Ahora son leyenda, y la de ellos está claro que no hay que olvidarla




Temas

1. "Dreamer"
2. "Stealin'"
3. "One Day"
4. "Sweet Freedom"
5. "If I Had the Time"
6. "Seven Stars"
7. "Circus"
8. "Pilgrim"
9. "Sunshine"
10. "Stealin' (Single version)"
11. "Sweet Freedom (Edited version)"
12. "Seven Stars (Unreleased version)"
13. "Pilgrim (Edited version)"

Formación
David Byron : voz
Ken Hensley : teclados, guitarra, voz
Mick Box : guitarra
Lee Kerslake : batería , voz
Gary Thain : bajo

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PETE CARR - Not a Word on it 1.976 (colaboración J.J. Iglesias)

No hace Mucho traíamos por aquí a Les Dudek, un guitarrista ligado a la gran familia Allman. Hoy hacemos una segunda parte con otro estupendo músico de sesión de este instrumento. Y también relacionado con la Allman Brothers Band. 





Pete Carr comenzó como bajista en The Hourglass, junto a los luego famosos hermanos Gregg y Duane, Paul Hornsby y Johnny Sandlin. Posteriormente pasaría a Muscle Shoals Rhythm Section, siendo reputado sesionero par artistas de la talla de Joan Baez, Bob Seger, Boz Scaggs, Paul Simon, Rod Stewart, Wilson Pickett o Hank Willians JR. También formaría parte del dúo Leblanc & Carr. En los 70 grabó cuatro albumes en solitario (más similitudes con Dudex), y aquí traemos uno de ellos. En él encontramos algo así como "southern-fusión", si es que existe esa etiqueta. Y probablemente así es, si nos fijamos en otros ilustres ejemplos Dixie Dregs, Sea Level o el propio Les Dudek. Totalmente instrumental, la guitarra de Pete Carr brilla en unas composiciones construidas entre influencias de Jeff Beck, Duane Allman, Dickey Betts o Roy Buchanan.

Hasta tres teclistas respaldan al jefe: Tim Hansen, Clayton Ivey y el gran Chuck Leavell (Allman Brothers/ Sea Level /Rolling Stones9. Harvey Thompson añade el necesario gusto jazzy son su saxo. Roger Clark y Tom Ready eran batería y percusiones, respectivamente. Y el bajo corría a cargo de su amigo y compañero de dúo, Lenny Le Blanc. 






"Tuscumbian Lover" abre el álbum con influencia del eterno Roy Buchanan, par pasasr a un desarrollo jazzistico-sureño muy similar al clàsico Allman "In Memory of Elizabeth Reed". Esto se vuelve característico en el estilo de componer de Pete Carr. Le sigue "Fox Fire" con más southern feel y un fogoso saxo. No quedaría extraña en un álbum de Sea Level. El ritmo calipso de "Journey with the Breeze" deja entrever el respeto que Carr siente por el Jeff Becj de "wired" o "Blow by blow". Algo que continúa  en "on Lucifer's Knee". Volvemos al puro sonido Allman en la espectacular "Theme from Sparke". La segunda cara sigue dando una lección de guitarra maestra southern-fusión, desembocando en la explosiva "Twisted Hair" de siete minutos magníficos, en cabalgada eufórica al más puro estilo Dickey Betts.

En 1.978 editaría el también recomendable "Multiple Flash", que se encargaría de promocionar teloneando a Lynyrd Skynyrd en la fatídica gira de "Street Survivors", sí, la del accidente aéreo.
"Not a Word on it" resulta un estupendo disco instrumental / de ahí su título), que entra con facilidad y se escucha son sumo agrado. Otra joya oculta donde nos muestran diversos estilos en perfecto equilibrio, para crear uno propio. Un guitarrista no muy conocido pero de indudable primera división.



Algunas pequeñas muestras

Tuscumbian Lover


FireFox


Journey With The Breeze


On Lucifer's Knee


Theme From Sparkle


Broken Stone


Twisted Hair


Formación

Pete Carr : guitarra
Roger Clark: batería
Clayton Ivey: teclados
Jim Henson : teclados
Chuck Leavell : teclados
Lenny LeBlanc: bajo
Tom Roady: percusión
Harvey Thompson: saxo

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THE HUMAN BEAST - Volumen One 1.970

The Human Beast fue una banda con un sonido oscuro e inquietante que no tuvo éxito pero que puede llegar a hipnotizarnos con su música.


Lo cierto es que los datos sobre el grupo son escasos. Procedían de Edimburgo y se formaron a finales de los 60. La banda estaba formada por John Romsey (batería) , Ed Jones -(bajo, voz ) y  Gillies Buchan (guitarra,voz). Ficharon por DECCA y en 1.970 editaron "Volumen One" teniendo como productor a  Ray Horrics.


Este trío escocés desarrolla una música que se mueve por los caminos de heavy psicodélico. Temas con sonido oscuro donde predomina la guitarra de Gillies Buchan y su abuso del Wah wah, y una notable sección rítmica con un jovencísimo batería, John Romsey, apenas 16 años.  El primer tema, "Mystic Man", es uno de los más destacados. También podemos encontrar ciertos sonido raga en alguno de sus temas, " Appearance Is Everything, Style Is A Way Of Living". Su versión de "Maybe Someday" de  The Incredible String Band, es más que notable.




Temas
1.- Mystic Man- 00:00
2.- Appearance Is Everything, Style Is A Way Of Living- 06:53
3.- Brush With The Midnight Butterfly-11:30
4.-Maybe Someday-16:56
5.- Reality Presented As An Alternative-23:20
6.- Naked Breakfast-28:23
7.- Circle Of The Night-31:35

Formación
John Romsey :batería
  Ed Jones : bajo, voz 
  Gillies Buchan :guitarra,voz


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LAFAUCI - Lafauci 1.978

Lafauci es un grupo de "southern rock" que a buen seguro nos hará pasar un buen rato y por ello merece tener su rinconcito este blog.



Esta bandas de Luisiana comenzó su recorrido a mediados de los 70. Su formación estaba integrada por Sal Lafauci (voz, batería y órgano) , Weil (bajo), Steve Dodds (guitarra) y Keith Guidroz (guitarra). En el 78 consiguieron lanzar 1.000 copias de su único disco "Lafauci". Su buen rock sureño no fue suficiente para que su carrera perdurase en el tiempo.


El primer tema, "Flowing River", nos puede hacer pensar que estamos ante un grupo de rock progresivo, sobre todo por los teclados del invitado Billy Stround. Nada más lejos de la realidad, este grupo nos muestra un rock sureño de pura cepa, basta oír temas como "Ride Chester," , "Lovingyou is right", "My Woman" o "Let the good times Roll". Escuchando estos temas nos recordaran a gente como Outlaws  o Molly Hatchet, con la voz ruda de Lafauci y el tratamiento de dobles guitarras de Dodds y Guidroz. Temas más tranquilos los encontramos en "Special Love" o en "Help Yourself".




Temas
1.Flowing River 00:00
2.Ride Chester 02:38
3.Lovin You is Right 05:19
4.Special Love 08:20
5.My Woman 12:30
6.Let The Good Times Roll 15:24
7.Help Yourself 17:55
8.Mary,Mary 22:07
9.Don't Be a Traitor 24:45

Formación
Sal Lafauci ) - voz, batería
Chip Weil - bajo
Steve Dodds - guitarra
Keith Guidroz - guitarra
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AERIAL - In the Middle of the night 1.978 (colaboración J.J. Iglesias)

Nos acercamos por Canadá para echar un vistazo a una de esas grandes bandas Pomp (prog + hard) que adornaron el panorama inmenso de los 70. Aerial procedía de la Beatles Tribute Band, Liverpool. 


En el 77 Gary O'Connor (guitarras, bajo, voz) cambiaría el estilo y nombre del grupo por algo más acorde con los tiempos. Malcolm Buchanan con su arsenal teclístico aporta el distintivo sabor progresivo. Laurie Currie en la batería (y teclados/voz), y Brian Miessner al bajo (acústicas/voz) completan el cuarteto. Aquí tenemos muchas conexiones con Rush: Ray Daniels, hombre clave en los comienzos del trío, ficha a Aerial par asu sello Anthem. Posteriormente lo haría con los propios Rush y Max Webster. Estos últimos, otros compañeros de carretera de Geddy Lee y cía. "In the Middle of the Night" (1.978) se grabó en los Phase One Studios de Toronto. Y el bonito diseño de la carpeta corrió a cargo de Hugh Syme. Todo conexiones Rush.




Como mandan los cánones del buen Pomp, las armonías vocales reinan con deliciosos apoyos a la voz solista. Y su anterior experiencia beatleniana facilitó el trabajo. Abre el disco "Harmony" con interludios teclas-guitarra, con mellotron de fondo y un atrapante estribillo. Le sigue el tema título, una fabulosa composición de sabor hard-funk que merodea territorios cercanos a Saga y Toto. El break instrumental en la mitad no estaría de más en un disco de Barclay James Harvest. Gary O'Connor exibe un gusto en sus intervenciones de guitarra excepcional. "Easy Love" fue un single de moderado éxito par el grupo. Un medio tiempo soft de elegantes líneas instrumentales en línea Firefall/Player. "All Right" ofrecesoporte teclístico-vocal similar a los mejores Styx. "If Only I Were Older" podría ser Boston con Rick Wakeman. La segunda cara incide en el sinfonismo hard a lo Styx, Touch o Zon (otros grandes pompers canadienses). "Race the Sun " y "You're Got a Way" funcionarían en un repertorio de Novalis o Hoelderlin. "Indispensable Thomas Hensible" y "Gypsy Face" poseen un aderezo más hard rock, sin perder sus esencias teclísticas reinantes.

Álbum de notable muy alto que tendría un discreto seguimiento con "Maneuvers" (1.980), ya sin Gary O'Connor, que seguiría carrera en solitario. Posteriormente sería conocido como compositor par otros artistas, entre otros Molly Hatchet, 38 Special o Eddie Money.

 Aerial forma parte del panteón de promesas truncadas que, no obstante mala suerte, dejaron huella en forma de pequeñas joyas par la historia. Yen Canadá hubo gran cantidad de ellas. Seguiremos informando.







Temas

1.- Harmony 00:00 
2.- In the Middle of the Night 03:28
3.- Easy Love 08:38 
4.- All Right 11:53 
5.- If Only I Were Older 15:00 
6.- Indispensible Thomas Hensible 18:06 
7.- Race the Sun 23:22 
8.- You've Got a Way 27:14
9.- Gypsy Face 31:59
10 - Moments Like This 37:34

Formación
Brian Miessner: bajo, voz
Laurie Currie: batería
Gary O'Connor: guitarra, voz
Malcolm Buchanan: teclados

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RANDY HOLDEN - Population II 1.969

Randy Holden es uno de los guitarristas más olvidados del rock. Después de su paso fugaz por Blue Cheer, grabó un disco y desapareció durante veintisiete años.


Randy Holden nació en Pensilvania (1.945). Comenzó tocando en grupos como The Iridescents , Fender IV  o The Sons of Adam. Con estos últimos abrió el show de los Rolling Stones en el Long Beach Sports Arena. Con los  The Other Half graba un disco y en el 69 se une a Blue Cheer sustituyendo a  Leigh Stephens. Su paso por el grupo se reduce a menos de un año y una reducida intervención en el disco  New! Improved! . Tras abandonar la banda se embarca en el proyecto "Population II" junto al batería Chris Lockheed. Problemas de todo tipo con la compañía discográfica suponen la ruina para Randy y decide alejarse de la música. Veintisiete años después salió de las catacumbas para volver a la vida.


Si tenemos en cuenta que en 1.969 Randy Holden grabó con una muralla de 16 amplificadores Sunn de 200 vatios cada uno, nos podemos imaginar  cual puede ser su sonido.Guitarra llena de distorsión y fuzz dan como resultado unas sonoridades que se adelantaron a su época. Hoy lo llamaríamos proto doom, stoner o cualquier otra de esas etiquetas que tanto nos gusta poner. En realidad es un hombre con su hacha (guitarra) y con una montaña de amplis. Sonidos en algunos casos comparables a los primeros Sabbath. Acompañado por el batería Chris Lockheed, Randy se hace cargo de la guitarra, el bajo y la voz. Recomendado oírlo alto muy alto, como en los viejos tiempos.




Temas
1. Guitar Song 00:00 
2. Fruit & Iceburgs 06:11
3. Between Time 11:12
4. Fruit & Iceburgs (Conclusion) 13:00
5. Blue My Mind 14:55
6. Keeper of My Flame 20:54

Formación
Randy Holden: Guitarra, Bajo, Voz 
Chris Lockheed: batería

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JUDAS PRIEST - Sin after Sin 1.977 (colaboración Christian Jiménez)

1.977: una fecha clave para muchas bandas de "rock" de la época.
Ted Nugent llegó con su álbum más vendido, el mítico "Cat Scratch Fever"; AC/DC hicieron que los de Atlantic se pusieran de rodillas ante ellos con su "Let There be Rock"; los Lynyrd Skynyrd rindieron tributo a sus caídos con "Street Survivors"; QUEEN conquistaron al mundo con su "We Will Rock You!" y su "We Are the Champions", ambos del "News of the World" y un descontento Ian Anderson se cortó sus barbas y melena, se largó a vivir al campo y creó "Songs From the Wood", uno de sus álbumes más brillantes...todo esto mientras el "punk" que inauguraron Los Ramones, y que explotaron bien los Sex Pistols, dominaba la escena popular de la música.
Pero para una banda original de Birmingham, que tan sólo hizo dos álbumes en una compañía menor como era Gull Records y que se estaba ganando a pulso el tener un puesto privilegiado en el mundo de la música, fue un momento realmente crucial en su carrera.




Y es que Judas Priest rozaron el techo de su creatividad y virtuosidad discográfica con su rompedor y sobresaliente "Sad Wings of Destiny", álbum de álbumes y esencial si se quiere entender las palabras "heavy metal". Puede que Black Sabbath y otras bandas empezaran a darle forma al género, pero fueron Halford y compañía quienes lo inventaron como concepto musical y casi como modo de vida cuando en el '78 aparecieron llevando el cuero negro que representaría la manera de vestir que tenía que llevar realmente ese término musical.
Pero el caso es que en el '77 CBS se interesó por los chicos y les ofreció un nuevo contrato. Estaba claro que Gull no les trataba como se merecían y la oportunidad más grande se presentó de repente, así que ni se lo pensaron.
Lo malo, y a día de hoy es todavía una molestia, es que Gull se quedó con los derechos de los dos primeros discos de la banda ya que el juicio lo perdieron como siempre los músicos y, como siempre, quienes ganaron, fueron los ejecutivos.

Pero todo estaba a punto de cambiar: Alan Moore es despedido, la compañía le propone al bajista de Deep Purple que haga de productor (quien ya había hecho una labor excelente con los "Razamanaz" ('73) y "Rampant" ('74) del grupo Nazareth) y un joven de 19 años llamado Simon Phillips se pone a las baquetas.
Todo esto lleva al mismo destino, grabado en los Estudios Pinewood, uno de los más poderosos, enérgicos y, dicho sea de paso, míticos álbumes de "heavy metal" que se hicieron por aquellos '70, "Sin After Sin".

Y es que, si en "Sad Wings of Destiny" encontrábamos un sonido muy pulido, unas guitarras con sonidos afilados y cristalinos al mismo tiempo y una voz limpia y pletórica, en este disco el ambiente se torna mucho más tenebroso y el sonido cambia ligeramente para hacerse más agresivo, al igual que la voz de Halford, que parece mostrar incluso cierto aire de enfado en sus inflexiones.




Pues agárrense:
-Este periplo comienza con el tema que (practicamente) da título al álbum: "Sinner", una inclemente canción imprescindible en la discografía de la banda y una de las más grandes que hayan hecho.
Lo que nos encontramos es una voz, como ya comenté, más agresiva y rasposa, para que encaje bien con el sonido de unas guitarras corrosivas que realizan espectaculares batallas de "riffs" entre sí, aunque si por algo destaca es por ese solo de K.K. Downing en mitad de la composición y que, sin exagerar, pone los pelos de punta.
-Luego nos vamos con el más comercial del LP, también de ejecución obligatoria en sus conciertos y a día de hoy un verdadero "diamante" musical, "Diamonds and Rust" (que fue decisión de Glover el que acabara en el disco...sabia decisión), una vuelta de tuerca de la recordada canción de Joan Baez que encaja perfectamente entre la primera y la que viene después.
-"Starbreaker", otra mucho más "rockera" donde despuntan su divertida batería del principio y el ritmo tan Purple que tiene.
-"Last Rose of Summer" es, posiblemente, una de las baladas más sensibles que el grupo realizó, donde aquí los dulces sonidos que desprenden las cuerdas de Tipton se funden delicadamente con la satinada voz del cantante, aquí mostrándonos la gran versatilidad de sus cuerdas vocales. Inolvidable ese "the last rooose...of the summeeer..." que se va repitiendo a lo largo de los últimos 2:49 minutos y que se mezcla con las finas notas que van apagándose poco a poco para dar paso a la que es mi favorita de todo el álbum.
-"Let us Prey/Call for the Priest", la mejor. Un tema 100% Priest, como puede serlo "Stained Class" o "Tyrant", donde, tras ese primer minuto de introducción, comienza el bombardeo de Phillips, seguido de un contagioso "riff" de guitarra y los fuertes tonos de Halford. Frénetica y sin darte un respiro, es capaz de ponerte a 1.000 por hora las pulsaciones con su ritmo incansable y sus vertiginosos aunque milimetrados solos de guitarras, donde Tipton descarga enfermizas toneladas de notas rapidísimas y Downing le contesta como diciendo "¡¿pero tú qué pretendes, cap***o?, ¿ir más rápido que yo? J***r, te vas a enterar!". Todo se descontrola en esos escasos 50 segundos pero de una manera muy precisa, y e ahí la maestría de los dos guitarristas. Se podría decir que es la primera de "speed metal" de la historia, si no hubiera sido por Armageddon y su "Buzzard".
-Una pieza que se describiría como un corrosivo "blues" viene detrás, "Raw Deal", dicho sea de paso es la primera declaración de Halford de sus tendencias homosexuales (sólo hace falta fijarse un poco en lo que dice la letra), y que sus irreverentes "riffs" con sus cambios de ritmo tan entretenidos conforman una sinfonía áspera y a la vez divertida de escuchar.
-Vamos terminando y nos metemos de cabeza en la más lóbrega del disco, la melancólica balada "Here Come the Tears". Finas cuerdas en el minuto 1:09 nos enseñan la tristeza que el señor Halford quiere impregnarnos para en el 1:59 romper en gritos con su plegaria de dolor seguido de un emotivo y emocionante solo y acabar como acababa "Last Rose of Summer", repitiendo todo el rato el título. Es inevitable que la carne no se ponga de gallina en esos últimos segundos de la canción.
-Pero la delicadeza se va al carajo cuando una tremenda explosión y un juguetón rasgueo, unido a la base rítmica de Hill y Phillips, y el redoble de las baterías que éste hace, trae consigo el agudo chillido del vocalista que presagia el espectacular final: "Dissident Aggressor", la más extrema muestra de "heavy metal" setentero y la primera canción de "thrash metal" de la historia (por mucho que se empeñen en que lo es el "Sheer Heart Attack" de QUEEN).
El más desquiciado de los solos restalla sin control alguno, deseando arañar los tímpanos de los oyentes y la velocidad va creciendo por momentos mientras Rob Halford pronuncia con más ira que nunca los últimos versos.




Certificado como "Oro", y llegando al 23 en los "charts", "Sin After Sin" se convirtió en una piedra angular en la discografía de Judas Priest. Gracias a él pudieron desembarcar en las costas americanas y compartir cartel con grupos de la talla de Foreigner o REO Speedwagon, pero lo mejor llegó cuando el grupo puso los pies en el Oakland Coliseum siendo teloneros de los mismísimos Led Zeppelin y tocando frente a 120.000 fans durante dos días.
Algo que les consagró aún más. Les Binks llegaría poco después y se meterían en el estudio para hacer el no menos impresionante "Stained Class" y darle más orgasmos (musicalmente hablando) al mundo...pero todo el mundo se sabe la historia...poco después ya se habrían convertido en los dioses indiscutibles del "heavy metal".

En este tercer disco daban sus primeros pasos, o más bien zancadas, para, justamente alcanzar ese título. En fin, aquí lo que hay son 40:36 minutos de esplendor que hay que escuchar con los oídos bien abiertos...¡y ya está!




Temas
0:00 Sinner
6:44 Diamonds and Rust
10:11 Starbreaker
15:02 Last Rose of Summer
20:39 Let Us Prey/Call For The Priest 
26:51 Raw Deal 
32:52 Here Come The Tears
37:29 Dissident Aggressor
40:37 Race with The Devil
43:44 Jawbreaker

Formación
Rob Halford: voz
K.K. Downing: guitarra eléctrica
Glenn Tipton: guitarra eléctrica y coros
Ian Hill: bajo
Simon Phillips: batería 

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Rockliquias Actual: MORTE MACABRE - Symphonic Holocaust 1.998 (colaboración J.J. Iglesias)

La tendencia del ser humano por simplificar la historia no es ajena tampoco al rock. Así, mientras muchos iluminados ven a la década de los 90 como "la del grunge", olvidan alarmantemente que fueron los años en que, por fin, resucitó el rock progresivo. La rancia prensa musical ya nada podía hacer contra las desprejuiciadas nuevas generaciones que descubrían , fascinados, los olvidados vinilos prog. de sus padres. De ahí saldrían nombres que ya forman parte de nuestra historia progresiva más reciente (si es que se puede aplicar esta palabra a un resurgir que ya ha cumplido 20 años). El norte de Europa estuvo especialmente fino. Anglagard ( su "Hybris" ya forma parte del Olimpo Prog, con los más grandes), White Willow, The Flower Kings, Anekdoten o Landberk, hicieron poner los radares en dirección a Escandinavia.




Nicklas Berg (Rhodes, theremin, guitarra y bajo) y Peter Nordins (batería, percusión) de Anekdoten, Stefan Dimie (bajo y moog) y Reine Fiske (guitarra, violín, Rhodes) de Landberk. Crearon esta fantasmagoría sónica llamada Morte Macabre. Su único disco, "Symphonic Holocaust". Obra maestra de este grupo que no ha tenido continuación, aunque los rumores de una vuelta siempre están en el aire. El sonido de Morte Macabre giraba en torno al sagrado armatoste de los 70, el mellotrón, Instrumento icono del rock progresivo. Los cuatro miembros del grupo atacan este "proto-sampler" con pasión maquiavélica. Y la temática del disco es el terror las pelis de miedo. Algo manido hasta la saciedad en el metal, pero que demuestra aquí ( una vez más), cual es su verdadero hábitat musical: el campo del rock progresivo. Los maestros Goblin, Gracious, Museo Rosenbach, King Crimson, Pink Floyd o Tangerine Dream en los 70 exploraron el género progresivo-terrorífico entre otros muchos, con perfecta solvencia. Su idiosincrasia fílmica y descriptiva lo hace ideal para estos menesteres. Temas extraídos de "City of the living Dead", "The Beyond", la sobrecogedora "Lullaby" de "Rosemary's Babe" (Roman Polanski), "Beyond the Darkness", "Cannibal Holocaust" y "Golden Girls". Películas series B de cine de barrio que ví de adolescentey me marcaron. 




Para terminar en la cara D del álbum doble con "Symphonic Holocaust" de casi 20 minutos, trabajo original de la banda de magnitudes colosales. Este disco da para un ensayo o tesis doctoral, señores. Esto es música que retrata el mal desde un punto de vista interior, sincero y diabólicamente humano. Una oda a la temporalidad de la carne y al inevitable paso del tiempo. La vida y la muerte como una sola cosa. Estamos ante un disco único en su género. Primordial. Pero si quieres emociones de índole similar, puedes indagar en la obra de Anima Morte. Totalmente influidos por esta monstruosa materpiece. "Cuarto Milenio" debería atender a ésta sombría rockliquia.



Temas 
Apoteosi Del Mistero


Threats Of Stark Reality


Sequenza Ritmica E Tema


Lullaby

Quiet Drops


Opening Theme


Suoni Dissonanti


The Photosession


Symphonic Holocaust





Formación

Stefan Dimle: bajo, teclados
Peter Nordins: batería, teclados
Reine Fiske: guitarra, teclados
 Nicklas Berg: teclados, bajo

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KARTHAGO - Live at the Roxy 1.976

Karthago fue un grupo alemán, no confundirlos con el grupo húngaro del mismo nombre, que tuvo en su filas al bajista  Glenn Cornick (ex Jethro Tull).


Joey Albrecht (guitarra) y Gerald Luciano Hartwig (bajo) llevaban desde el 68 trabajando juntos en la banda "Blues Machine". En 1.971 deciden formar Karthago junto al percusionista  Thomas Goldschmitt. Ese mismo año fichan por BASF y antes de iniciar las grabaciones de su primer disco, "Karthago", se incorporan al proyecto Ingo Bischof (teclados) y Wolfgang Brock (batería). El disco tuvo un notable éxito, no solo en Alemania, en Francia también obtuvo cierta repercusión lo que les sirvió para realizar giras por Austria, Suiza, Holanda, Bélgica, Francia, Suecia, Dinamarca y Finlandia.  Su segundo disco, "Second Step", llegó en 1.973 , el batería Brock había sido sustituido por Norbert Lehmann que en unos meses deja el grupo para entrar en  Epitaph, Konstantin Bommarius ocuparía su lugar. En el verano del 74 Hartwig deja el grupo y entra Glenn Cornick. Llega su tercer LP, "Rock 'N Roll Testament", notablemente influenciado por los numerosos cambios en las filas del grupo.  En 1.976 llegó su primer disco en directo "Live at the Roxy" con el regreso del bajista Hartwig. Ese mismo año decidirían disolverse.  A pesar de todo Albrecht reunió a varios músicos en el verano del 77 para editar "Love is a Cake".



Este doble Lp nos muestra las actuaciones de la banda en Hamburgo y en el Roxy de Berlín en enero de 1.976. Su música nos muestra un rock muy sólido con matices funk y progresivo. Buenos solos de guitarra ,teclados, y con unas percusiones muy al estilo Santana.  En temas como "Rock 'n roll Testament" y sobre todo "We Gonna Keep It Together"  pueden llegar a sonar como los Allman Brothers. El ambiente creado en "Thema in C" por el piano eléctrico me recuerda a la época del "Lotus" de Santana. "Highway Seeker (Did Nobody Tell You)" sireve para el lucimiento de Albrecht (guitarra) y en "We Give You Everything You Need" el turno les llega a Hartwig (bajo), Funk (batería) y Goldschmitt (percusión). Como fin de fiesta el conocido "Going Down" (Freddie King).  En definitiva un gran disco en directo.








Temas


1 The World Is Like A Burning Fire 00:00 
2 Sound In The Air 05:40 
3 Rock And Roll Testament 10:35 
4 We Gonna Keep It Together 15:36 
5 Thema In C 23:00
6 The Second String Rambler 33:40
7 Wild River 46:19 
8 Highway Seeker (Did Nobody Tell You) 53:25
9 We Give You Everything You Need 01:09:40
10 Going Down 01:23:30 
11 See You Tomorrow In The Sky 01:29:00

Formación
Gerald Hartwig: bajo
Ringo Funk: batería
Reinhart Bopp: guitarra
Joey Albrecht: guitarra, voz
Ingo Bischof: teclados
Tommy Goldschmidt: percusión

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